11 marzo, 2026 / Entrevistas
JustMad 2026
La edición de 2026 Hybrid Art Fair estuvo llena de propuestas interesantes. Aquí hemos recogido las que más sugerentes nos parecieron: ArtQuake Gallery con las artistas Gabby Grube y María Hernández Belmonte; Galería LaEcléctica con los artistas María JL Hierro, Mario Marín y Elisa Terroba; Casa das Peritas con los artistas Inés Silvalde, Óscar Aldonza Torres, María Magán y Vera Vizzi; Asociación Canaria de Artistas Visuales con los artistas Dani Hache, Aya Mesa, Dani V. Ruiz; RAUM E116 con los artistas Leo Puñal, Sergio Frutos, Paco Vallejo y Alicia Guirao; Canal Gallery con los artistas Selectormarx y Conrado López; Systema Project con los artistas Tsugumi Tanaka, Yuki Harada y Eri Hirachi; Ache Gallería con los artistas Rebecca Uliczka y Miguel Ezquerro; Estudio Vargas 13 con los artistas Luis Sanz y Greta Hammond; Rebel Hadas – La Parida Gallery con las artistas Leila Amat, Helena Maldonado y Charo Guijarro; Shapó Olé Gallery con las artistas Laura Ray, Marta Bernad, Fernanda J. Carregado y María Egea; La Cabina con las artistas Chus Martínez, Izaskun Balmaseda y Parafiliarte; Galería Origen con los artistas Laura Abril, Ricardo Sánchezt y Fortea Gallat y Espacio Punto Nemo con los artistas Natalia Dávila, Raúl Muñoz, Valentina Maio y Miguel de Unamuno y AfterPoema con la artista Flor Dacal.
Hybrid Art Fair 2026 ha sido el triunfo del arte comisariado en las distancias cortas de las habitaciones y espacios de un hotel convertido en espacio artístico y performativo. La feria ha alcanzado los 6.500 visitantes en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara. Las propuestas comisariadas de más de 150 artistas transformaron las 45 habitaciones en espacios de reflexión y disfrute sensorial.
Fundada por Daniel Ortiz, ArtQuake Gallery nació en 2022 como una galería de arte online orientada a la promoción y difusión de artistas emergentes cuyos proyectos gocen de una fuerza conceptual, resuelta con elegancia y honestidad. La galería se vuelca en propuestas pictóricas, fotográficas y digitales, en busca de ofrecer al espectador un espacio de desconexión y reflexión sobre el mundo que le rodea.
ArtQuake Gallery participa en Hybrid Art Fair 2026 con Viaje Iniciático. La propuesta curatorial se inspira en el concepto de rito de iniciación —entendido como un proceso de tránsito y transformación—, tal como lo aborda Mircea Eliade. La galería traslada esta idea a una perspectiva vital y existencial, explorando el viaje como un camino de búsqueda y confrontación.
Dos artistas, Gabby Grube y María Hernández Belmonte, desarrollan su obra a partir de esta premisa. Gabby Grube, presenta una serie de obras centradas en su coche, un Beetle de 1959. La máquina se convierte en el vehículo físico del viaje y en el símbolo de una eterna búsqueda de identidad, vinculando la constante reparación del automóvil con la del ser humano.María Hernández Belmonte, dirige su foco hacia la naturaleza. Utiliza el patrón de migración de la golondrina y sus fases como metáfora de un viaje cíclico y las etapas que lo componen.
Las obras convergen en la reflexión sobre el eterno retorno, evocando la nostalgia, la memoria y la confrontación del destino. Este camino lleva al espectador a una percepción del viaje como un movimiento perpetuo entre lo absurdo y lo trascendente, en resonancia con el mito de Sísifo desde una perspectiva existencialista.
MARÍA HERNÁNDEZ BELMONTE
MARÍA HERNÁNDEZ BELMONTE
Graduada en Bellas Artes y cursando el Máster de Producción e Investigación en Arte por la Universidad de Granada.
Su trabajo explora la relación entre los recuerdos, la memoria, la nostalgia y la identidad a través de la pintura y el arte textil. Es una invitación busca invitar al público a reflexionar sobre sus propios recuerdos e identidades, así como preservar y reivindicar las tradiciones textiles dentro del arte
contemporáneo.
GABBY GRUBE
GABBY GRUBE
Graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y con un Master en Arte, Mercado y Emprendimiento.
Comenzó su obra como un ejercicio de exploración emocional. La tristeza, la soledad y la ansiedad eran motivos recurrentes en sus cuadros.
Tras esta etapa, sin abandonar el trabajo introspectivo, plasma en sus lienzos narrativas vinculadas a su otra gran pasión: el mundo del motor. Su Beetle de 1959 es protagonista recurrente de sus trabajos y a través de él busca trascender más allá de un rol utilitario a un receptáculo que trasciende generacionalmente.
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LAECLÉCTICA es una galería de arte y de palabra.
palabra
Unidad lingüística, dotada generalmente de significado, que se separa de las demás mediante pausas potenciales en la pronunciación y blancos en la escritura.
P : Proceso. Pensamiento. Proyecto. Percepción. Performance.
A : Acción. Actividad. Avatar.
L : Laboratorio. Labor. Lector.
A : Agitación. Alteración.
B : Belleza. Bar. Bandazo.
R : Relación. Reflexión. Reinterpretación. Rebelión. Refrán.
A : Amistad.
LaEcléctica presenta en Hybrid Art Fair 2026 la exposición Lo que se desplaza, una muestra que reúne el trabajo de tres artistas en torno a los movimientos —visibles e invisibles— que definen la vida contemporánea, tales como los desplazamientos territoriales, objetuales y conceptuales.
MARÍA JL HIERRO
MARÍA JL HIERRO
María JL Hierro, artista española multidisciplinar que dirige desde 2017 en su ciudad natal, Huelva, el espacio LAECLÉCTICA y que trabaja con las palabras y los errores, con tinta y papel: ha creado una denominación específica para buena parte de su producción, la de tipoesía, a medio camino entre poesía concreta y retruécanos. La crea jugando con las letras, con sus colores, disposiciones y tamaños, y sin temer a posibles errores, que ella en todo caso considera casualidades y en los que también encuentra una forma de belleza.
Para Hybrid 2026, María JL Hierro dirige la mirada hacia un cielo donde la verdad parece ausente. Mediante lienzos que funcionan como espejismos, la artista sugiere que la certeza no reside en las alturas, sino en lo íntimo y en los movimientos cotidianos que tienen lugar a ras de suelo.
MARIO MARÍN
MARIO MARÍN
Mario Marín aborda el desplazamiento de objetos y valores. Su pintura se inspira en el comercio digital de segunda mano, creando un país paralelo donde lo inútil adquiere un valor inesperado. Su obra cuestiona el deseo y la migración doméstica de mercancías que circulan sin cesar.
ELISA TERROBA
ELISA TERROBA
Elisa Terroba contribuye con obras que transforman viejos atlas en vehículos que transitan entre lo lúdico y lo crítico. Sus libros modificados, que incorporan ruedas de skate, recuerdan que los mapas representan tanto fronteras como territorios de tránsito.
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Es un espacio de creación y mediación cultural ubicado en la aldea de Mallas, Fisterra, impulsado por Natasha Lelenco y Tomás Lijó desde el año 2017. Con base en una antigua casa de labranza de la que toma el nombre, combina estudio artístico, exposiciones y encuentros públicos articulando un diálogo entre arte contemporáneo y comunidad local bajo la autodenominada fórmula de Galería ocasional. Su actividad se extiende también como galería online en plataformas internacionales, conectando prácticas desde el rural de la Costa da Morte con audiencias globales y apostando por la idea de que el centro y la periferia son conceptos que dependen del lugar desde el que se mire.
La propuesta de Casa das peritas para Hybrid 2026 comisariada por Natasha Lelenco se centra en el juego. El juego no es solo una distracción ni un paréntesis de la vida social: es una de sus estructuras fundamentales. Antes incluso de la ley, la ciudad o la cultura, el juego es un espacio de ensayo donde se ponen en práctica reglas, roles, jerarquías, premios y exclusiones.
Las obras reunidas en esta exposición parten de esta premisa para pensar el presente. No abordan el juego como algo exclusivamente infantil ni ligado al entretenimiento, sino como un principio organizador del mundo. Conviven en esta habitación muñecos humanos, mundos maleables, arquitecturas de juego, escenas de feria y escaparates de juguetes; en todos ellos late una intuición común: la de que algo está agotado, como si este juego hubiera perdido su sentido por desgaste, por la distorsión o el sabotaje de sus reglas, o por un cansancio que ya no encuentra placer en repetirlas.
INÉS SILVALDE
INÉS SILVALDE
Inés Silvalde trabaja en esta serie la idea de una tensión silenciosa: cómo el deseo y la ambición se aprenden muy pronto y se asumen como normales.
Dentro de Juego, sus piezas conectan con esa dimensión menos visible del sistema: No solo competimos, también aprendemos a desear de determinada manera, y el desgaste no solo viene de la experiencia de las rupturas, sino también de la adaptación.
ÓSCAR ALDONZA TORRES
ÓSCAR ALDONZA TORRES
Las criaturas que Óscar Aldonza presenta en su serie Bichos, incorporan al juego la dimensión biológica e instintiva, una monstruosidad experiencial que recuerda que antes de las reglas hay cuerpo, hay órganos.
MARÍA MAGÁN
MARÍA MAGÁN
María Magán presenta Procesos, serie creada específicamente para este proyecto, una serie de pinturas sobre lienzo que nacen de un gesto sencillo y cotidiano: apilar bloques de madera en un juego compartido entre madre e hijo. A partir de ahí, una reflexión sobre la ciudad como construcción provisional, el bloque como unidad mínima de pensamiento urbano y la composición como ensayo del mundo.
Entre la proeza y azar, las estructuras se sostienen en equilibrio frágil, siempre al borde del desplome. Porque todo juego termina desmontado y toda arquitectura, antes o después, se convierte en ruina. Bajo su cromatismo intenso y apariencia lúdica, las obras revelan la lógica modular de un sistema que se recompone según dinámicas de poder cambiantes.
VERA VIZZI
VERA VIZZI
En la serie Dominó, Vera Vizzi introduce la dimensión reglada de Juego: la estructura binaria que organiza el sentido. Blanco y negro. Par e impar. Oposición y combinación. El dominó, como juego estratégico funciona aquí como metáfora de un sistema global basado en reglas finitas que producen la ilusión de infinitas posibilidades.
Sin embargo, la artista altera esa rigidez mediante intervenciones blandas y orgánicas: huevos fritos, ensamblajes inesperados, superficies que contaminan la geometría exacta de las piezas. La norma no desaparece pero pierde estabilidad y credibilidad. Como en el propio dominó, toda cadena puede activarse… y colapsar.
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AICAV es la Asociación de lxs Artistas Visuales de la Comunidad Autónoma de Canarias. Sin ánimo de lucro y fundada en 1999, actúa como un espacio dedicado a la defensa de los derechos de lxs artistas y a la mejora de todos los ámbitos que afectan a la profesión.
Entre sus objetivos se encuentran promover y fomentar el arte contemporáneo de las islas y apoyar a sus creadorxs. Ante la realidad geográfica de ultraperiferia, trabaja para facilitar la promoción y la movilidad del arte canario.
Panorama Canario: Memoria y Paisaje es la propuesta presentada para Hybrid Art Fair 2026. Este montaje es el resultado de una convocatoria abierta que culminó en la selección de cinco creadores clave del panorama artístico canario actual. A través del criterio de un jurado experto, la muestra logra armonizar trayectorias consolidadas con perfiles emergentes, garantizando una visión rica, diversa y representativa de la escena insular.
Las piezas seleccionadas profundizan en conceptos fundamentales como la memoria, la interpretación del paisaje y el análisis crítico de una realidad contemporánea en constante fragmentación. Mediante el uso de disciplinas como la pintura, el dibujo, la escultura y la fotografía, la exposición pone de manifiesto la vitalidad y la heterogeneidad del contexto creativo de las Islas Canarias.
La curaduría del proyecto corre a cargo de Elena Marrero, Alba Rosso y Marta Torrecilla, quienes articulan este diálogo entre la identidad territorial y la experimentación formal.
DANI HACHE
DANI HACHE
Dani Hache es un artista multidisciplinar que explora diferentes lenguajes visuales, desde la ilustración a la animación, hasta el muralismo y la pintura de estudio.
Su obra se distingue por un lenguaje propio donde la anatomía, el color y la composición son protagonistas articulando una mirada profundamente humana. A través de formas organizas y dinámicas, indaga en la relación entre cuerpo, emoción y entorno, creando imágenes que transmiten movimiento, ritmo y energía.
AYA MESA
AYA MESA
Nacida en Santa Cruz de Tenerife (2001) y licenciada en Bellas Artes por la Universidad de
La Laguna, su trabajo pictórico y gráfico habita el cruce entre la estética de lo ingenuo, lo
hiperfemenino y lo afectivamente colapsado. A través del collage, la instalación y la escultura, desarrolla una práctica crítica sobre la identidad femenina contemporánea, el imaginario infantil y las estrategias de supervivencia emocional en contextos hostiles.
La infancia, lejos de ser un refugio, aparece como un territorio fracturado por la violencia simbólica del capitalismo y las jerarquías de género que definen el espacio doméstico.
DANI V. RUIZ
DANI V. RUIZ
Daniel V. Ruiz Rivas es un canario nacido en Barcelona en 1980. Hijo de padres canarios, llega a las islas cuando cuenta con un año de edad. Arquitecto de formación, trabaja con la imagen en su práctica artística, donde compagina fotografía y video.
Le interesa la experimentación espacial desde la escenografía, participando habitualmente en procesos de creación escénica con Laura Mihon, dramaturga y directora de teatro.
Acude a Hybrid X con Materiales para una historia familiar. Un proyecto que surge al tratar de generar conversaciones con su padre, ya hospitalizado, durante los que serían sus dos últimos meses de vida.
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Raum E116 es un proyecto abierto articulado alrededor de la casa-estudio situada en Neukölln, uno de los barrios más activos de Berlín. Desde esta plataforma los artistas integrantes llevan a cabo diversos proyectos tanto individuales como colectivos, desde pintura, collage y libros de artista a performance, instalaciones y video arte.
Tiene como objetivo fomentar el desarrollo artístico de sus miembros, la conexión con la escena artística de Berlín y facilitar el intercambio entre disciplinas y culturas. Raum E116 organiza y participa regularmente en diversas exposiciones, festivales y ferias en Berlin, Madrid, Viena o Bilbao.
Fundado por los artistas españoles Paco Vallejo y Sergio Frutos, Raum E116 ha sido desde 2009 un punto de encuentro y producción para artistas de diversos lugares del mundo.
Raum E116 presenta para Hybrid Art Fair 2026 un proyecto expositivo dinámico y heterogéneo, pero que aúna las diferentes propuestas en cuanto a temática y técnica, reflejando su diversidad al tiempo que mantiene una narrativa coherente.
La propuesta juega no solo en torno con las relaciones entre las obras presentadas, sino que se articula con el inusual espacio expositivo que constituye la habitación de un hotel, escapando del clásico ‘cubo blanco’ y más próxima la experiencia que puede darse en una vivienda o en los espacios que regularmente usamos y habitamos.
LEO PUÑAL
LEO PUÑAL
Leo Puñal es el nombre artístico de Sergio de la Casa. Nacido en Madrid en 1997, es un artista cuya obra late al ritmo de la ciudad. A través de collages audaces y viscerales, transforma la energía cruda de la cultura urbana —sus carteles, grafitis y fragmentos olvidados— en poemas visuales que exploran la tensión entre el caos y el orden, la destrucción y la reconstrucción.
Su trayectoria se ha articulado entre Berlín y Madrid, en contacto con escenas independientes y contextos experimentales.
De manera paralela, ha ejercido como comisario y periodista cultural, ampliando su práctica desde una
mirada crítica y transversal dentro del arte contemporáneo.
ALICIA GUIRAO
ALICIA GUIRAO
Nacida en Oviedo en 1981 creció en Madrid donde completó sus estudios de Bellas Artes y escenografía en la UCM así como estudios de fotografía y vídeo en Atenas.
La obra de Alicia destaca por su espíritu lúdico que se expresa a través de diversos formatos con un carácter desenfadado y un uso deliberado del color. Las temáticas, escenas de lo cotidiano, paisajes, personajes y criaturas subyacen de la intención de plasmar imágenes asociadas a sensaciones casi
inconscientes afinando la sensibilidad hacia una síntesis de la emoción. Cada obra es el resultado de una conversación entre lo inmediato y lo premeditado, entre la percepción y la interpretación.
PACO VALLEJO
PACO VALLEJO
Paco Vallejo es un artista multidisciplinar cuya práctica se sitúa en la intersección entre la
plástica pura y la intervención conceptual. Residente en Berlín, Vallejo ha depurado un lenguaje visual que trasciende los límites del soporte tradicional. Si bien la pintura es su eje gravitacional, su obra se expande hacia otros medios, construyendo un corpus de trabajo que cuestiona los mecanismos de percepción y las convenciones del objeto artístico.
Su trayectoria es un mapa de hibridación cultural y académica. Formado en la Universidad Complutense y la Aristóteles de Tesalónica, su estancia en Alemania como director de arte y pedagogo ha dotado a su obra de una dimensión sociopolítica y pedagógica inusual.
La figura de Vallejo representa la solidez del artista-gestor. Su papel fundador en colectivos como LW Museum o Invalid Address y su presencia en citas clave como la Berlin Art Week avalan una carrera marcada por la independencia creativa y el rigor institucional. Su trabajo es una invitación a
explorar la pintura como un campo de fuerzas donde el gesto, la materia y el espacio convergen
en un diálogo constante y radicalmente contemporáneo.
SERGIO FRUTOS
SERGIO FRUTOS
Nacido en Zaragoza, España, estudió pintura y fotografía en la UCM Madrid, luego se trasladó a Berlín, para trabajar como artista y dirigir la residencia de artistas GlogauAIR. En 2009 cofundó el colectivo artístico Raum E116, que se convirtió en referente español en la escena artística berlinesa, con proyectos colectivos como libros de artista, collage, video arte, performance e instalaciones, así como exposiciones anuales de artistas españoles e internacionales.
En su propio trabajo artístico, utiliza su particular estrategia de archivista, documentando los momentos ordinarios y pasajeros. En lugar de pretender cambiar el mundo de un plumazo, socava la lógica espectacular de la mercantilización cotidiana.
En Hybrid 2026 presenta las series Atom – Silly Asses (Asnos Estúpidos) y Stranger Times (Tiempos Extraños)
Stranger Times se basa en una investigación sobre fotografías de archivo, principalmente de la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría, sobre extraños avances en la guerra química y biológica, y examina la enorme capacidad humana para normalizar y banalizar la barbarie. ¿Hasta qué punto podemos fingir que todo va bien cuando el mundo se desmorona a nuestro alrededor? ¿En qué medida estamos exentos de responsabilidad?
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Canal Gallery ha consolidado su presencia en el vibrante corazón del barrio gótico de Barcelona durante los últimos años, marcando un nuevo capítulo en la escena artística de la ciudad. Desde su apertura, la galería ha acumulado un valioso bagaje de aprendizaje y crecimiento, lo que le ha permitido ofrecer una plataforma robusta y en constante evolución para artistas con proyección nacional e internacional.
En septiembre de 2025, Canal Gallery amplía su actividad con la apertura de una nueva sede en Madrid (Espacio Rastro), reforzando su compromiso con la creación de espacios de diálogo entre arte y comunidad, consolidando su presencia dentro del circuito artístico nacional. En su programación pueden encontrarse artistas cuyas obras abarcan disciplinas tan diversas como el nuevo arte contemporáneo, la ilustración, la fotografía, el graffiti de los años 60 y 70, el arte contemporáneo y el arte urbano.
Pasado continuo, presentado por Canal Gallery, propone una reflexión sobre la cultura hip-hop en Madrid como un flujo activo que define el presente. La muestra huye de la nostalgia para entender la memoria no como un archivo cerrado, sino como una herramienta viva de construcción identitaria.
SELECTORMARX
SELECTORMARX
El trabajo de Selectormarx, titulado Pronto llegará el día de mi suerte, se articula como un archivo documental gestado desde el interior del movimiento. Durante dos décadas, su cámara ha registrado la evolución de la escena madrileña, desde los códigos de barrio hasta su consolidación en la industria global. Lejos de la idealización, su mirada plantea una lectura crítica sobre el cambio de lenguajes y estéticas, reivindicando la fotografía como una posición política y un testimonio directo de quienes sostuvieron el movimiento desde sus cimientos.
CONRADO LÓPEZ
CONRADO LÓPEZ
Artista español nacido en Málaga en 1992, Conrado López vive y trabaja en Sevilla. Su universo es una mezcla de graffiti y pintura al óleo, creando una fusión única de dos mundos artísticos. El artista utiliza esta unión de estilos para reflejar su propia realidad y compartir su visión del mundo. Recientemente, se ha volcado a la estética y al estudio del cuerpo humano, las plantas y otros temas que le fascinan. A través de elegantes puestas en escena, composiciones con refinados contrastes cromáticos, el artista desarrolla su técnica.
La obra de Conrado López introduce una dimensión subjetiva y emocional. Partiendo de la base fotográfica, su pintura transforma el documento; allí donde la cámara fija un instante, el pincel lo ralentiza y lo atraviesa desde la experiencia personal. López trabaja el tiempo interior de la imagen —la luz, el gesto y la pausa—, convirtiendo el registro histórico en una experiencia sensible.
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Systema Project se creó con el objetivo de dar a conocer al mundo jóvenes talentos únicos. Derivado de Systema Gallery, que comenzó a dedicarse al arte en 1982, pretende ser un puente entre los artistas japoneses con talento y el mercado artístico mundial. La galería principal se encuentra en Osaka, con sedes adicionales en Katmandú y Milán. Mientras desarrollaban su negocio como marca de moda SYSTEMA, comenzó a exhibir artesanía en Tokio y Kioto. En 2011, la galería se trasladó a Osaka y también abrió un espacio expositivo en Katmandú, Nepal. Systema, ha expuesto en museos, galerías y ferias de arte de todo el mundo, y ya ha realizado más de 100 exposiciones.
Systema Project, sostiene que, si bien se ha dedicado suficiente tiempo al aprendizaje de la pintura de estilo occidental desde su llegada en el periodo Meiji, es momento de crear un arte contemporáneo propio y arraigado en la cultura japonesa.
La galería presenta a artistas que transmiten el espíritu y la cultura de Japón, utilizando técnicas heredadas para expresar el arte con una sensibilidad única y contemporánea. De esta manera, Galería Systema muestra el arte neojaponés, al que denomina «NEJA-ism».
TSUGUMI TANAKA
TSUGUMI TANAKA
Es una fotógrafa freelance japonesa enfocada en capturar momentos cotidianos, especialmente la evolución de sus hijos, buscando eternizar instantes en la vida diaria con una mirada tierna. Su obra se centra en la fotografía de la vida cotidiana y la documentación del crecimiento personal.
YUKI HARADA
YUKI HARADA
Las pinturas de Yuki Harada muestran detalles que solo la mirada de una madre puede captar, y la sinceridad con la que retrata a los niños cautiva al público. Las emociones ambiguas y temperamentales, notablemente evidentes en las expresiones faciales y los gestos de los bebés, son asombrosamente realistas. Los niños pueden ser egoístas, mandones e irracionales. Llorarán, reirán a carcajadas o jugarán a su antojo, y a veces, la crianza puede parecer una batalla perdida. Harada no se limita a capturar la pura inocencia de sus hijos, sino que incorpora la perspectiva de la madre —la plegaria de una madre— a su arte, otorgándole textura y profundidad.
La pintura japonesa requiere un proceso complejo y laborioso, así como materiales artísticos costosos, como sumi (tinta negra), gofun (pintura blanca de conchas), pigmentos minerales (piedras naturales trituradas) y pan de oro. Estos materiales se fijan sobre papel japonés con nikawa (cola animal). Su atractivo reside en su imagen bidimensional, sus bellos contornos y la apariencia del color del pigmento en sí. Esta complejidad crea una textura única. Existen pinturas tradicionales como el kachōfūgetsu (temas de la naturaleza) y el bijinga (retratos de mujeres), y ahora Yuki Harada continúa dibujando el crecimiento de su hija como “Itohoshi-ga” (capturando su adorable existencia).
ERI HIRACHI
ERI HIRACHI
Nació y creció en 1983 en Kawachinagano, Osaka.
Tras graduarse de la escuela secundaria, se matriculó en una escuela vocacional de moda, pero la abandonó por diversas circunstancias. Después de dejar la escuela, trabajó en varios sectores, incluyendo reparación de carrocerías de automóviles, panadería y fabricación de componentes electrónicos. En 2016, conoció a Katsu Ishida en la galería SYSTEMA, lo que le impulsó a comenzar a trabajar como fotógrafa de esferas y escultora electrónica, creando activamente tanto a nivel nacional como internacional.
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Dirigido por Mariana Haro, Galería ACHE es un espacio de análisis, desarrollo, difusión y salida para artistas emergentes y profesionales, talleres y conversatorios orientados al mejoramiento del entorno artístico y cultural de la ciudad de San Luis Potosí, México.
El trabajo de la galería se basa en la interacción, la investigación y la observación concentrada en el arte contemporáneo sincrónico, soportados y fusionados por diversas áreas del conocimiento. Se ofrece una invitación colectiva para la producción, desarrollo y salida de proyectos de arte, multimedia y experimentación con enfoque local, nacional e internacional. El espacio genera programas para el fortalecimiento de la cultura y la reformulación de conceptos sobre arte.
Cuatro artistas conectados con la región del Bajío Mexicano, presentan obras que parten de una misma pregunta: ¿cómo se transforma nuestra manera de mirar cuando habitamos un territorio que también nos transforma? Aunque sus prácticas y recorridos son distintos, comparten una relación intuitiva con el paisaje, entendido no sólo como entorno sino como experiencia que se respira, se observa y se recuerda.
Sus piezas dialogan con la luz cambiante del altiplano, con los gestos cotidianos que dejan huella y con la sensación de estar en movimiento, incluso cuando todo parece quieto. Desde lenguajes que van de lo matérico a lo contemplativo, sus trabajos revelan formas personales de construir sentido: imágenes que surgen de desplazamientos, trazos que capturan lo esencial, tejidos que guardan historias.
Juntas, estas propuestas trazan un territorio común donde lo íntimo, lo natural y lo simbólico se encuentran para abrir nuevas maneras de percibir el mundo contemporáneo.
REBECCA ULICZKA
REBECCA ULICZKA
Nace en Berlín en 1985 y emigra a San Luis Potosí en 1994 tras la caída del muro. Regresa a su ciudad natal para estudiar economía y continúa su carrera en Barcelona y Madrid, donde descubre su vocación por la fotografía de autor. Su trabajo parte de las vivencias de su infancia y adolescencia, marcadas por el cambio de culturas y entornos. Estas experiencias la llevan a crear series fotográficas que narran historias mediante puestas en escena performativas. En 2017 publica su primer libro de artista. Ha sido seleccionada en diferentes certámenes entre el cual destaca como finalista de ENAIRE 2024. Ha participado en festivales y ferias de arte contemporáneo y fotografía, y ha expuesto en más de diez
países en exposiciones individuales y colectivas, en instituciones públicas y privadas. Actualmente reside en México, donde desarrolla su trabajo fotográfico.
MIGUEL EZQUERRO
MIGUEL EZQUERRO
Su obra nace del interés por representar elementos de la naturaleza y fenómenos físicos tales como la luz, el espacio y el tiempo detenido. Mediante un proceso de trabajo que se centra en la exploración y
convivencia de los distintos lenguajes que utiliza (pintura, dibujo, obra gráfica y fotografía).
El paisaje y la naturaleza muerta son temas centrales de su obra. Ezquerro dirige su atención a las relaciones entre lo micro y lo macro del planeta que habitamos. Busca conectar lo visible con ese sentimiento ancestral de formar parte de algo superior que nos alumbra y que TODO contiene.
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Estudio Vargas 13 se describe como un refugio creativo en medio de la ciudad. Es un lugar donde artistas de distintas generaciones comparten procesos, ideas, materiales y el deseo de elaborar proyectos que los expandan y que lleguen a otros. Les gusta concebirse como un laboratorio dinámico donde la creación va mutando y conversa con quienes habitan este espacio y los visitantes que llegan hasta el taller con ganas de aprender. Entre ellos se encuentran colecciones de objetos, rarezas, pinceles, plantas, archivos, papeles, libros, cables, lámparas, y muchas ganas de seguir compartiendo su trabajo.
Estudio Vargas 13, transforma su habitación en un espacio de reflexión y desaceleración, proponiendo un entorno slow-tech dentro de la feria. Este lugar invita al visitante a interactuar con los creadores y conocer las obras gestadas a partir de una tecnología primordial: la fusión de la mano y el pensamiento, que da forma a la materia.
La naturaleza es el campo de inspiración para la serie de obras presentadas, abordando al mismo tiempo la noción del ser humano como animal sintiente. De esta manera, lo salvaje y lo sereno conviven en un mismo espacio expositivo.
El montaje museográfico transforma el espacio en una especie de laboratorio o bosque, donde los objetos generan una red de relaciones que privilegia los procesos lentos y la presencia física. El proyecto ofrece un lugar de encuentro que busca trascender la inmediatez de las pantallas, invitando a valorar la conexión directa con las obras y los cuerpos.
LUIS SANZ
LUIS SANZ
Es artista visual, pintor y grabador. Técnico superior de Artes Plásticas, especialista en
Grabado y estampación. Su obra fusiona gráfica, arte urbano y pintura. En 1996 expone por primera
vez en la Galería Brita Prinz de Madrid. Desde esos inicios, su obra se ha expuesto en múltiples
galerías y espacios expositivos de España y en ferias como JustMad, Art Madrid y Art Room Fair. Su
obra forma parte de colecciones de arte como la Fundación CIEC, la Fundación Juan March, el
Museo Antonio López Torres de Ciudad Real o el Museo Nacional de Teipei (Taiwán). Ha
desarrollado su carrera artística en paralelo como asistente en el taller de Joaquín Capa y María
Luisa Sanz. Desde el 2018 dirige el Taller “ink DELICIUS”, espacio con el que participó dentro del
proyecto de residencias artísticas internacionales R.A.R.O.
GRETA HAMMOND
GRETA HAMMOND
Es artista visual y Doctora en Artes, Humanidades y Educación (UCLM-España-2023), Licenciada y profesora en Bellas Artes (UNLP-Argentina, 2007- 2012), realizó el Máster en Retos de la filosofía contemporánea (UAB, España – 2012-2013), Máster en investigación en prácticas artísticas y visuales (UCLM, España – 2015-2016), Posgrado Internacional: Escrituras: creatividad humana y comunicación (FLACSO, Argentina, 2021). Ha participado en distintos talleres e impartido clases en distintas instituciones educativas. También obtuvo varios premios y becas, como una estancia de investigación artística en la Universidad de Arte y Diseño de Laponia, Finlandia; Inició a la investigación doctoral en Cuenca, España -2019-; Beca Fundación Carolina para estudios de Master-2015-, Premio reconocimiento al artista local: pintura, Salón binacional de Artes Plásticas, Esquel, Argentina, 2019; 1o premio VIII Certamen Nacional de Grabado ex-libris -Xylon Argentina -2018-, entre otros.
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La parida Gallery tiene como objetivo principal visibilizar y promover el trabajo artístico de personas que han pasado por el proceso de gestar, parir y/o criar. Su registro de artistas es amplio e inclusivo, abarcando: madres biológicas y adoptivas, incluyendo a familiares que asumen el rol principal de crianza, como las abuelas, hombres trans y personas intergénero que han parido, mujeres que han canalizado la experiencia del aborto a través de su práctica artística. El único requisito indispensable para formar parte de la galería es haber sacado adelante la creación artística durante el proceso de crianza o posteriormente.
La galería busca ofrecer al público un amplio abanico de creadores y creadoras unidas por la experiencia de la gestación, el parto y la crianza. Visibilizar estas narrativas es un acto de activismo, justicia social y feminismo, reivindicando la labor de estos artistas en el panorama contemporáneo.
Materia Viva es un proyecto expositivo que reúne las miradas de cuatro mujeres artistas —Charo Guijarro, Leila Amat, Helena Maldonado y Crissial— unidas por la exploración del cuerpo, la emoción y la memoria a través de la fotografía y sus múltiples posibilidades expresivas.
Desde la autorrepresentación y lo íntimo, las artistas construyen un diálogo visual que cruza lo personal y lo colectivo. Las obras se despliegan como materia viva: algunas intervenidas con pintura, bordado, tintas, elementos naturales, técnicas alternativas y gestos manuales que devuelven a la imagen su dimensión táctil y orgánica; otras, desde la fotografía directa, sin manipulación, pero cargadas de una fuerza simbólica que revela lo auténtico del ser, el poder del cuerpo, la vulnerabilidad asumida como potencia.
LEILA AMAT
LEILA AMAT
Nació en Madrid en 1987, pero a los pocos años sus padres se trasladaron a Sevilla, donde se crio hasta los 18 años, edad en la que volvió a su ciudad natal para estudiar su carrera y un Máster.
Filóloga de hispánicas y profesora de lengua y literatura, a día de hoy se dedica de lleno al esoterismo y a la fotografía construida, canal que utiliza para expresar y reflejar los problemas derivados por la falta de salud mental, dando visibilidad a todo este enorme campo, con el fin de que esto no sea tabú. Pero no toda su obra se centra en eso, también habla de amor, de brujería, de familia, infancia, maternidad, de resiliencia, del cuerpo, de activismo o memoria.
HELENA MALDONADO
HELENA MALDONADO
Nació en Sevilla en 1981. Se licenció en Biología, pero es a través de la pluralidad y la libertad de la fotografía como mejor se expresa. Para ella es una búsqueda expresiva del yo interior y la necesidad de volcarlo hacia el exterior.
Con su obra, investiga y apuesta por una transformación, un desplazamiento mental, un cambio vital y trascendental con el que lograr nuevos significados y sustituir la insatisfacción vital por una nueva vida regenerada.
CHARO GUIJARRO
CHARO GUIJARRO
Charo Guijarro ve la fotografía como un acto de humildad. A través de su cámara, busca
capturar no solo lo visible, sino también lo invisible: las emociones, los silencios y las historias
ocultas.
Su trabajo utiliza principalmente el blanco y negro para intensificar la carga emocional de sus imágenes, mientras que el color es utilizado como una herramienta narrativa cuando se busca transmitir una sensación distinta o un contraste específico.
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En Gaucín, Shapó Olé ha consolidado un espacio para el arte contemporáneo, dedicado a la pintura, escultura, fotografía y grabado. Más que una galería tradicional, es una plataforma de exploración artística, que promueve un vínculo auténtico entre el artista, la obra y el espectador.
Los artistas que integran la galería han sido seleccionados con el objetivo de realizar un trabajo de campo conjunto, en estrecha colaboración. Esta relación continua y cercana permite presentar proyectos sólidos y coherentes, que reflejan tanto una identidad compartida como un compromiso con la curaduría consciente.
Habitando el viaje es la propuesta de Shapó Olé Gallery para Hybrid Art Fair 2026. Inspiradas por la luz y la calma de Gaucín, enclave artístico del sur de España, las artistas trasladan su mirada femenina a Madrid para transformar una habitación de hotel en un hogar efímero, íntimo y acogedor. Habitando el viaje es una propuesta colectiva en la que cuatro artistas mujeres dialogan desde lenguajes diversos —pintura, escultura y grabado— en una muestra que nace de la libertad, el juego y el arraigo a un territorio compartido. La exposición se plantea como un ejercicio de creación espontánea: una conversación entre formas, colores y gestos que construyen una escena orgánica, cálida y profundamente humana. Cada artista presenta obras inéditas en pequeño y mediano formato, concebidas especialmente para Hybrid 2026 y fieles a su lenguaje personal. El proyecto invita al visitante no solo a contemplar, sino también a habitar el arte: a detenerse, mirar, sentir y, por qué no, llevar consigo una pieza única. En este viaje, el arte no se impone: acompaña..
LAURA RAY
LAURA RAY
Laura Ray es una artista española cuya práctica se desarrolla en la pintura, el dibujo y la escritura. Su trayectoria integra arte, moda e identidad visual.
Formada en Diseño de Moda y Estilismo en el IED y posteriormente en Bellas Artes, su obra explora la identidad contemporánea y la tensión entre lo íntimo y lo social. Ha expuesto en España y Marruecos.
En su proyecto para Hybrid 2026 propone volver al ahora como espacio de identidad. Cuestiona la idea de que lo valioso está siempre en otro momento y reivindica lo cotidiano como el verdadero territorio donde la vida ocurre.
FERNANDA J. CARREGADO
FERNANDA J. CARREGADO
Fernanda J. Carregado es una artista multidisciplinar cuya práctica se centra en la cerámica contemporánea, el textil y la escultura expandida. Investiga la relación entre naturaleza, emoción y experiencia humana mediante técnicas mixtas donde barro, bordado e intervención matérico-textil dialogan con lo simbólico. Formada en diseño en Argentina, su trayectoria se nutre de la arquitectura, el interiorismo y la moda, influencias que marcan su concepción espacial y volumétrica. Desde 2000 reside en Málaga, donde desarrolla su práctica de forma continuada.
Su obra se caracteriza por una honestidad material y emocional. Cada pieza funciona como exploración interior, entre lo cotidiano y lo poético, la memoria personal y la experiencia colectiva. La sombrerería, entendida como escultura portátil, amplía su investigación sobre volumen, identidad y cuerpo.
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Es un espacio independiente de creación y exposición artística que, además de establecer y generar sinergias entre artistas de diversos bagajes y disciplinas, se cohesiona con una agenda cultural viva que va más allá de la pared.
El espacio busca la visibilidad del talento emergente dándoles cobertura y apoyo. Aquí, el arte deja de ser un privilegio: el coleccionista habitual y el novel se sientan en la misma mesa. La Cabina apuesta y reivindica el coleccionismo de arte emergente, la accesibilidad y la cercanía del arte contemporáneo.
Esta exposición invita a observar la histórica construcción de la imagen de la juventud femenina, no desde la superficie, sino desde el reverso del espejo. La propuesta se centra en el espacio íntimo donde la mujer se afirma como sujeto y no como objeto de deseo ajeno.
La muestra critica la noción de «eterna juventud» como un artefacto cultural vinculado a estructuras de poder, explorando la tensión constante entre la identidad y la apariencia. Las obras, ya sea a través de la imagen, la materia o el cuerpo, exploran lo que significa habitar el tiempo. Este enfoque se presenta como una forma de resistencia íntima y lúcida, buscando desarmar la contradicción entre belleza y edad.
El arte se convierte aquí en un territorio de reapropiación, donde el espejo deja de ser un juez para reflejar una presencia auténtica y no un ideal.
Para esta edición de Hybrid 2026 presentan el trabajo de las artistas Chus Martínez, Dafne Artigot,
Gema Álvaro, Izaskun Valmaseda y Parafiliarte
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Es una galería de arte ecléctica situada en el barrio de Chamberí de Madrid. Su programación cuenta con exposiciones mensuales, workshops, eventos culturales y una innovadora estrategia de comunicación en redes, ofrece visibilidad y ventas para artistas nacionales e internacionales y un amplio catálogo de obras de diversos estilos, formatos, técnicas y precios para una ingente cartera de coleccionistas.
El proyecto expositivo que presenta Galería Origen para Hybrid Art Fair 2026 busca mostrar la estructura y desestructura de la realidad a través de obras que parten del arte figurativo más puro y evolucionan hacia otras propuestas que sintetizan, descomponen o distorsionan lugares, personas y objetos.
La selección de artistas para esta feria representa en buena medida la estrategia curatorial de la galería, en la que siempre conviven artistas jóvenes emergentes con otros de media carrera reconocidos y premiados, y en la que se apuesta tanto por el talento nacional (de núcleos urbanos y rurales) como internacional.
«Estructuras y desestructuras» ocupará un espacio físico estructurado, como es la habitación de un hotel, pero contará con elementos que rompan esa estructura lógica. Con ello se pretende reflexionar sobre la capacidad que tiene la psique humana para componer o distorsionar imágenes según sus propias estructuras mentales.
LAURA ABRIL
LAURA ABRIL
Fuente de Cantos (Badajoz), 1983. Su serie UNHEIMLICH, de trazo visceral y colorista, es una oda a la imperfección y a la esencia poliédrica de cada ser humano, justo en un momento en que la realidad nos empuja a la perfección estética y a la estandarización racional y emocional.
Las miradas, los gestos y las deformaciones fortuitas o conscientes de estos rostros nos devuelven un reflejo inquietante que, sin embargo, invita al espectador a seguir mirando hasta conectar con aquello que le vibra o atraviesa. No buscan la complacencia, pero sí la curiosidad.
RICARDO SÁNCHEZT
RICARDO SÁNCHEZT
Lima, 1980. Para el artista caminar por Madrid es adentrarse en un paisaje inagotable donde lo cotidiano y lo simbólico conviven en cada esquina: el humo de las castañas, las esculturas, los bares y terrazas, los semáforos y las bocas de Metro. Esa combinación urbana es el eje de mi pintura al aire libre. Pinta la ciudad tal como se ofrece, bajo el sol implacable o el frío y la lluvia. Salir con la pochade y volver con un lienzo pintado es, cada día, una forma de asombro. Es mi diario en óleo y un homenaje a Madrid. Y el homenaje a quienes la habitan lo lleva al gran formato, en interiores que reflejan una realidad que le cautiva y que se entrelaza con su propia autobiografía.
FORTEA GALLAT
FORTEA GALLAT
Valencia, 1997. Con sus obras reivindica la figura del artista-artesano, aquel que vive en contacto directo con el material. Su trabajo parte de un conocimiento técnico heredado sobre el oficio, que reinterpreta con un lenguaje contemporáneo para crear piezas abiertas, sin un canon cerrado, donde tradición y experimentación conviven en constante evolución.
La madera es el punto de partida de cada obra. Trabaja esta materia viva de forma manual, creando composiciones tridimensionales que llevan al espacio físico elementos clásicos de la tradición pictórica. La superficie deja de ser plana e invariable, viéndose transformada por luces y sombras que escapan a su control.
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Esta galería es un territorio heterogéneo de creación contemporánea cuya finalidad es ofrecer visibilidad y acercar el mundo del arte y la cultura al público. Mostrando de principio a fin todos los pasos del proceso creativo, este espacio híbrido entre taller de arte y sala de exposición es a la vez escaparate y lugar de experimentación, investigación y cuna de proyectos colaborativos para artistas en distintos momentos de su carrera.
La galería-tienda, en constante renovación, alberga más de 500 obras originales de casi 40 artistas locales, haciendo hincapié en el diálogo entre sus variadas propuestas y la accesibilidad al arte actual, manteniendo formatos, técnicas y estilos diversos y asequibles. También ofrece un servicio de enmarcación artesanal a medida y restauración de marcos antiguos. Además, en el taller tienen cabida los talleres monográficos impartidos por los/las artistas que ofrecen sus obras en la galería.
Para Hybrid Art Fair 2026 Los cinco elementos un proyecto expositivo que se basa en el concepto ancestral de los elementos primigenios, tomando referencias tanto de la filosofía griega clásica como de la tradición china. En la Grecia clásica, los cuatro elementos: Tierra, Agua, Fuego y Aire, eran complementados por la quintaesencia (o éter), el material que constituye los cuerpos celestes. Paralelamente, la filosofía china tradicional (pilar del Feng Shui) considera cinco elementos: Tierra, Madera, Fuego, Agua y Metal.
La exposición se estructura en cinco partes, articulando la obra de cinco artistas. Esta organización traza la configuración del espacio como un pentagrama visual, donde cada pieza encuentra su posición y armonía inherente al número cinco.
VALENTINA MAIO
VALENTINA MAIO
Es una artista multidisciplinar postnaturalista (Roma, 1986), que actualmente desarrolla su labor artística en Madrid.
Elabora sus estudios del natural en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (CBA), sus series de grabado en los talleres de Arteria Gráfica y su formación en cerámica en los talleres Munay.
Actualmente está trabajando en el desarrollo de una serie de esculturas cerámicas, buscando un nexo de unión con grabados y gofrados, y desarrollando serigrafías de gran formato. También desarrolla distintas modalidades de libro de artista mediante estampas de grabado acompañadas de textos mecanografiados, todo ello enmarcado dentro del proyecto.
NATALIA DÁVILA
NATALIA DÁVILA
Natalia Dávila (Madrid, 1986), es una pintora e ilustradora licenciada en Bellas Artes por la UCM, que ha trabajado en diferentes campos, como la moda y el diseño gráfico, realizando imágenes de marca o campañas promocionales para empresas como Mahou. Desde hace unos años la pintura y la serigrafía son el centro de su actividad profesional.
Define el núcleo de su obra como el arte de la emoción: un diálogo entre lo interior y lo físico, donde el cuerpo se convierte en el lienzo de las emociones que incluso la razón desconoce. Su trabajo explora esas reacciones viscerales (gestos, tensiones, piel) que reflejan lo que las palabras no alcanzan a nombrar. A través de la figura humana, especialmente con la gestualidad de bocas y manos, busca capturar la intensidad de lo que nos atraviesa: pasión, angustia, éxtasis. Son imágenes provocativas pero no por lo que muestran, sino por lo que revelan. Con cada pincelada intenta desnudar emociones universales que, aunque nacen de su experiencia íntima, resuenan en quien las contempla. La pintura, para ella, es terapia y lenguaje.
MIGUEL DE UNAMUNO
MIGUEL DE UNAMUNO
Miguel de Unamuno Vera (Zamora, 1961), se licenció en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de grabado. Al terminar sus estudios se trasladó a Madrid, ciudad en la que reside desde entonces, y ha compaginado su trabajo como diseñador con su actividad artística.
El ser humano es el eje principal de su trabajo: ¿Quiénes somos? ¿Cuál es la medida del paso del tiempo? ¿Qué nos identifica como personas individuales? La vorágine de la sociedad actual que, cual maquinaria insaciable y automática, nos roba el tiempo y el ruido ensordecedor que nos impide escuchar nuestras necesidades fundamentales.
RAÚL MUÑOZ
RAÚL MUÑOZ
Raúl Muñoz (Madrid, 1977) se ha formado en distintas especialidades artísticas y humanidades desde hace casi treinta años.
En un continuo diálogo entre color y forma, su trabajo se caracteriza por una marcada tendencia al minimalismo y la influencia de la lírica, la literatura, la filosofía y la cultura popular. Recrea instantes y sensaciones más allá de la fabricación de imágenes personales, intentando dar entidad visual a elementos propios en un lenguaje en íntima conexión experiencial colectiva. Su obra sirve como instrumento para explicar/justificar un lugar, un territorio en el que la experimentación durante el proceso pictórico persigue la excelencia en la superposición tanto de formas y colores, en una particular geometría, como de mensaje y contenido, invitando a la interacción entre el espectador y la obra, creando un espacio de reflexión y diálogo continuo.
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AFTERpoema es una galería de artistas emergentes multidisciplinarixs que cruzan las artes visuales con la escritura literaria. Cada una de las obras representa un universo de imágenes que se sigue construyendo en la palabra escrita. Sus artistas se acercan al arte desde trayectorias y estéticas personales diversas y disruptivas, con proyectos en los que fusionan quehaceres, tanto en sus materialidades como en el cruce con el poema, la dramaturgia, el diario y el ensayo.
La galería busca la exploración de nuevas formas de representación y vinculación entre lxs artistas, las distintas maneras de hacer arte y vincularse con la naturaleza, el paisaje y las otras especies. En esta multiplicidad de voces se encuentran temáticas comunes como el mundo natural, la sustentabilidad, el archivo y la memoria, los mitos y leyendas, las utopías y distopías actuales, la mística, la espiritualidad contemporánea y el esoterismo
Presenta en Hybrid Art Fair 2026 Me atravesaba un río invitándonos a recorrer un territorio donde lo personal y lo estético se hacen uno, donde el paisaje es archivo y la memoria se escribe no solo en huellas, raíces y trazos a contracorriente. Este proyecto se plantea como un conjunto de imágenes para imaginar futuros en los que la creación artística sea también un gesto de cuidado hacia el otrx y de defensa de los bienes comunes, que aún nos sostienen.
La constelación de obras de Valentina Bobbo,Sol Castro Nieto,Flor Dacal y Tara McGuinn, trae materialidades diversas y lenguajes tradicionales que se actualizan como la cerámica,el textil, la pintura y el ensamblaje escultural.
Estas creaturas aparecen como configuraciones de vida que emergen desde condiciones alteradas de la experiencia y la identidad,sin perder el sentido del humor y la fantasía.
FLOR DACAL
FLOR DACAL
Diseñadora, educadora y artista textil. Desde 2014 dirige DACAL, un colectivo de artistas LGBTQ+ que desarrollan proyectos culturales y educativos sostenibles y participativos. Investiga, crea series de prendas y comparte su método de reciclaje de sastrería en talleres y seminarios.
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Hybrid Art Fair 2026 – Instagram
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