«La creación y la vida van de la mano»

Mireia Cifuentes es artista. Nacida en Lérida y criada en Marbella, pasa largas estancias en Londres y París donde comienza a descubrir su vocación. Es en Barcelona donde comienza a desarrollar su carrera y donde se consolida, realizando numerosas exposiciones individuales y colectivas en diferentes galerías como Espai Ronda, Nítido Gallery, Galería Artevistas, Galería Tangram o Galería Antoni Pinyol entre muchas otras y posteriormente al ámbito internacional como Art Fair Salzburg Contemporary en Austria o Art Fair AAF Milano en Italia.

Su obra transita entre la abstracción a la figuración abordando temas que están ligados a su propia vida, dejándose guiar en el proceso por la intuición y buscando en todo momento la libertad en la creación.

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por el arte y por qué decidiste que fuera tú profesión?

A raíz de dos largas estancias en Londres y en París tuve la oportunidad de ver en vivo la obras de los grandes maestros que solo había conocido en libros, me emocioné especialmente contemplando los cuadros de William Turner.
Entonces tenía 18 años y no había recibido ninguna formación en arte pero empecé a copiar algunos de los dibujos de los catálogos que compraba.

Al principio no pensé que llegaría a ser una profesión, entonces me preparaba para ser traductora, pero se despertó una imperiosa necesidad de dedicar todo el tiempo posible a ello. Un poco más tarde un percance de salud que me hizo reflexionar sobre el sentido que quería dar a mi vida, fue el impulso decisivo para dedicarme completamente a ello.
En el 92 me instalé en Barcelona para tener un taller propio de trabajo y profundizar en las técnicas que iba aprendiendo, aunque siempre he sido bastante autodidacta me ayudaron mucho los periodos que pasé en la escuela de arte Sant Viçens y en el taller de Gloria Muñoz.

«se despertó una imperiosa necesidad de dedicar todo el tiempo posible a ello»

«un percance de salud que me hizo reflexionar sobre el sentido que quería dar a mi vida, fue el impulso decisivo para dedicarme completamente a ello»

– Has vivido en Asia y en Europa ¿cómo ha marcado tu obra estás diferencias culturales?

Tener la oportunidad de ver muchas obras originales de distintas culturas fue importante para educar la mirada y tener un criterio menos condicionado. Entender que el arte en sus múltiples expresiones es universal y una vía de trascendencia para el ser humano, me dio la libertad de seguir mi intuición sin ceñirme a modas ni estilos concretos.
En el día a día la belleza de algunos paisajes, los colores por ejemplo en India, tan vivos y vibrantes, eran una fiesta continua para la retina, no sé exactamente cómo pero estoy segura de que de alguna manera influyó en la obra.

– El cuerpo y el paisaje están muy presentes en parte de tu obra ¿qué motivó que trabajases sobre este tema?

En los inicios poder representar el entorno en el que vivía de forma realista era todo un reto y trabajaba mucho del natural. Captar las atmósferas, la luz dando volumen y contraste a todas las formas o los cambios de color y tono pintando un paisaje al natural contrarreloj eran temas apasionantes. Creo que es esencial para un pintor aprender a mirar y atrapar matices que no se ven a primera vista.
Después de un periodo sumergida en la abstracción volví a trabajar con el cuerpo en la serie Radiografías del tiempo, pero esta vez desde un enfoque más matérico y supeditando las formas a la expresión de una sensación interna.

– ¿Cómo es tu proceso de trabajo en el día a día y la creación de cada obra?

Actualmente trabajo casi siempre en el taller principalmente con técnicas mixtas, es un proceso bastante anárquico en el que hago mezclas de distintos materiales, preparo soportes, mancho, mezclo, elimino, rasco, vuelvo a manchar y así en forma de juego hasta que del caos surgen formas o composiciones que me seducen, entonces el tempo se vuelve más lento y reflexivo. Unas obras se acaban rápido, otras necesitan reposar un tiempo y mirarlas de reojo de vez en cuando a ver si te «dicen algo» para poder continuar, normalmente tengo varias empezadas a la vez. Cuándo darlas por acabadas es un misterio, no sabes porqué pero lo sabes, sobre todo después de haberte equivocado muchas veces insistiendo demasiado.

«Unas obras se acaban rápido, otras necesitan reposar un tiempo y mirarlas de reojo de vez en cuando a ver si te «dicen algo» para poder continuar»

«Cuándo dar una obra por acabada es un misterio»

– La consciencia sobre uno mismo, entre la vida y la muerte, es uno de los temas que abordas en tu trabajo ¿de qué manera lo planteas al crear?

Surge de manera espontánea porque mi trabajo es muy intuitivo, en general no suelo planificar lo que voy a pintar. Como es un tema que abordo continuamente en la vida personal y a través de la meditación es inevitable que acabe quedando reflejado en la obra, en un intento de sublimar o trascender.

La creación y la vida van de la mano, no puedo separar lo que soy de lo que pinto ni viceversa. Hay etapas en las que ahondas más en un tema particular, la necesidad de insistir en ello alarga el proceso y de ahí surgen las series.

«mi trabajo es muy intuitivo»

«no puedo separar lo que soy de lo que pinto ni viceversa»

– En tu obra dices que está muy presente la transformación, el cambio y en ella podemos ver un viaje que ha ido desde la figuración hasta la abstracción ¿qué te ha llevado a este cambio?

Cuando te dedicas a esto acabas por ver que toda combinación de color y forma, independientemente de lo que pueda representar, es una abstracción.
Progresivamente empecé a dar más importancia a las texturas, al color en sí mismo y a probar con diversos materiales, la abstracción me daba más libertad para saltarme las reglas académicas y experimentar. También estudié grabado y técnicas de escultura que disfruté mucho pero acabé volviendo a la pintura.
Ahora conviven en la obra una mezcla de estilos, no descarto volver a la figuración o quién sabe, aun hay muchas cosas que me gustaría probar.

– ¿Qué sentido tiene el color negro en tu obra actual?

El negro hace referencia al vacío, ese lugar por llamarlo de algún modo, del que surgen el espacio y tiempo, en el que todo existe en potencia. El vacío sin forma del que todas las formas dependen paradójicamente, algo que a nuestra mente dual y lineal le cuesta mucho captar y expresar, por lo que es más fácil hacerlo a través de símbolos y colores.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

He comprobado que proyectarme demasiado en el futuro interfiere en la calidad de mi trabajo, así que ahora procuro centrarme en lo que tengo entre manos, en este momento es profundizar en la serie Vacíos y ver a donde me lleva.

– ¿Qué consejo darías a una persona que quiera dedicarse profesionalmente a la creación?

Si crear es lo que le da alegría y reconforta su alma hay que lanzarse sin dudarlo, los medios para lograrlo los vas encontrando por el camino. Eso sí, ¡tienes que estar dispuesto a ser un pluriempleado! combinar tu creación con otro trabajo para mantenerte y que la presión de pagar facturas no influya en tu trabajo. En mi caso lo he combinado con la docencia, dar clases de dibujo y pintura ha sido muy enriquecedor en todos los aspectos.
El ingrediente más importante es sentirte libre cuando creas y por su puesto aprender el oficio, no conformarse con fórmulas efectistas que quedan bien en redes sociales. Algunos consiguen vivir totalmente de sus ventas pero no es fácil, ya se sabe.

«El ingrediente más importante es sentirte libre cuando creas»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Hace tiempo que sueño con montar una residencia artística en un entorno natural, para
profesionales y aficionados, donde poder crear desde el silencio, tanto ambiental como mental. Aportar un poco de inspiración y cordura a este mundo a través del arte… ¡si es posible!

«sueño con montar una residencia artística en un entorno natural»

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«La pintura se toca, se escucha y se siente con todos los sentidos»

Paco Chabrié es artista plástico de origen francés que lleva residiendo en España más de 20 años. Su obra es a la vez directa, rápida, profunda y fresca. Influenciada por el existencialismo «positivo» de Albert Camus, el trabajo de Paco Chabrié refleja el amor a la vida desde un punto crítico. Su pintura plasma también un sentido de urgencia, la representación del presente más inmediato, del ahora, motivado por la enfermedad degenerativa visual que sufre.

Descubrimos a un artista vital y creativo con una carrera prometedora y una obra de gran potencia.

– Eres artista plástico ¿en qué momento comenzaste a pintar y cómo has desarrollado tu obra todos estos años?

Fue la escritura, precisamente la poesía, que me llevó a la pintura. Quería reflejar las imágenes que me venían a la mente al escribir poemas. Empecé a pintar hace 10 años, en el taller de creación artística de Carlos Fortunato. Con él aprendí a trabajar desde el cuerpo y las emociones. A lo largo de estos años, la pintura se ha vuelto una verdadera pasión, es parte de mí. Sigo trazando mi camino y aprendiendo de forma autodidacta.

«la poesía me llevó a la pintura»

«quería reflejar las imágenes que me venían a la mente al escribir poemas»

– Eres francés y te trasladaste a España hace ya más de 17 años ¿qué supuso para ti este cambio y cómo ha transformado tu vida?

En España descubrí una nueva forma de vivir, cosas tan sencillas pero importantes como la organización temporal de lo cotidiano, el espíritu del compartir o la cultura de la calle. Llegué aquí sin muchas perspectivas pero encontré un trabajo de los más bonitos y he construido una vida familiar con amor. Cuando vivía en Francia, la gente me llamaba Paco, hasta mi abuela antes de morirse usaba este mote para llamarme. En fin, creo que estaba predestinado para vivir aquí. Debo mucho a España y me siento también español.

«En España descubrí una nueva forma de vivir»

«creo que estaba predestinado para vivir aquí»

– ¿Cuáles son las influencias más importantes en tu trabajo y qué importancia tiene en particular la figura de Albert Camus en tu obra?

Me gusta claramente más el expresionismo. Cuando hice mi primera exposición, en un sótano privado, me relacionaron con el art brut y hoy sigo cultivando en mi práctica artística el espíritu creativo del art brut, intentando partir «de la nada», crear cosas nuevas. Jean Dubuffet es sin duda una referencia para mí y puedo considerar que otros artistas como Cy Twombly o de mañera más revolucionaria Jean-Michel Basquiat han abierto caminos nuevos e inspiradores.

La lectura de la obra de Albert Camus, especialmente La Peste y El hombre rebelde, unos días antes de que empezara el confinamiento en 2019, fue un déclic, un detonante, una revelación filosófica. Decidí entonces lanzarme con cierta determinación en una carrera de artista.

«La lectura de la obra de Albert Camus (…) fue un déclic, un detonante, una revelación filosófica»

«Decidí entonces lanzarme con cierta determinación en una carrera de artista»

– Recientemente has presentado Reencantar, una exposición individual con tu producción más reciente ¿qué hilo conductor relaciona las obras que has mostrado?

Pues diría justamente que mi trabajo tiene un anclaje en el existencialismo «positivo» que defiende Albert Camus. En mi tercera exposición individual, Reencantar, sigo expresando la necesidad de amar la vida desde nuestra vulnerabilidad. Mis pinturas reflejan mi mirada tanto crítica como amorosa hacia un mundo que pierdo poco a poco de vista a causa de la enfermedad visual que me afecta.

«En mi tercera exposición individual, Reencantar, sigo expresando la necesidad de amar la vida desde nuestra vulnerabilidad»

– Has realizado numerosas visitas guiadas en esta exposición con diferentes colectivos de personas ¿qué acogida ha tenido tu trabajo?

La seis visitas guiadas que hice fueron muy enriquecedoras, particularmente la que compartí con mis compañeros de la ONCE, donde aprendí que la pintura se toca, se escucha y se siente con todos los sentidos. La acogida fue muy buena y creo poder decir que estas visitas han permitido a públicos muy diferentes aproximarse mejor a mi trabajo.

– Eres licenciado en Ciencias económicas y sociales y eres profesor en el Liceo Francés en Madrid ¿ha influido de alguna forma esta formación y tu trabajo diario en tu obra?

Ser profesor tiene un impacto importante en mi trabajo como artista tanto en la concepción como en la ejecución. Las ideas o las valores que defiendo en mis pinturas se desprenden del conocimiento que he ido adquiriendo con la enseñanza. Por otro lado, mi profesión de docente me deja menos tiempo para la pintura y me incita a desarrollar una forma de expresión artística más directa y espontánea. Esta cierta urgencia asociada también a mi enfermedad, hace que mis pinturas sean la expresión del momento, del presente y que tengan de alguna forma más vida.

«Las ideas o las valores que defiendo en mis pinturas se desprenden del conocimiento que he ido adquiriendo con la enseñanza»

«Esta cierta urgencia asociada también a mi enfermedad, hace que mis pinturas sean la expresión del momento, del presente y que tengan de alguna forma más vida»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Tengo varios proyectos en mente, series y exposiciones que me gustaría realizar, una de ellas quizás para el Museo Tiflologico de la ONCE en Madrid. Estoy también buscando nuevos soportes de expresión, incorporando fotos y vídeos.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Uno o dos?! El primero que se hará realidad en breve: tener un espacio proprio de creación! Y el segundo que se asemeja más a un sueño: exponer en la Neonudejar, un espacio que me inspira particularmente en Madrid.

«se hará realidad en breve: tener un espacio proprio de creación»

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«La fotografía es una forma de dar un valor que la mera mirada a veces no es capaz de captar»

Andrea Durán es fotógrafa. Se formó en el Máster de Fotografía de Autor y en el curso de Gestión de Proyectos Culturales de la escuela EFTI. Es cofundadora del Colectivo Umedo donde da a conocer sus proyectos fotográficos en forma de fotolibros y fanzines. Su obra ahonda en las relaciones contemporáneas que surgen entre los humanos y su entorno, en concreto sobre los efectos del cambio climático. Conversamos con esta autora sensible e intuitiva.

– ¿Cuándo comenzó tu interés por la fotografía y cómo definirías tu trabajo?

Mi interés por la fotografía como instrumento comenzó cuando tenía unos 13 años y me regalaron mi primera cámara compacta con la que me dedicaba a hacer fotos a mis amigos en el campo. Con los años comencé a entender la foto como un medio para narrar y empecé a usarla para contar historias y entablar relaciones con lo que veía. Mi trabajo siempre ha sido muy intuitivo, aunque en mi último proyecto sí que haya recurrido más a la foto ‘construida’. La fotografía para mí es una forma de reinterpretar lo que veo y darle un valor que la mera mirada a veces no es capaz de captar. También me ayuda a entablar conexiones con mi alrededor y hablar de temas que me conciernen.

«La fotografía para mí es una forma de reinterpretar lo que veo y darle un valor que la mera mirada a veces no es capaz de captar»

– Eres cofundadora y fotógrafa de Umedo Colectivo ¿cómo surgió la idea de crear este colectivo y qué carácter tiene?

La idea de este colectivo surgió de un ejercicio de clase en el que, de forma grupal, teníamos que construir un fanzine con imágenes de todos los componentes bajo un mismo tema. La idea y el proceso nos entusiasmó y pensamos en dar forma cada uno a nuestros proyectos de forma divertida y económica, por lo que creamos UMEDO con el propósito de movernos por ferias y compartir estos fanzines. El nombre del colectivo surgió casi de broma gracias al Colodión Húmedo.

«pensamos en dar forma cada uno a nuestros proyectos de forma divertida y económica, por lo que creamos UMEDO con el propósito de movernos por ferias y compartir estos fanzines»

– Has realizado el Máster de Fotografía de Autor de la Escuela EFTI ¿cómo cambió tu mirada sobre la fotografía después de esta formación?

Durante esos meses tuve la suerte de encontrarme con muchísimos artistas a los que admiraba y, entender de primera mano su visión, su forma de trabajo y su experiencia, fue increíblemente enriquecedor. Algo que me ayudó especialmente fue conocer los inicios de estos grandes fotógrafos, cómo fueron construyendo su camino desde el principio y saber que también pasaron por las inseguridades que yo sentía. El máster fue también retador porque era la primera vez que elaboraba un proyecto fotográfico durante tanto tiempo y, poder estar bajo la tutela de grandes profesionales, fue gratificante a la hora de conocerme a mí misma y mi forma de hacer. Aprendí sobre todo a controlar las inseguridades que se te presentan a la hora de sacar adelante un proyecto personal y, sobre todo, a escuchar también a mis compañeros y aportar nuevas visiones y maneras de crear a través de ellos.

«El máster fue también retador porque era la primera vez que elaboraba un proyecto fotográfico durante tanto tiempo»

«Aprendí sobre todo a controlar las inseguridades que se te presentan a la hora de sacar adelante un proyecto personal»

– También has realizado en EFTI el curso sobre Gestión de Proyectos Culturales ¿qué te aportó esta formación?
Esta formación fue interesante porque estuvo especialmente enfocada a dar forma de manera más profesionalizada a los proyectos que habíamos estado produciendo los meses anteriores. Aprendimos las posibles formas de mostrar una idea terminada ya fuese en forma de fotolibro, con todo su proceso de diseño e impresión; como en forma de exposición, con las posibilidades que el espacio te ofrece. Fue muy divertido tener que construir entre todos una exposición que tuviera un hilo coherente a todos nuestros proyectos.

– Fuiste seleccionada para los visionados de Descubrimientos PhotoEspaña 2023 ¿qué supuso para ti?

Los visionados de Photoespaña fueron una experiencia muy buena porque te abre puertas a la hora de poder mostrar tu trabajo a especialistas del mundo del arte procedentes de distintas partes del mundo. Mantienes contacto con ellos y también conoces el trabajo de tus compañeros de mesa y aprendes de su forma de defenderlo. Las jornadas en sí fueron muy entretenidas porque entre visionado y visionado tenías la oportunidad de conocer a muchos artistas que venían en la misma situación que tú. También fue un reto porque era la primera vez que defendía un proyecto en inglés.

«Los visionados de Photoespaña fueron una experiencia muy buena porque te abre puertas a la hora de poder mostrar tu trabajo a especialistas del mundo del arte»

– Trabajas también en Estudio Canícula realizando fotografía comercial ¿cómo desarrollas cada proyecto para cada cliente y qué espacio encuentras para la creatividad en ellos?

Canícula es un proyecto que nació de dos amigas que estudiamos juntas Bellas Artes y que adoramos la fotografía, cada una de manera distinta y, es precisamente esta dualidad, lo que hace tan interesante nuestro trabajo. Lo que a una se le pasa por alto, la otra lo ha tenido en cuenta antes, y de esta forma resulta muy cómodo trabajar. A la hora de tratar con clientes, siempre intentamos adaptarnos lo posible a sus necesidades, pero nunca está de más poner nuestro granito de arena y pensar ideas que puedan resultares atrayentes y que nosotras tengamos ganas de hacer. Nos encanta ser cercanas a la gente con la que trabajamos, que se sientan cómodas y que puedan disfrutar del trabajo tanto como nosotras.

«En Canícula cada una de nosotras adora la fotografía de manera distinta y, es precisamente esta dualidad, lo que hace tan interesante nuestro trabajo»

– ¿De qué proyectos te sientes más orgullosa hasta el momento?

Madriguera posiblemente sea el proyecto con el que más conexión tengo precisamente porque fue al que más tiempo dediqué y el que más quebraderos de cabeza me causó. Durante el proceso de este trabajo dudé mucho y también aprendí mucho, construí y descarté y todo eso me ayudó, a veces a regañadientes, a aceptar también mis tiempos e intereses a la hora de mirar. Me pilló también en un momento bastante vulnerable con todo, tras terminar la universidad y empezar a conocer la fotografía de una forma nueva además de intentar comprender cuál era el lugar que quería ocupar en el mundo del arte y de qué quería hablar.

«Madriguera posiblemente sea el proyecto con el que más conexión tengo precisamente porque fue al que más tiempo dediqué y el que más quebraderos de cabeza me causó»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Algunos conceptos que me interesan mucho son las relaciones contemporáneas que surgen entre los humanos y su entorno. Actualmente estoy inmersa en un proyecto que trata un poco de esto. Más en concreto, de las emociones que afloran en una generación joven donde el futuro se aparece como una neblina de incertidumbre y desasosiego en un paisaje cada vez más al límite por la crisis climática. Ahora mismo estoy enfocada en este proyecto y no miro mucho más allá (de momento).

«Algunos conceptos que me interesan mucho son las relaciones contemporáneas que surgen entre los humanos y su entorno»

«Me interesan las emociones que afloran en una generación joven donde el futuro se aparece como una neblina de incertidumbre y desasosiego en un paisaje cada vez más al límite por la crisis climática»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

Pues intento que mi tiempo cuando no trabajo se convierta en un tiempo tranquilo, también ajeno a la creatividad y a las ideas (a veces una tiene que descansar de pensar ideas nuevas). Paso mucho tiempo leyendo, me gusta mucho el cine y, últimamente he vuelto a dibujar, algo que también me relaja mucho.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Pues mi único deseo (y el de mucha gente también) es estabilidad, la verdad. Me gustaría que la fotografía no fuese sinónimo de precariedad en muchos casos y poder hacer de ella una forma justa de vivir. Y también seguir aprendiendo y evolucionando con el medio y más allá de él.

«Mi único deseo (y el de mucha gente también) es estabilidad, la verdad. Me gustaría que la fotografía no fuese sinónimo de precariedad en muchos casos»

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«Con el collage puedo expresarme y comunicarme de una manera libre donde todo cabe, sin límites ni reglas»

Maica Luis es artista visual especializada en collage. Su obra, de gran potencia visual, se centra en la mujer y su representación estereotipada a través de la historia, siempre con una mirada crítica a través del collage. Domina esta técnica en todas sus formas y con más de 15 años de carrera collagera a sus espaldas, imparte talleres y charlas sobre el collage, en los que inculca a sus alumnos su amor por este género que ha cobrado mucha fuerza en la última década.

– Tu obra se centra en el collage ¿en qué momento comenzaste a interesarte por esta técnica y cómo la has desarrollado en estos más de 15 años de carrera?

Actualmente y desde hace ya unos 6 años trabajo el collage como actividad artística y de expresión personal. Y hasta el momento está siendo uno de los más divertidos de mi carrera creativa.
Si miramos hacia atrás, mi trayectoria viene de la Fotografía y mis primeras incursiones fueron fotomontajes digitales allá por el 2010. Luego ya de una manera un poco más concreta sobre el 2015 empecé a trabajar la serie que llamé FotoFlorArte donde combinaba mis fotografías de retratos sustituyendo el pelo con las flores preferidas de la persona retratada y desde entonces empecé un coqueteo con el collage digital; leyendo y estudiando todo lo que caía en mis manos sobre collage y especialmente practicando muchísimo.

La dedicación fue cada vez a más, hasta el punto de dejar aparcadas las cámaras y sustituirlas por el ratón y la pantalla. Las tijeras y el pegamento con el collage manual llegaron un poco más tarde, de una manera natural y principalmente durante el confinamiento, como mecanismo de desahogo y motivación; después muchos cursos y seminarios recibidos, muchos talleres impartidos y mucha información han hecho del collage mi herramienta de trabajo, a través del cual puedo expresarme y comunicarme de una manera libre donde todo cabe, sin límites ni reglas.

– ¿Cómo es tu proceso creativo cuando comienzas a trabajar?

El proceso es muy diverso, siempre va a depender de lo que esté buscando crear en ese momento, si es un encargo o si es una obra libre, o si tengo que seguir algunas directrices específicas…
Hay veces que lo tengo claro y voy en busca de imágenes concretas en revistas, libros, periódicos o a través de internet. En otras ocasiones simplemente me dejo llevar y son las imágenes las que me encuentran y entonces surge la magia.

Hay trabajos que salen a la primera y como digo es mágico y un gustazo; en otras ocasiones se complica un poco, me peleo con las imágenes y no encuentro la manera de hacer encajar las piezas pero de repente, hay un no sé qué – un clic- que hace que todo tenga sentido y cobre un significado especial… y ese momento se convierte en una especie de éxtasis.

También es muy importante la música en mi proceso creativo, siempre me acompaña y es una parte fundamental.

«de repente, hay un no sé qué – un clic- que hace que todo tenga sentido y cobre un significado especial… y ese momento se convierte en una especie de éxtasis»

– ¿Trabajas de manera analógica o en combinación con técnicas digitales?

Trabajo ambas técnicas. Son dos maneras diferentes de trabajar y cada una tiene su propio lenguaje por independiente aunque también la combinación de ambas da resultados muy interesantes. Hay veces que un trabajo empieza siendo digital y una vez impreso lo continúo o finalizo de manera manual.
Por otro lado desde hace unos pocos años también estoy trabajando con técnicas mixtas, incluyendo el collage objeto y el bordado.

– Frecuentemente las mujeres son las protagonistas de tu obra ¿qué es lo que más te interesa de ellas?

Cierto, el papel de la mujer, ha sido una constante a lo largo de mi trayectoria tanto en fotografía como ahora con el collage. Es una parte imprescindible de mi trabajo… la tengo integrada de tal manera que fluye sola como símbolo y reivindicación por tantos años silenciada e invisibilizada.

Mi intención es hacerla partícipe de todo, resaltar, reflexionar y plantear cuestiones de cómo nos han encasillado a lo largo de los años, y revelándome contra eso, me gusta pensar que creo figuras seguras de sí mismas, protagonistas únicas de sus propias historias, fracasos o victorias.

Mi trabajo contiene una fuerte carga emocional e intimista, en muchas ocasiones creando metáforas poéticas como herramienta de comunicación buscando evocar una reacción en quienes las contemplan, incluso para que cada uno le otorgue su propio significado y que pueda hacerlas suyas, sintiéndose identificado con sus emociones personales.

«Mi intención es hacer a la mujer partícipe de todo, resaltar, reflexionar y plantear cuestiones de cómo nos han encasillado a lo largo de los años»

– Realizas talleres de collage ¿qué tratas de inculcar a tus alumnas/os y cómo es la relación con ellos?
Sí, desde hace ya más de un año estoy impartiendo talleres que es otra escuela más, porque aprendo cada día con cada persona que pasa por mis talleres. Como docente mi mayor aspiración es transmitirles mi amor y mi pasión por el collage, que descubran su propia identidad visual, su propio estilo y puedan expresar toda su creatividad y sus ideas.

Mi planteamiento es que cada taller sea una invitación a la reflexión, a la inventiva y al juego. Les ayudo a descubrir sus capacidades creativas trabajando tanto los aspectos técnicos del collage, así como con la imaginación y la intuición. Ojo, también les advierto que es adictivo!!! (risas).

«Como docente mi mayor aspiración es transmitirles mi amor y mi pasión por el collage, que descubran su propia identidad visual, su propio estilo y puedan expresar toda su creatividad y sus ideas.»

– Hay un movimiento de artistas mujeres de collage muy amplio en toda España ¿por qué crees que el collage está tomando tanta fuerza en este momento y por qué especialmente por mujeres artistas?

Es cierto, y como yo lo veo, es por la versatilidad que facilita el lenguaje del collage, es ágil, es certero, es cercano y da infinitas lecturas, llega a todo el mundo… no encasilla, ni establece jerarquías, es totalmente visual, transmite y comunica a golpe de vista. ¡¡Esa rapidez mental para difundir una idea es lo que engancha!!
De todos modos pienso que aunque hemos ha avanzado y conseguido mucho sigue siendo necesario diferenciar y destacar el arte hecho por mujeres, debido a la gran desigualdad que ha existido entre ambos géneros a lo largo de la historia en todos los ámbitos, no solo en lo artístico, aportando y enriqueciendo con una visión femenina, a la sociedad en su totalidad.

«sigue siendo necesario diferenciar y destacar el arte hecho por mujeres, debido a la gran desigualdad que ha existido entre ambos géneros a lo largo de la historia en todos los ámbitos»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

Ufff… en cuanto puedo, me escapo al mar o a la montaña, tengo la inmensa suerte de vivir en canarias y eso me lo facilita mucho; soy más de playa, eso sí, en aquellas donde solo se escuche el sonido de las olas, huyo de la masificación y el turisteo. También me encanta la montaña y lo verde, respirar aire puro me recarga de energía…
Me gusta leer, cocinar, cine, series, ¿ya sabes, no? (risas

– Un deseo que te gustaría que se hiciera realidad
Voy a tirar de dos: PAZ e IGUALDAD

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«Fotografiamos lo que somos»

Victoria Adame es fotógrafa. Su obra gira en torno al costumbrismo y a las emociones humanas. A través de su cámara su mirada se posa en objetos nos hablan de quien los posee o quien los utiliza, y que definen el espacio en sí. También su trabajo habla de sí misma, de su manera de observar y del entorno en el que ha vivido, tanto en el extranjero como en su tierra, Andalucía.

Descubrimos a esta autora cuyo trabajo recomendamos seguir muy de cerca.

– Eres licenciada en Derecho pero te dedicas profesionalmente a la fotografía ¿en qué momento te interesaste por la fotografía y decidiste que querías que fuera tu profesión? 

La fotografía no es mi profesión, es mi pasión. Estudié Derecho por error aunque más tarde lo subsané estudiando Artes Visuales. Actualmente trabajo como directora creativa en la firma de joyas
Adame en Córdoba donde sí que es cierto que la fotografía como herramienta de comunicación está presente constantemente. Una buena imagen comunica más que mil palabras.

– Eres de Córdoba ¿cómo ha influenciado en tu obra ser andaluza y de qué manera transforma tu mirada? 

He tenido mucha suerte de nacer aquí. Andalucía está repleta de talento en todas sus disciplinas y confirmo que cada vez está pisando con más fuerza. He viajado mucho y vivido en otros países pero
siempre he tenido claro que Andalucía es mi lugar. Por supuesto que mi obra se ve influenciada, diría que cada vez más. Actualmente estoy tocando temas costumbristas que me están haciendo redescubrir mi tierra.

«Actualmente estoy tocando temas costumbristas que me están haciendo redescubrir mi tierra»

– ¿Qué temas motivan tus proyectos fotográficos y cómo es tu proceso creativo? 

Mi línea de trabajo se centra en la creación de proyectos fotográficos enfocados en el costumbrismo y en las emociones humanas como punto de partida, pero siempre teniendo muy presente la visión a sus modos de ver como epicentro fotográfico. Funciono a ensayo y error.

«Mi fotografía se centra en el costumbrismo y en las emociones humanas»

– Has desarrollado un proyecto fotográfico sobre la Miopía con el que ganaste la Beca Art House Holland de PAC, fue expuesto en la Fundación Gala y ganaste la beca Fundación Viana-BilbaoArte ¿qué te llevó a realizar este proyecto?

Siempre digo que fotografiamos lo que somos y yo soy Miope. Eso me llevó a realizar esta serie a la que le dí un doble sentido. Por un lado, quise hablar de la ceguera social usando un fuera de foco para distorsionar la realidad pero a la vez intenté mostrar al mundo como percibimos la vida lo miopes cuando no usamos lentes.

– Has trabajado en una obra dedicada a profundizar sobre el cambio climático ¿cómo abordaste este tema? 

Es una realidad muy presente. Me toca mucho la fibra sensible todos los temas que perjudican al planeta en general. Sin agua no hay vida.

– También has desarrollado un proyecto sobre el Circo ¿Qué te interesaba de este tema? 

Con Circo disfruté y aprendí muchísimo. Gracias a este trabajo fotodocumental tuve la suerte de conocer otro mundo y de convivir con personas interesantísimas dentro del espectáculo. Fue una
sensación agridulce que me llevó a profundizar en lo más emocional del ser humano y de la vida nómada.

«Con Circo tuve la suerte de conocer otro mundo y de convivir con personas interesantísimas dentro del espectáculo»

«Fue una sensación agridulce que me llevó a profundizar en lo más emocional del ser humano y de la vida nómada»

– Has recibido numerosas becas y galardones como Mención Honorífica por el International Photography Awards (IPA. Los Ángeles, EE.UU.), el apoyo a la creación de la Fundación Botí o la Beca Ch de para artistas de Art House Holland (Holanda) ¿qué consejo darías a una persona que quiera dedicarse profesionalmente a la fotografía y cómo debe orientar su trabajo a la obtención de ayudas?

Lo primero que disfruten del proceso creativo constantemente y que si no lo sienten con emoción e ilusión que no sigan por ahí. Que ese no es el camino.
Lo segundo, que den lo mejor de sí mismos con mucha disciplina.
Es la única forma de ofrecer resultado puros, auténticos y de calidad.
Como dice Neil Gaiman “Haz buen arte”.

– ¿Qué te han aportado creativamente tus experiencias en el extranjero? 

Sabiduría y empatía. Viajar me ha enseñado mucho más que la carrera que estudié. Mi evolución vino después.

«Viajar me ha enseñado mucho más que la carrera que estudié»

– ¿Cuáles han sido y son tus referentes fotográficos? 

Cambio constantemente en ese aspecto. Pero los clásicos americanos han tenido una gran influencia en mis trabajos. Y he de añadir que mis referentes también están en el cine, en la literatura, en la música… todo eso luego me lo llevo a mi manera a la fotografía que hago.

«los clásicos americanos han tenido una gran influencia en mis trabajos»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro? 

En el que no me gustaría entrar es en de la IA.

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

Disfruto de los pequeños placeres de la vida. Un café con un buen libro me da la vida. Estar cerca de la naturaleza me ayuda a despejar la mente para seguir creando tanto en la fotografía como en el diseño. Practicar yoga y meditar es otra manera de resetearme.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

LA PAZ MUNDIAL

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«Escribir es buscar»

Borja de Diego es escritor y periodista con una capacidad asombrosa para adaptarse a diferentes géneros literarios. Trabaja como guionista audiovisual y narrativo, es autor teatral de numerosos textos que han sido estrenados en diferentes salas. Para él todos los géneros conducen al mismo lugar: buscar y provocar sensaciones en el lector o espectador. Y para eso lleva los temas a su terreno, tratando de comprenderlos y empatizar con los personajes y las situaciones.

En YANMAG seguimos con interés la trayectoria de este autor creativo y lúcido y conocemos su trabajo en esta entrevista.

– Eres licenciado en Periodismo ¿qué te impulsó en un primer momento a estudiar esta carrera?

Siendo muy joven me vi atraído por el arte de inventar historias y por tanto por la literatura, en casi todas sus formas, pero no era muy consciente sobre los caminos para un acercamiento profesional. Por mis buenas notas mis padres me animaron a hacer una carrera universitaria y no me atraía mucho la Filología, lo veía como algo ajeno, así que supongo que vi el Periodismo como algo intermedio. Grandes autores que descubría por entonces como García Márquez o Elvira Lindo se movían en estos dos mundos. Disfrutaba leyendo columnas. Parecía que los periódicos eran un territorio propicio para juntar letras. Pensé que, mientras intentaba hacer literatura, a modo de comodín, el periodismo podría darme de comer. Visto cómo está el sector, veo claro que me equivoqué.

– Cursaste un máster en Creación de Guiones Audiovisuales y trabajas habitualmente en esta área ¿qué particularidades tiene este estilo de escritura?

En general, la escritura para llevar a escena o a pantalla es muy dinámica. Tiene sus reglas, que no terminan en realidad de ser ley, y después está su traslación a otro medio que va más allá del papel. Hace muy estimulante intentar marcar un tono, un ambiente o un estilo. Pero sobre todo está el hecho de que al final se trata de un trabajo en equipo: escribo sabiendo que lo que haga va a ir después a otras personas encargadas de dar un mayor empaque a mi trabajo. Esto tiene, claro, sus conflictos y sus sin sabores, pero también sus grandes hallazgos y el consuelo de que, por lo general, el talento compartido mejora en mucho al individual. Como poco consigue que me sienta un poco menos solo, un poco más acompañado.

«Al final se trata de un trabajo en equipo: escribo sabiendo que lo que haga va a ir después a otras personas encargadas de dar un mayor empaque a mi trabajo»

– También trabajas como guionista narrativo ¿cómo te adaptas en función de cada proyecto?

Si preguntas por los tipos de géneros, en realidad no veo tanta diferencia porque al final todo es lo mismo: armar la historia y escribirla intentando que refleje algo, que provoque algo, que haga mella en el que lee, observa o escucha. Por lo demás, intento pensar mucho en el proyecto en sí, en qué me sugiere, por dónde debería moverse, qué me gustaría ver… Si el proyecto es una cosa mía, personal, me aferro a qué sentía o pensaba en el momento en que se me ocurrió: qué me ha llevado a esa idea, qué necesidad tenía de llegar a ella. Si es un encargo, me empeño en escuchar y entender a quien me lo encarga, por qué le nace, y sobre todo en llegar a un consenso de lo que estamos buscando. Porque al final escribir es precisamente eso: buscar.

«Al final todo es lo mismo: armar la historia y escribirla intentando que refleje algo, que provoque algo, que haga mella en el que lee, observa o escucha»

– Eres autor de numerosos textos dramáticos que se han estrenado en diferentes salas de Sevilla y también publicado en editoriales. ¿Cómo comenzó tu interés por escribir teatro y por qué te centras en él frente a otros géneros?

Mientras terminaba la licenciatura de Periodismo tuve la suerte de cruzarme con gente de teatro. El género ya me atraía siendo niño, me encantaba leerlo, y mis padres siempre habían buscado estimularnos a mis hermanos y a mí llevándonos a ver todo tipo de espectáculos. Pero fue acabando la carrera cuando por fin conocí a personas involucradas en el sector y descubrí que eran muy generosas, muy abiertas, y no tardaron en incluirme en sus cosas y animarme a escribir. Yo intentaba entonces escribir poesía y estaba acostumbrado a todo lo contrario a esa cercanía: veía círculos cerrados, marcados por las afinidades y no tan interesados en las posibilidades del lenguaje como me sentía yo. Veía mucha performance, mucho personaje, mucho show, y yo solo quería escuchar y leer. Y tal vez por eso tampoco encajaba con el asunto. O sencillamente no se me daba bien, no lo sé.
El caso es que Jose Chía me preguntó si quería ser dramaturgo y de repente, casi sin darnos tiempo a conocernos, estaba escribiendo mi primer espectáculo para su compañía. Lo estrenamos y probé aquello de que otras personas recojan tu trabajo para hacerlo suyo, crear un ambiente, comprobar cómo reacciona al público… Me enamoré de ese vértigo y tuve la suerte de que llegaran más encargos y más textos. En parte por eso me he centrado en escribir teatro, porque me lo han ido encargando, casi por accidente. Y por esa sensación de pertenencia, que era algo que yo buscaba, y me encontré con que ya me llamaban “dramaturgo” desde el primer día aunque yo no tuviera ni idea de lo que estaba haciendo. Pero también está esa sensación de escribir para los chamanes, para participar en el bello hechizo de la representación en el tiempo presente: los actores encarnan la historia para el espectador en un aquí y un ahora, y me siento con la fortuna de haber podido hacerlo posible. No creo que haya un género más cercano a esto, ni más poderoso.

«Probé aquello de que otras personas recojan tu trabajo para hacerlo suyo, crear un ambiente, comprobar cómo reacciona al público… Me enamoré de ese vértigo y tuve la suerte de que llegaran más encargos y más textos»

– ¿Cómo describes tu proceso creativo?

Ni idea, la verdad. Mi pareja, Almudena López Molina, es muy meticulosa, muy organizada, y la envidio. Yo intento centrarme y organizarme. Por ejemplo, intento documentarme leyendo y viendo mucho sobre lo que sospecho que me puede servir para lo que estoy escribiendo. Pero veo que ella toma notas y yo no. O no muchas. O las tomo y me olvido de dónde. Después intento ser estricto con los horarios, sentarme y teclear. Intento planificarme, definir una estructura y todo eso. Pero a la hora de la verdad, me olvidaré de todo y me lanzaré a la aventura. Sigo mi intuición, confío en las corazonadas. Hago ejercicio físico para no sobrecargar la mente. Si me atasco, me ducho. Y no sé, confío en que llegaré a alguna parte. A veces hay un chispazo y siento que me agarro a algo, como el Principito arrastrado por las estrellas fugaces. Por el camino corrijo mucho, pienso mucho, sufro mucho. Y tal vez por eso, cada vez intento organizarme más y mejor, porque sé que los mapas son útiles, pero también que me haré trampas al solitario y terminaré abriéndome paso entre la maleza apostándolo todo al impulso del machete.

«A la hora de la verdad, me olvidaré de todo y me lanzaré a la aventura. Sigo mi intuición, confío en las corazonadas»

– ¿Cuáles son los temas que más te interesa tratar en tus obras?

Como te decía, tuve la suerte de empezar asumiendo encargos. Lo primero ha sido siempre buscar la forma de hacerlos un poco míos. Por ejemplo, he hecho monólogos dramáticos de personajes históricos y me he empeñado en humanizarlos, porque si no ni yo los querría ver. Hace poco que he empezado a escribir mis cosas y lógicamente los temas no escapan a las inquietudes de mi generación. Me alegra haber abordado la Gran Renuncia, por ejemplo, o los ambientes tóxicos en los puestos de trabajo. Ahora me ronda por la cabeza esta angustiante sensación de vivir sin horizonte, sabiendo que nunca conoceremos la estabilidad de nuestros padres. Desde el teatro infantil he podido hablar de la mentira de la meritocracia… Y en el campo de la comedia, me pueden demasiado el humor negro y la sátira política. Creo que este baturrillo refleja el caos que es mi cabeza.

«Tuve la suerte de empezar asumiendo encargos (…). Hace poco que he empezado a escribir mis cosas y lógicamente los temas no escapan a las inquietudes de mi generación»

– ¿Qué sensaciones tienes al ver tus obras representadas en escena?

Es algo muy potente, sin duda, pero me genera también nervios, una cierta sensación de fragilidad y sobre todo extrañeza. Por momentos puedo llegar a disociar. Me pregunto si de verdad lo que he escrito puede interesarle a alguien, si tiene algún sentido para el espectador, porque al final el teatro, no deja de ser comunicación. También es muy satisfactoria la sensación de conectar con el público. Cuando los espectadores se ríen, por ejemplo, y compruebas que la comedia funciona. O con los espectáculos familiares, que me han traído mis mayores satisfacciones porque los niños se entregan sin reservas. En fin, es muy bonito conectar, porque vuelve a hacer que me sienta menos solo. Pero lo curioso es que cuantas más cosas se estrenan, cuanto más hago, más nervioso me pongo y más inseguro me siento. Supongo que antes era más ingenuo, yo qué sé…

– También has escrito novela y poesía, ¿qué te hace decidirte por un género u otro para escribir: es la temática la que lleva a desarrollarla en un género determinado o es el propio género el que desarrolla la temática?

Uy, no lo sé. Honestamente, el género lo decide el encargo. Ahora me contratan para escribir novelas, pues novela. Ahora es audiovisual, pues audiovisual. Y, de momento, cuando sale de mí, tiene forma de teatro. Supongo que cada género te permite llegar de una manera u otra a quien intentas alcanzar. Pero más que eso me preocupa encontrar el tono, la energía, las sensaciones de lo que quiero contar, que el género en sí. Al final tengo la sensación de seguir escribiendo poesía, me mueva por donde me mueva.

«Más que el género de lo que escribo, me preocupa encontrar el tono, la energía, las sensaciones de lo que quiero contar, que el género en sí»

– ¿De qué proyecto te sientes más orgulloso hasta el momento?

Me han hecho muy feliz mis primeras experiencias con el teatro familiar. Lógicamente, porque los niños son un público salvaje y viven la experiencia de ser espectadores como nadie. También ha sido para mí una forma de volver a sentirme niño y probar cosas que me apetecían mucho, como la estructura interactiva, al tiempo que acercaba el teatro a los videojuegos y me creía que hacía algo más o menos parecido a las aventuras gráficas con las que crecí. Tuve la suerte, encima, de que las protagonizara un actor fantástico del que tengo la suerte de ser amigo, Álvaro Prados, y verme al fin haciendo con él parte de este camino repleto de baches y espinas.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Ahora que me veo sin encargos me he puesto con lo que decía, cosas mías. Estoy documentando la vida de mi tío abuelo Juan de Diego, deportado en el campo de concentración de Mauthausen, con la idea de escribir sobre él. No sé si sobre la vida en Mauthausen, que por fortuna se ha contado mucho ya, o lo que le supuso esta terrible experiencia a largo plazo. Este impulso está coincidiendo además con este auge absurdo de los fascismos y esa oleada revisionista y negacionista del horror nazi, así que no sé si me arrastrará hacia la memoria histórica. Lo que sí me gustaría es poder contar con unos mínimos recursos para este trabajo, que requiere mucho de mi tiempo solo en revisar la ingente documentación que recabó mi tío Enrique Urraca y tantas otras personas e instituciones decididas a que el horror no se olvide. Aunque sea para no sentirme solo haciendo ese camino.

«Estoy documentando la vida de mi tío abuelo Juan de Diego, deportado en el campo de concentración de Mauthausen, con la idea de escribir sobre él»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

En mi casa es difícil distinguir entre un tiempo que sea de trabajo y otro que no. Pienso mucho, leo mucho, me obligo a ir a un gimnasio y me pregunto qué voy a hacer con mi vida. Aunque entiendo que el tiempo que dedico a preguntarme de qué voy a vivir sigue siendo tiempo de trabajo. Me gusta ver a los amigos, aunque debería hacerlo más. Me gusta jugar al ajedrez y me gustan los videojuegos. Ahora he empezado a jugar a rol y me llama mucho lo de inventar aventuras, que obviamente tiene su dramaturgia. También me gusta el cine, verlo en casa y sobre todo ir a las salas. Me gusta ir al teatro, intento ir mucho. Y por el camino, haga lo que haga, le doy muchas vueltas a la cabeza, se me vienen ideas y son tantas que hacen que me sienta acorralado.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad:

Que eso de hacer carrera literaria tuviera únicamente que ver con escribir.

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«La fotografía ha sido mi mayor asidero, un refugio ante la soledad y el arte que mejor me ha permitido comprenderme a mí misma«

María Astrea es fotógrafa afincada en el País Vasco. En su trabajo encontramos autorretratos íntimos, retratos de personas de su entorno, objetos en una habitación, animales, plantas y luces. Son fotografías del contexto de su propia vida, de los seres vivos o inanimados que la rodean. María Astrea busca la relación entre sus fotografías y en sus dípticos las imágenes dialogan entre ellas o se complementan, una alquimia que despierta en el espectador que las contempla emociones inesperadas. Todas sus imágenes tienen la atmósfera y textura de una manera de ver el mundo única, cálida y sugerente.

Gustavo Alemán, gestor cultural, editor de Fuego Books y promotor de la Beca Fuego de proyectos fotográficos, describe lo que para él es el trabajo de esta artista:

«El trabajo de María Astrea nos transporta a un mundo fuera del tiempo. Un singular universo bajo el que se agitan corrientes subterráneas. La belleza de las imágenes sirve apenas de bálsamo ante la oscuridad a la que aluden, una tierra de sombras que asalta especialmente a sus personajes infantiles, ensimismados frente a terrores que apenas comprenden. La estética de su obra no se antoja un fin en sí misma, sino una llave para hacer más llevadero lo turbulento de los sentimientos que laten justo al borde del encuadre. Desconocemos qué ocurre exactamente, pero una y otra vez nos alcanza el mismo pensamiento recurrente: algo no va bien.

Con María Astrea como guía a ese espacio incierto e intenso, sentimos el placer de un escalofrío al adentrarnos en esas aguas. Aún con el temor latente de que un día no seamos capaces de volver.»

Conversamos con esta interesante artista cuyo trabajo nos entusiasmó por su altísima calidad.

Entrevista con María Astrea

– ¿Qué es la fotografía para ti y cuándo empezaste a fotografiar?

Siempre me cuesta responder a esta pregunta porque tiendo a ponerme un poco intensa, pero la verdad es que durante mucho tiempo la fotografía ha sido mi mayor asidero, un refugio ante la soledad y el arte que mejor me ha permitido comprenderme a mí misma.

Empecé de forma casual, con unos 20 años, mientras estudiaba el Grado Superior en Interpretación de lengua de signos. Allí conocí a una compañera a la que le gustaba la fotografía y un día, pasando el rato en su casa, me hizo una sesión de fotos. Lo cierto es que no me había interesado la fotografía hasta entonces pero siempre que hacíamos un plan la cámara estaba presente y empecé a sentir curiosidad. Decidí comprarme una réflex, -la más sencilla que había por entonces- y comencé a experimentar. Colocarme detrás de la cámara supuso para mí una forma de percibir y de estar en el mundo que no había conocido hasta entonces.

«Colocarme detrás de la cámara supuso para mí una forma de percibir y de estar en el mundo que no había conocido hasta entonces»

– ¿Qué motiva que quieras fotografiar y cuáles son los temas que te interesan?

Para mí la fotografía empezó siendo un juego pero en poco tiempo trascendió a algo mucho más significativo.
Las fotografías que tomaba reflejaban el proceso psicológico en el que estaba inmersa y creo que durante mucho tiempo eso fue lo que me motivó para seguir trabajando.

Al juntar mis imágenes comprendí que estaba hablando de temas que no tenía resueltos, especialmente la muerte de mi padre, que sucedió cuando yo era una niña.

En cuanto a las temáticas que me interesan hay muchas (diría que especialmente la infancia) y me encanta profundizar en ellas a través de la imagen. Desde las historias más personales hasta las más universales, lo que más admiro de la fotografía es que, por una lado me permite explorar el mundo y al mismo tiempo mis propias emociones.

«Las fotografías que tomaba reflejaban el proceso psicológico en el que estaba inmersa»

– ¿Tienes ideas previas sobre las fotografías que quieres hacer o improvisas sobre la marcha?

Mi forma de trabajar es una combinación entre ambas cosas. Suelo tener algunas ideas antes de una sesión pero no se me da nada bien dirigir así que todo acaba siendo más espontáneo de lo esperado y es de ahí de donde salen los mejores resultados.
Como ya he comentado, me interesa mucho la infancia y siempre me ha resultado más fácil trabajar con niños que con adultos, por eso, a veces utilizo distintos elementos para jugar, como botes de humo o ropa diferente. La mayoría de mis fotografías están realizadas en mi entorno más cercano, paisajes próximos a mi casa y modelos con los que tengo una relación estrecha (mis sobrinos o hijos de amigas, principalmente).

También es cierto que, tras una crisis creativa bastante larga, mi forma de trabajar ha cambiado. Después de mucho tiempo sin fotografiar, volví a coger la cámara pero de forma más pausada. Sigo fotografiando mi entorno pero ya no busco crear escenas, aunque es una forma de trabajar que me sigue atrayendo mucho y no descarto retomarla.

«Después de mucho tiempo sin fotografiar, volví a coger la cámara pero de forma más pausada»

– Una de las características muy interesantes de tu trabajo son los dípticos. ¿Qué relaciones encuentras entre las imágenes?

En mi caso los dípticos surgen de forma espontánea. Es cuando reviso el material cuando encuentro relaciones entre las imágenes y disfruto mucho jugando con ellas. Las junto, las mezclo, reutilizo fotografías antiguas y para mí es una fórmula muy eficaz para crear relatos diferentes.

Además -aunque esto ya sea una experiencia más personal- crear dípticos es algo que me relaja mucho y me hace olvidar un poco el ritmo del día a día.

«Las junto, las mezclo, reutilizo fotografías antiguas y para mí es una fórmula muy eficaz para crear relatos diferentes»

– Muchas de tus fotografías son autorretratos, ¿cómo es para ti trabajar con tu propia imagen?

Creo que, de una u otra forma, casi todos los artistas han experimentado con su propia imagen. Puede convertirse en una pulsión, en una forma de cuestionamiento hacia uno mismo, hacia el mundo, y en otras, en cambio, el autorretrato es la respuesta.

En mi caso, trabajar con mi propia imagen fue consecuencia de la soledad.
Después de vivir un tiempo en Barcelona tuve que volver forzosamente a Bilbao y en ese regreso perdí muchas cosas, -incluida yo misma-. Creo que fue en ese momento cuando empecé a retratarme.
Todas las imágenes están tomadas en la que era mi habitación, -mi refugio-, y la cámara se convirtió en un elemento muy importante en mi proceso de curación. Fotografiarme me ayudaba a existir, me sostenía.

«trabajar con mi propia imagen fue consecuencia de la soledad»

– En tu proceso de trabajo ¿cómo eliges las fotografías después de una sesión?

Como trabajo en digital puedo ver las fotos en el momento o hacer un repaso rápido tras la sesión, pero la edición final la hago viendo las imágenes en el ordenador.
También es importante para mí que haya cierta conexión entre las fotografías que selecciono, no sólo las de una misma sesión, sino que las nuevas tomas me sirvan para crear relatos con fotografías que haya hecho anteriormente.

«es importante para mí que haya cierta conexión entre las fotografías que selecciono»

– ¿Cómo puede adquirirse tu trabajo?

En ocasiones he vendido obra suelta pero mi idea siempre ha sido condensar mi trabajo en un fotolibro o mostrarlo en una exposición. Comencé el proyecto del libro hace un tiempo pero ahora mismo estoy centrada en fotografiar para mí y en volver a disfrutar de la cámara, por eso, la mejor manera de conocer lo que hago es a través de mis redes sociales.

Se puede contactar conmigo vía Instagram @maria_astrea o por email.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me gustaría mucho cerrar en forma de fotolibro el trabajo que empecé sobre la muerte de mi padre. Tuve la inmensa suerte de que el gran Paco Llop se interesara por mi trabajo y estuvimos en contacto un breve periodo de tiempo pero, lamentablemente, las circunstancias no hicieron posible que el proyecto saliera adelante.

También me encantaría trabajar conjuntamente con alguna de las muchas fotógrafas a las que admiro, que además de ser mis referentes, algunas se han convertido también en grandes amigas.

– Un deseo que te gustaría que se hiciera realidad.

A nivel personal estoy en un momento muy feliz y aunque suene a tópico, no cambiaría prácticamente nada. Si tuviera que pedir un deseo en ese sentido sería mejorar laboralmente.

Por otro lado, a nivel general sí que tengo muchos deseos que ojalá se hicieran realidad, como que Israel detenga el genocidio que está cometiendo contra el pueblo palestino.

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María Astrea – Instagram

Contacto: mariaastrea87(at)gmail.com

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«Esa sensación de estar integrada en algo más grande que tú es inigualable«

Miriam Cervino es fotógrafa y bióloga. La naturaleza y su amor por ella siempre han estado presentes en su vida. Tenerife es el lugar privilegiado donde vive y desarrolla su obra, allí fotografía paisajes naturales, impresionantes imágenes donde casi se puede escuchar la fuerza del mar o el sonido de los pájaros, a los que conoce y retrata con especial cuidado y habilidad. Pasear la mirada por sus fotografías es volver a los espacios abiertos y limpios que hemos perdido los que residimos en las ciudades para encontrar la belleza en cada pequeño detalle que regala la naturaleza. Su trabajo nos emocionó y quisimos conocer a la fotógrafa que hay detrás de este trabajo tan valioso.

– ¿Qué es para ti la fotografía y cuando comenzaste a fotografiar?

Actualmente, concibo la fotografía como algo distinto a lo que era cuando empecé. Desde pequeña me gustaba y hacía fotos de las vacaciones, aunque no viajáramos, era una forma de tener recuerdos y sobre todo de rememorar un tiempo muy feliz y ocioso. Mis padres me regalaron una cámara con veinticinco años y fue cuando me apunté a un curso de fotografía analógica que organizaba la escuela municipal de mi ciudad. Ahí aprendí a revelar como los de antes: analógicamente y en blanco y negro. Luego hubo parones y no fue hasta hará unos diez años que retomé la afición por la fotografía arrastrada por mi compañero de vida que también era aficionado. Salir a fotografiar juntos me ha impulsado bastante porque me ha enseñado casi todo lo que sé de la fotografía digital.
En este tiempo, la fotografía se ha convertido en una búsqueda de la belleza, de algo estético. Puede ser por el color, por la composición, por el sujeto u objeto fotografiado o por la historia que cuenta una foto. Por lo que nos transmite. Hay fotos muy duras que conmocionan, pero hay otras minimalistas que me atraen por su sencillez y porque realzan lo esencial.

– ¿Qué inspira e impulsa tu trabajo de fotografía? ¿cuáles son tus referentes? 

Me voy a repetir mucho, pero es la belleza la que impulsa mis ganas de fotografiar, encontrar sitios y seres vivos a los que fotografiar capturando su singularidad, su esencia, aquello que no vemos a primera vista pero que si nos detenemos somos capaces de apreciar. Adoro la naturaleza, sentirme parte de ella, aprender y deleitarme con ella, como dice el filósofo francés Baptiste Morizot: «sólo somos otra forma de estar vivos«. Y esa sensación de estar integrada en algo más grande que tú es inigualable.
En cuanto a mis referentes he de decirte que admiro el trabajo profesional de los fotógrafos y fotógrafas a los que he tenido la suerte de conocer en los talleres y cursos de los festivales que organizan en mi isla, entre ellos: José Benito Ruiz, Isabel Díaz, Chus Recio, Egoitz Icaza, Juan Tapia…
Y los grandes, los de toda la vida: Man Ray, Cartier-Bresson, Eve Arnold, Sally Mann, Cristina García Rodero, Annie Leibovitz…
Luego están los profesionales que he conocido a través de las redes y que tienen un trabajo exquisito y muy estimulante. Están siendo todo un descubrimiento.

– Vives en Tenerife ¿qué aporta a tu trabajo este lugar tan especial?

Tenemos un clima muy amable, incluso cuando no lo es, existen fenómenos que aportan aspectos curiosos a la fotografía porque alteran la luz, como el polvo en suspensión del Sáhara o calima, o porque cambian el paisaje como en el caso del mar de nubes, según la altitud.
En Canarias tenemos unos montes preciosos y una costa muy escarpada, con una amplia diversidad de especies y endemismos. Además, las islas son un lugar de paso de muchas especies migratorias, al que vienen aves invernantes y que también sirve como refugio estival. Aprovechamos estas épocas para fotografiar todo lo que podemos.

El fenómeno migratorio de las aves es muy peculiar y se ve muy afectado por el clima. Algunos vientos en otras latitudes pueden afectar a las rutas por las que se desplazan las aves. En el mejor de los casos, como consecuencia de esto, llegan a nuestras costas ejemplares que habitualmente no pasarían por las islas y, en esas ocasiones, si nos enteramos de su llegada, acudimos a fotografiarlas. Otras veces es más traumático, como el episodio que tuvimos en enero del 2023, cuando la borrasca Fien, centrada en el norte de Europa, arrastró con sus fuertes vientos y su frío polar a cientos de frailecillos atlánticos hasta nuestras costas, dejando muchos ejemplares muertos y malheridos.

En Canarias tenemos los Alisios atlánticos, unos vientos que durante el verano y otoño soplan con fuerza del noreste y determinan la viabilidad de algunas poblaciones de aves. Aparte de suavizar un clima que podría ser mucho más sofocante dada su cercanía al continente africano.

– Tu trabajo se centra en la fotografía de naturaleza y viajes ¿cómo te preparas para cada sesión de fotos? ¿llevas siempre la cámara encima o sólo en momentos concretos?

Casi todo el tiempo libre durante los fines de semana y vacaciones cargamos con la cámara a cuestas. También cuando viajamos. No siento que limite nuestra forma de viajar o de visitar ciudades porque la fotografía me ha enseñado a mirar de otra manera, a fijarme más en lo que hay a mi alrededor y a darme cuenta de que la naturaleza y, en concreto, las aves están muy presentes en cualquier parte. Por supuesto no es lo mismo hacer viajes fotográficos a reservas especiales o a parques nacionales, ahí la preparación y el equipo creo que sería más exigente. Sobre todo, me preocupa el peso que llevo, por lo que he de pensar bien qué tipo de fotografía quiero hacer, si de paisaje, de aves o fotografía macro para elegir bien el objetivo que cargo. A veces los cargo todos y ya está.

Cuando vamos a fotografiar aves nos tomamos un tiempo para integrarnos en el paisaje y que no noten demasiado nuestra presencia. Al principio desaparecen, pero al cabo del rato, se acostumbran a tu presencia y vuelven a su rutina de comportamiento: beber agua, bañarse, buscar comida, saltar de rama en rama, de charco en charco o a pelearse entre ellas. Entonces es cuando apretamos, en modo ráfaga, el botón de disparo de la cámara. Nos pueden dar las uvas porque si están muy activas, según la hora del día, no paran y tú tampoco te cansas. Es como estar en un circo acrobático. Si es en los árboles, se desata todo un mundo de piruetas, equilibrios y si están en las rocas de la costa, entre los charcos que deja la marea, las ves en su hora del baño o correteando de charco en charco. ¡Es una verdadera gozada!

«la fotografía me ha enseñado a mirar de otra manera«

– Como has comentado, retratas especialmente todo tipo de aves ¿cómo comenzaste a fotografiar estos animales?

Todo empezó en junio de 2020 cuando nos desconfinaron durante la pandemia de la COVID-19. Estábamos tan ávidos de espacios abiertos que subimos al Teide y nos paramos en uno de los miradores a fotografiar la puesta de sol. Entonces, entre los pinos, escuchamos a un pájaro picapinos y luego lo vimos muy cerquita. Los pájaros habían estado casi tres meses campando a sus anchas por el monte, sin ruidos de coches ni humos. Estaban muy confiados y se acercaban bastante al suelo. Ese mismo día descubrimos un bebedero cercano al que acudían muchas especies de pájaros. Nos sentamos y empezamos a fotografiar. En cuanto se acostumbraron a nuestra presencia empezaron a comportarse como si no estuviéramos. Pasamos meses yendo al mismo sitio. Nunca nos cansábamos de verlos corretear, beber, bañarse, pelearse.

Me atrae mucho el comportamiento animal y aprender a distinguir las especies, el dimorfismo sexual y el porqué de muchas características y adaptaciones al medio. Es fascinante ese conocimiento y verlos en acción estimula las ganas de saber más.

Es difícil captar un ave en vuelo. Con el tiempo y la práctica entiendes mejor sus movimientos, sabes quienes se van a acercar más y quienes son más tímidos. Los pájaros pequeños se mueven muy rápido aún sin volar, ahí tienes que disparar en ráfaga si quieres conseguir una foto nítida. En la costa es distinto, algunas aves limícolas se alejan mucho y tienes que situarte lo más cerca que puedas sin molestarlas y sin resbalarte con el musgo. Aquí entra en juego el equipo, un buen teleobjetivo ayuda mucho.

Al principio me conformaba con fotografiar muchas especies diferentes, cada una nueva era un logro. Con el tiempo la meta va cambiando y ya no me basta con la fotografía documental, busco algo más artístico, algo diferente, que la foto capte la belleza que ve el ojo…aunque es el cerebro el que la ve, realmente. Es todo un desafío.

– Después de las sesiones ¿cómo es eliges las imágenes definitivas? 

A veces en la cámara misma descarto algunas tomas fallidas, luego las descargo en el ordenador y voy eliminando las que no me gustan o han salido mal. Intento no hacerles muchos retoques a las fotos, sólo lo que llaman los ajustes básicos y, aunque hay quién dice que el purismo en la fotografía digital es un contrasentido, trato de no alterar demasiado o no editar en exceso lo que la cámara capta sino intervenir en lo que tenemos al alcance de la técnica fotográfica en la cámara, con filtros o con la luz (luz natural, linternas, etc.) en el momento de hacer la toma. Luego aplico los ajustes básicos siguiendo un flujo de trabajo sistemático: balance de blancos, luminosidad, intensidad, saturación, nitidez…Esto también es un reto porque tienes que aprender dominar muy bien los conocimientos sobre la luz para utilizarla en el beneficio de la toma.
La elección de las imágenes finales depende también del destino de la foto. Será diferente si la voy a presentar a un concurso (obedece al tema del concurso), si es para un regalo o si la quiero publicar en redes.

Algunas veces es bueno dejar reposar las fotos y volver sobre ellas con el tiempo. Entonces las ves de otra forma y rescatas tomas que inicialmente habías dejado en el montón y no te habían sugerido nada. ¡Hablo incluso de años!

– Además de Instagram ¿cómo te gustaría que la gente viera tu trabajo?

Me gusta la idea de proyecto fotográfico, de que las fotos se creen en base a una temática y sirvan a un fin. El formato luego es lo de menos. Actualmente, estoy participando en la preparación de una exposición de fotos desde el grupo local, en Tenerife, de la Sociedad Española de Ornitología (SEO), de la que formamos parte y a la que contribuiremos con algunas fotos. El objetivo es concienciar sobre la conservación de las aves y de un territorio natural bastante castigado y amenazado.

– ¿Qué consejo darías a una persona que quiera iniciarse en la fotografía de naturaleza? 

Creo que el secreto es la práctica. No digo nada nuevo porque sirve para casi cualquier cosa en la vida, pero se aprende a fuerza de salir al campo y sacar muchas fotos, ver lo que no te gusta cómo queda y lo que sí. Por supuesto, se aprende mucho de los maestros y maestras de la fotografía de todos los tiempos y los actuales. De los cursos, las jornadas y de la gente que he conocido por las redes. Hay verdaderos artistas de los que aprender y en los que inspirarse. Aprendo imitando hasta que algún día encuentre, si es que lo hago, el santo grial de un estilo personal.

– ¿Qué lugares te gustaría fotografiar en el futuro? 

¡Uf, hay tanto mundo por conocer! Me encantaría fotografiar una aurora boreal, por ejemplo. Me atraen mucho cualquiera de los parques nacionales de nuestro país. Sería un sueño fotografiar flamencos, grullas, lobos o nutrias. Los seres vivos me fascinan. Son una fuente inagotable de belleza.

Fotografia Miriam Cervino

«Los seres vivos me fascinan. Son una fuente inagotable de belleza«

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Hallar ese santo grial del que hablo. Encontrar un estilo personal y que este fuera tan bueno como para servir a la conservación de las especies y su medio natural.

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Miriam Cervino – Instagram

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«Mi creación siempre tiene que ver con exteriorizar filias y fobias, con la voluntad de expresarme y el sentimiento de que no lo puedo hacer de otra manera»

Álvaro Prados es actor, escritor y creador escénico. Su trabajo como creador siempre está marcado por las referencias al amor, a la belleza, a los iconos pop, al paso del tiempo y a la disidencia. Presenta HANS: The Cosmic Dancer en la Sala Cero de Sevilla (días 26, 27 y 28 de enero), un proyecto multidisciplinar que trata sobre la construcción de la identidad y su relación con la búsqueda de la belleza, los límites del cuerpo y el amor como móvil.

– Eres actor de formación por la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla ¿en qué momento decidiste que esta sería tu profesión y qué aporta a tu vida?

– En realidad no recuerdo muy bien ése momento de tomar la decisión de manera consciente. Sé que desde pequeño tenía mucha curiosidad y atracción hacia el cine, la literatura y la música. Era mi zona de confort, y poco a poco empecé a plantearme cómo sería desde dentro. Disfrutaba mucho bailando, leyendo en voz alta, escribiendo, etc… y me di cuenta de que me sentía más conectado conmigo cuando hacía estas cosas, por lo que era natural que terminara estudiando algo relacionado con la expresión artística, pero no sé muy bien por qué elegí la interpretación sobre la escritura o el dibujo, quizá era porque tenía más referentes, no lo sé… El trabajar como actor me ha hecho ser mucho más consciente de mí y de mis limitaciones y me ha ayudado a romperlas y a vencer muchos miedos y manías, y es verdad que aunque la escritura o la dirección me hacen exorcizar cosas, la adrenalina del escenario creo que es insustituible y muy adictiva.

«El trabajar como actor me ha hecho ser mucho más consciente de mí y de mis limitaciones y me ha ayudado a romperlas y a vencer muchos miedos y manías»

– Has desarrollado tu faceta de creador multidisciplinar, aunando el teatro, la poesía y la performance ¿qué motiva cada proyecto en el que trabajas y cómo has ido involucrando cada disciplina en tu obra?

– Me hace gracia lo de creador multidisciplinar porque suena a algo muy serio. La motivación ha sido distinta para cada proyecto, pero creo que siempre tiene que ver con exteriorizar filias y fobias, con la voluntad de expresarme y el sentimiento de que no lo puedo hacer de otra manera. En todas las cosas que hago siempre aparecen referencias al amor, a la belleza, a los iconos pop, al paso del tiempo, a la disidencia… y lo de mezclar distintas disciplinas es algo que me viene de forma orgánica. Siempre me han gustado las obras que son un poco inclasificables y me horroriza que me categoricen, creo que tiene que ver con esto.

«Siempre me han gustado las obras que son un poco inclasificables y me horroriza que me categoricen»

– Como autor literario has participado en La devoción inflamada (2016), una obra colectiva en colaboración con varios autores y has publicado los poemarios De carne y plástico (2017) y HANS: The Cosmic Dancer (2023), ¿qué ha supuesto para ti la escritura de obras literarias colectivas e individuales?

– Pues cada vez que pienso que hay dos libros míos publicados y también textos en revistas y antologías me emociono y me resulta difícil de creer que alguien se haya interesado por ellos, porque si me cuesta definirme como actor, que es algo que he estudiado y con lo que he podido pagar mi alquiler y mis cosas, en el mundo literario me sigo sintiendo un intruso brutal, pero la escritura me ayuda a ordenar ideas y a distanciarme un poco de ellas. Esto marca una diferencia de expresión muy grande con la interpretación porque uno no puede distanciarse de su propio cuerpo. Y me parece que esta distancia es imprescindible para no perder el norte a la hora de abordar la creación. Aunque por otro lado, todo lo que escribo pasa por mi cuerpo de alguna manera… Por eso no me atrevo a escribir narrativa, por ejemplo.

«la escritura me ayuda a ordenar ideas y a distanciarme un poco de ellas»

– También has desarrollado proyectos audiovisuales ¿qué exige para ti cada medio a la hora de crear?

– Lo principal para mí es la honestidad y un mínimo de conocimiento del medio que estás utilizando. Esto segundo se aprende, lo primero creo que es más difícil. Llevo muchos años haciendo teatro y escribiendo mis propios textos, pero he trabajado muy poco en el medio audiovisual, ya que ahí sí que no tengo ninguna formación. Sí que soy un gran consumidor de productos audiovisuales y he tenido la suerte de trabajar con gente muy guay y con muy buen gusto, que me ha ayudado a suplir la carencia de técnica y de la que he aprendido muchísimo.

«Lo principal para mí es la honestidad y un mínimo de conocimiento del medio que estás utilizando»

– Esta semana presentas HANS: The Cosmic Dancer en la Sala Cero de Sevilla (días 26, 27 y 28 de enero), un proyecto multidisciplinar que trata sobre la construcción de la identidad y su relación con la búsqueda de la belleza, los límites del cuerpo y el amor como móvil ¿qué te llevó a crear esta obra y cómo ha sido su proceso?

El motor de creación de esta obra fue la obsesión que siento por el universo y la figura de Hans Christian Andersen desde que soy pequeño, y lo poco estudiados que están ciertos aspectos de su biografía y de la temática de sus cuentos, y la conexión que tienen conmigo. Empecé a darle vueltas a esta idea en 2018, y durante el confinamiento empecé a escribir textos sin saber muy bien si iba a hacer un poemario, una obra de teatro o pequeñas piezas de videoarte. Cuando reuní varios textos y tenía la temática y las ideas más claras, monté un dossier y el proyecto fue elegido por la Red de Teatros Alternativos en la convocatoria de los X Encuentros de Creación en Magalia (2021), allí trabajé con Adrián Baruque, Victoria Aime, Eva Viera y Néstor Calderer y empezamos a poner en escena muchas de mis ideas. Cuando acabaron los Encuentros, terminé de ordenar los textos y formé un poemario. Después de esto estuvimos de residencia en DT Espacio Escénico (Madrid) y ahora por fin la voy a estrenar en mi ciudad. Ha sido un proceso largo y lento. Primero por abordar una figura que está tan institucionalizada y que es tan importante para mí. Y también porque es la primera vez que trabajo con tantas personas estando cada uno en un sitio. Pero ha sido un proceso precioso y estoy deseando mostrar el resultado.

«El motor de creación de esta obra fue la obsesión que siento por el universo y la figura de Hans Christian Andersen»

– ¿Cuáles son tus referentes creativos?

Esta pregunta creo que es la más difícil porque tengo referentes muy dispares y nunca quiero dejarme a ninguno fuera. El primero que recuerdo fue Marisol (no es broma) y de ahí pues hay de todo… según el momento, el trabajo que esté realizando… ahora estoy descubriendo a Natassja Kinski, Ema Saiko y Annie Ernaux y profundizando más en Agnès Varda o Eloy de la Iglesia y también tengo muy presente a Jane Birkin y evidentemente a Hans Christian Andersen. Otros son Allen Ginsberg, Paul Verlaine, Anne Carson, Lorca, Akiko Yosano, Jeanne Moreau, Angélica Liddell, Jacques Demy, Kavafis, Tchaikovsky, Angela Carter, Serge Gainsbourg, Christophe Honoré, Sarah Kane, Copi, Xavier Dolan, Wong Kar-Wai…

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Pues ahora por fin estoy empezando a darle vueltas a esto. Desde que me puse con Hans no he tenido la necesidad de crear ningún proyecto. No sé muy bien cuáles van a ser la forma y el medio elegidos, pero llevo ya un tiempo reflexionando sobre la estructura familia-pareja y lo dañina que es a pesar de lo que se romantiza, así que quizá vaya por ahí. También sé que me gustaría trabajar con otros creadores escénicos, ya sea desde la dramaturgia, la dirección o la actuación.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Pues me encantaría seguir creciendo como actor delante la cámara, que es un terreno bastante nuevo para mí, que salgan muchas funciones de El principito de BricAbrac Teatro (en la que estoy como actor) y de HANS: The Cosmic Dancer y Yo quiero ser Nomi Malone, y como he dicho antes, seguir conociendo y trabajando con otros creadores.

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Álvaro Prados – Instagram – YouTube

Hans: The Cosmic Dancer en la Sala Cero en Sevilla

Libro Hans: The Cosmic Dancer

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«Me gusta apostar por las mezclas, lo diferente y experimental«

Elena Pedrosa es periodista y doctora en Comunicación Audiovisual especializada en Narrativa Audiovisual desde una perspectiva semiótica. Es también artista, comisaria de arte, gestora cultural, investigadora y docente. Desarrolla incansablemente diferentes proyectos de investigación con colectivos de artistas facilitando el intercambio y la conexión entre ellos, buscando con sentido crítico que este trabajo coral siempre aporte a la comunidad.

– Eres periodista y doctora en comunicación visual ¿qué te impulsó a realizar estos
estudios y cómo han cambiado tu manera de mirar el mundo?

– Decidí que quería ser periodista desde muy pequeña, para contar al mundo las cosas que pasaban, siempre he tenido una marcada conciencia social y siempre me ha gustado escribir. Por circunstancias personales acabé estudiando Comunicación Audiovisual y fue entonces cuando me enamoré de la imagen. Desde entonces mi lenguaje se transformó, volviéndose también más simbólico. Me especialicé en análisis semiótico de la comunicación audiovisual, lo que me ha abierto los ojos a desentrañar los mecanismos de manipulación de las narrativas informativas, a la vez que he aprendido a estructurar
la narración de mis proyectos artísticos, y también a ser narradora del trabajo de otros en mi faceta de comisaria. Concebir toda esta complejidad me ha ayudado, también, a tener la mente más clara.

«Concebir toda esta complejidad me ha ayudado, también, a tener la mente más clara»

– Estás especializada en Narrativa Audiovisual desde una perspectiva semiótica ¿cómo aplicas estas investigaciones a un campo como el arte contemporáneo que tiende a buscar la ambigüedad y generalmente a descomponer la narración?

– Precisamente ese análisis, como decía, te hace ser consciente de la multiplicidad de significados de la comunicación visual y artística, pudiendo desentrañar con mayor facilidad el trabajo complejo del artista, simplificar en ocasiones sus formas, ordenarlas, identificar su fortaleza narrativa y optimizar la muestra de las mismas, en fotolibros o exposiciones. Opino que la obra siempre tiene un sentido para el autor, no todo el arte contemporáneo busca la ambigüedad, y precisamente el posible desorden debe estar concienzudamente articulado para que sea esa, y no otra, la sensación que se transmite.
Las estructuras no lineales son mis favoritas.

«el posible desorden debe estar concienzudamente articulado para que sea esa, y no otra, la sensación que se transmite»

– Realizas comisariados ¿cómo abordas cada proyecto y qué enfoque tratas de darles?

– Intento ser lo más horizontal posible, realizando un trabajo en equipo con el total respeto hacia el artista, ya que al fin y al cabo la obra es suya. Pero, claro, y para eso está la figura del comisario, mi perspectiva narrativa me hace visualizar en seguida la eficacia de la forma y contenido, haciendo aportaciones al artista y modelando un discurso.
Mi enfoque es personal, siempre participo en proyectos que me llegan, no podría trabajar con un proyecto que no tiene algo afín a mí, porque trabajo desde la intuición, desde “las tripas”, y no sólo desde la estructura metodológica profesional. Hay un proceso aleatorio y basado en la serendipia que se da sin planificarlo, como ocurre en el proceso creativo del artista, y puede darse sólo cuando conectas con la obra, aunque no sea tuya. Y un poco lo es también, ya que el proceso de comisariado entiendo que es un diseño creativo y narrativo también. Me gusta mucho, por eso, trabajar en colectivas, ya que me motiva crear redes y conexiones entre las personas, y componer, finalmente, una
sintonía armoniosa con las diferentes piezas. Además, me centro mucho en el simbolismo y lo conceptual.

«no podría trabajar con un proyecto que no tiene algo afín a mí, porque trabajo desde la intuición, desde “las tripas”, y no sólo desde la estructura metodológica profesional«

– ¿En qué proyectos de comisariado andas inmersa actualmente?

– Acabo de comisariar una exposición individual de Laura Brinkmann, Sueños del tiempo para la sala de exposiciones de la Escuela de Arte y Superior de Diseño San Telmo, en Málaga, donde trabajo. Se trata de un trabajo compilador del proceso de investigación con fotograma y proceso Lumen de Laura revelando el color latente de papeles tradicionales en blanco y negro a partir de sus investigaciones sobre la teoría del color de Goethe, que ha derivado en acabados y foto-objetos muy originales.

Me encuentro también en un proyecto de comisariado colaborativo que aún no puedo desvelar, que intenta mezclar diferentes disciplinas artísticas que enriquecen y complementan lo fotográfico; me gusta apostar por las mezclas, lo diferente y experimental, y la persona con quien estoy compartiendo el proyecto me motiva a ir en esa línea. Y, por otro lado, trabajo en la recopilación del trabajo de artistas fotógrafas andaluzas, investigación que espero que pueda concluir con una exposición y/o publicación de aquí a uno o dos años.

– Eres fundadora y coordinadora del Colectivo FAMA ¿qué te llevó a crear este proyecto y en qué momento se encuentra?

– Yo volví a Málaga en 2019 después de 12 años en Almería e intenté integrarme en el ecosistema creativo malagueño de la forma en que lo había hecho allí. Me di cuenta, precisamente por mi experiencia como comisaria, que no había un archivo amplio de fotógrafas artistas malagueñas, y que muchas de las compañeras afines que ya conocía sólo tenían su trabajo en redes sociales o lo tenían oculto. Es por eso que propuse realizar ese repositorio a modo de comisariado virtual que es la web colectivofama.com en el que realizo un análisis de algunos de los trabajos más destacados de las 19
fotógrafas que componemos el colectivo.
Por otro lado, y por circunstancias personales que había vivido, me apetecía trabajar desde los ritmos y modos de lo femenino, en un ambiente de apoyo mutuo y ciclicidad consciente. Por la manera de funcionar del arte en Málaga, pensé que podríamos aportar mucho si formábamos un colectivo desde esas premisas, con una perspectiva social y colaborativa.
Caminamos sin prisa, aprendiendo y haciendo exposiciones colectivas y colaborativas, e iniciando proyectos nuevos. En estos momentos he querido reestructurar la forma de funcionamiento en grupos de trabajo separados que interactúan, para optimizar nuestros intereses y modo de relacionarnos: el círculo de Famas se orienta a la promoción y difusión de la obra propia en exposiciones, el círculo de Cronopias tiene una intención más cercana al arte relacional y funciona como un grupo de investigación teórico-práctico de procesos creativos colaborativos con implicación social, y el círculo de Esperanzas es un grupo de apoyo y cuidados que vela porque todas confluyamos de la manera más feliz y armoniosa posible. Mi inspiración primordial está en la obra de Julio Cortázar Historias de cronopios y famas

– Como has comentado anteriormente, eres Profesora de Fotografía Artística en la Escuela de Arte y Superior de Diseño San Telmo, ¿cómo es la relación con tus alumnos y qué tratas de inculcarles?

– Tengo un alumnado diverso, creativo y sensible. Me siento muy afortunada de trabajar en un centro que vela, además de por la formación, por el desarrollo del currículum de su alumnado a través de exposiciones, complementos de formación como jornadas y eventos que llevan ya una trayectoria como las Jornadas de Diseño Telmo Dice o los recién creados pero potentes Encuentros de Fotografía y Audiovisual Latente, a lo que hay que sumar la participación en las rutinas de creación de la ciudad, como centro expositivo y cultural que somos.
La relación con el alumnado es cercana y cordial. Al principio establezco una rutina de autoconocimiento y conocimiento del otro a través de un lenguaje fotográfico más intimista, de relato de experiencia, autorretrato y articulo algunos mecanismos relacionados con mi formación como fototerapeuta y arteterapeuta Gestalt. Luego voy de lo particular a lo social: establezco grupos de trabajo y el alumnado aprende a coordinarse como profesionales, a partir de experiencias piloto relacionadas con la realidad más inmediata. Aparte de la formación relacionada con el arte contemporáneo y todos sus lenguajes, abordamos también la conciencia social y la intervención
documental, así como la función de mediación del arte en los barrios que habitamos, con el proyecto Foto Acción que desarrollo desde 2015. Trabajamos con diferentes formatos, desde exposición de calidad hasta fanzines, fotolibros o piezas de videoarte, y abordamos desde la serie al fotoensay.

«el alumnado aprende a coordinarse como profesionales, a partir de experiencias piloto relacionadas con la realidad más inmediata«

– Este último proyecto que has mencionado, Foto Acción, es una investigación en barrios gentrificados en Málaga y Almería desde la psicogeografía y el artivismo ¿cómo transforma el arte el espacio urbano y qué consecuencias tiene para los habitantes de esas zonas?

– Intento ser muy prudente, porque mi reflexión proviene precisamente de haber detectado un uso colonial y clasista de la fotografía como herramienta de instrumentalización de las personas para el lucro o el éxito a través de proyectos fotográficos muy interesantes que finalmente no revierten en beneficio para los vecinos.
Y de la perspectiva crítica del urbanismo que se diseña desde el elitismo sin tener en cuenta a los habitantes del entorno.
Lo interdisciplinar es esencial, hay que contar con antropólogos, sociólogos y geógrafos, con vecinos y habitantes que te den su perspectiva y que no tengan intereses particulares. Desde que comencé esta experiencia en 2015, hemos creado también grupos de trabajo externos a la Escuela, y siempre hemos trabajado en colectivo, con la coordinación de otros profesores y formando un equipo horizontal con el alumnado.
Luego siempre hemos contado con la presentación con asociaciones y vecinos que han dado feedback a nuestras impresiones.
Mi conclusión personal es que el arte no revierte el proceso de gentrificación de un barrio, sino que lo acentúa. Los grafittis son reclamos para los turistas. La fase bohemia de un barrio siempre es anterior a la subida de los alquileres y expulsión de los vecinos para especular con pisos vacacionales. En ocasiones, iniciativas articuladas incluso desde ONG´s con la mejor de las voluntades han perjudicado más que beneficiado a la problemática de los barrios.
Nuestras cámaras son sus herramientas para contar lo que pasa, creo más en lo documental. El arte, como lo utilizan los compañeros de Artefacto Social, por ejemplo, sí puede ser un elemento disruptivo que sirva como excusa para comunicarnos con quienes no conocemos, crear vínculos y propiciar que ocurran cosas. Con Cronopias estamos ahora en la búsqueda y análisis de esos lazos para hablar del arte y los barrios desde otra perspectiva.

«Lo interdisciplinar es esencial, hay que contar con antropólogos, sociólogos y geógrafos, con vecinos y habitantes que te den su perspectiva y que no tengan intereses particulares»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

– Ahora tengo un momento de búsqueda de la experimentación plástica, la materia y la calma, en cuando a proyectos artísticos. Y también quisiera dar forma a algunos libros con mis experiencias, ya que mis proyectos fotográficos van más allá de lo visual,-pretenden un todo discursivo, y busco completarlos, a modo de cierre, con las inquietudes, diarios personales y reflexiones que han hecho que existan.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

– Que los proyectos por los que he apostado, en los que he colaborado de manera altruista, con pasión y confianza, en los últimos 4 años, funcionen y fluyan en una fase ya de más descanso y menos esfuerzo. Como Ediciones Fantasma, el proyecto editorial que creamos mi pareja y yo en 2020, el mismo Colectivo Fama y sus proyectos y procesos, así como el Centro de Fotografía en Málaga, cuyo impulso iniciamos la primavera pasada Pablo Ruiz y yo a través de los Encuentros Málaga Fotográfica en el Ateneo y que ha estado organizándose a modo de plataforma para confluir en una interesante red de conexiones entre fotógrafos y gestores que esperemos que den fruto dentro de poco.

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Colectivo Fama

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