«El Romanticismo es, ante todo, una forma de sentir y de relacionarse con el mundo.»

Carolina Miguel Arroyo es directora del Museo Nacional del Romanticismo. Es Licenciada en Historia del Arte y en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Salamanca y Máster en Métodos y técnicas avanzadas de investigación histórica, artística y geográfica por la UNED.

Pertenece al Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos desde 2009. Desde 2010 trabaja en el Museo Nacional del Romanticismo donde fue, hasta su nombramiento como directora en 2021, responsable del Departamento de Colecciones, dirigiendo y coordinando las labores de documentación, así como proyectos de catalogación y digitalización de fondos museográficos, como el catálogo Laurent. Asimismo, fue responsable de las colecciones de pintura, dibujo, miniatura y fotografía. Ha impartido conferencias y cursos dentro del ámbito de su especialidad, y ha dirigido y coordinado congresos y jornadas científicas. Es autora de diversos estudios artísticos, especialmente relacionados con el arte, la sociedad y la moda del Romanticismo. Además ha comisariado exposiciones en el Museo Nacional del Romanticismo, el Museo Cerralbo y la Biblioteca Nacional de España.

Carolina Miguel nos abre las puertas del Museo Nacional del Romanticismo y nos habla de su vínculo personal y profesional con este periodo histórico y cultural que todavía sigue influyendo en el pensamiento y la sociedad de nuestro siglo.

– ¿Cuándo comenzó tu interés por las artes y la música?

Mi interés por el arte viene de muy atrás, de la infancia, aunque nunca pensé que llegaría a dedicarme a algo relacionado con ello. Crecí en un entorno en el que la cultura era algo cotidiano. Recuerdo visitar monumentos, algunos recurrentemente, porque me maravillaban. Así que no era algo extraordinario, y creo que mi gusto por el arte no fue una decisión consciente. Empecé de muy pequeña en el conservatorio y a cantar en un coro. Creo que esa ha sido una de las experiencias que más me ha marcado. Hay emociones que solo la música sabe nombrar. La música siempre ha sido para mí un refugio y una forma de entender el mundo. Con el tiempo descubrí que el arte y la música eran para mí fundamentales, que me transportaban, que me sobrecogían y que siempre me acompañaban en cada una de mis vivencias. Quise estudiar Historia del Arte e Historia y Ciencias de la Música precisamente para tratar de entender el mecanismo de las artes para interpelarnos. Aún sigo intentado descifrar muchas de esas claves.

«Con el tiempo descubrí que el arte y la música eran para mí fundamentales, que me transportaban, que me sobrecogían y que siempre me acompañaban en cada una de mis vivencias.»

«Quise estudiar Historia del Arte e Historia y Ciencias de la Música precisamente para tratar de entender el mecanismo de las artes para interpelarnos. Aún sigo intentado descifrar muchas de esas claves.»

– Dentro de todos los periodos históricos, te especializaste en el siglo XIX. ¿Qué es lo que más te apasiona de esta época y por qué has dedicado todo tu esfuerzo y tu tiempo a investigar sobre ella?

El siglo XIX es un siglo de contradicciones extraordinariamente fértiles. Es el siglo en el que conviven el progreso y la nostalgia, la razón y el sentimiento, la revolución y la reacción. Es un momento en el que todo está en tensión permanente, y esa tensión genera una creatividad desbordante en todos los ámbitos: la literatura, la música, las artes plásticas, la moda, incluso la decoración doméstica. Y para muestra un botón; en las salas del museo están presentes literatos como Mariano José de Larra, Carolina Coronado o Gustavo Adolfo Bécquer, pero también podemos imaginar qué piezas serían interpretadas al arpa o los pianos que se exponen, figurarnos cómo era la sociedad que acudía a estas veladas y de qué modo vestían y se relacionaban a través de los retratos y los ambientes que se recrean, o comprender lo convulsa que llegó a ser aquella centuria en España y fuera de ella.
A mí me atrapó esa complejidad desde el principio. Además, es un siglo que construye muchas de las narrativas identitarias que todavía hoy nos definen como sociedades —los nacionalismos, la idea de patrimonio, la conciencia histórica, la noción de ciudadano—, con lo cual estudiarlo es también estudiar quiénes somos y por qué pensamos como pensamos. Hay algo en el siglo XIX que no se agota: cada vez que vuelves a él encuentras una capa nueva, una pregunta que no te habías hecho. Eso, para alguien que se dedica a la investigación y a la gestión cultural, es un privilegio enorme.

«El siglo XIX es un siglo de contradicciones extraordinariamente fértiles. Es el siglo en el que conviven el progreso y la nostalgia, la razón y el sentimiento, la revolución y la reacción.»

«Es un siglo que construye muchas de las narrativas identitarias que todavía hoy nos definen como sociedades —los nacionalismos, la idea de patrimonio, la conciencia histórica, la noción de ciudadano—, con lo cual estudiarlo es también estudiar quiénes somos y por qué pensamos como pensamos»

– Como dices, el siglo XIX, y en particular el periodo del Romanticismo, ha influenciado mucho el pensamiento, la historia, el folclore y la sociedad durante el siglo XX y todavía también el siglo XXI. ¿Por qué esta influencia es tan poderosa y su filtro abarca tantas áreas? ¿Qué rasgos o características identificas en el momento actual que son un retorno constante al periodo del Romanticismo?

El Romanticismo es, ante todo, una forma de sentir y de relacionarse con el mundo. Y eso no caduca. Su influencia es tan duradera porque tocó algo muy profundo en la experiencia humana: la búsqueda de la identidad, la exaltación de lo individual, la fascinación por lo sublime, la reivindicación de las raíces culturales y del pasado como fuente de sentido. Es también el movimiento que convierte la emoción en argumento, que legitima el sentimiento como forma de conocimiento. Eso ha dejado una huella imborrable en la cultura occidental. Si miramos el presente, lo vemos por todas partes: en el auge de los nacionalismos identitarios, en el revival estético que impregna la moda o la música pop, o incluso en la obsesión por la autenticidad en las redes sociales. La melancolía digital que vivimos, esa nostalgia permanente por un pasado idealizado, tiene algo profundamente romántico. Incluso la figura del artista incomprendido o del individuo que se enfrenta al sistema es una herencia directa del imaginario romántico. El Romanticismo nos enseñó que los sentimientos son conocimiento, y eso sigue siendo radicalmente contemporáneo.

«La melancolía digital que vivimos, esa nostalgia permanente por un pasado idealizado, tiene algo profundamente romántico.»

«El Romanticismo nos enseñó que los sentimientos son conocimiento, y eso sigue siendo radicalmente contemporáneo.»

– Eres directora del Museo del Romanticismo en Madrid. ¿Qué supuso tu llegada a esta institución y qué significa para ti profesional y personalmente?

Recuerdo que cuando llegué, hace ya dieciséis años, me sentí una absoluta privilegiada. Y recuerdo también que pensé que no debía olvidar esa sensación. Profesionalmente, supone un reto, porque el Romanticismo es, como decíamos, una época muy compleja, como también lo son las colecciones del museo. No se trata solo de una recreación de ambientes, de un espacio museográfico, sino que transmite la sensación de una casa que algún día fue habitada, un interior decimonónico que conserva su atmósfera. Cada sala tiene un discurso, una historia que contar más allá de las fichas de catálogo de las muchas piezas expuestas. Por ello es una suerte conservar y difundir un patrimonio que es a la vez artístico, estético, histórico y en ocasiones profundamente emocional, y hacerlo de manera que llegue a públicos muy diversos. Pero también implica una responsabilidad importante: la de mantener vivo un lugar que podría quedarse fácilmente en la contemplación y convertirlo en un espacio de pensamiento y de reflexión. Después de estos años, y aun con el peso del día a día, sigo sintiéndome interpelada por el museo y la época a la que se consagra, y creo que eso es lo más valioso que puede pasarle a alguien en su trabajo, que lo que hace no le resulte nunca del todo familiar.

«Recuerdo que cuando llegué, hace ya dieciséis años, me sentí una absoluta privilegiada. Y recuerdo también que pensé que no debía olvidar esa sensación.»

«Después de estos años, y aun con el peso del día a día, sigo sintiéndome interpelada por el museo y la época a la que se consagra, y creo que eso es lo más valioso que puede pasarle a alguien en su trabajo, que lo que hace no le resulte nunca del todo familiar.»

– Por el 8 de Marzo habéis organizado la actividad Voces de mujeres, una visita guiada a través de los testimonios y voces de mujeres del siglo XIX. ¿A qué dificultades se enfrentaron en su época, cómo lucharon para hacer frente a las desigualdades y qué cosas seguimos teniendo en común con ellas en el siglo XXI?

Las mujeres del siglo XIX vivieron confinadas en un ideal, el “ángel del hogar”, que las reducía al ámbito doméstico y las excluía sistemáticamente de la vida pública, del acceso a la educación superior, de los derechos civiles más básicos. El matrimonio era prácticamente la única vía de subsistencia reconocida socialmente, y dentro de él la mujer perdía su autonomía jurídica casi por completo. Y, sin embargo, en esos márgenes tan estrechos, muchas encontraron formas de resistir, de crear, de hacerse escuchar: a través de la escritura —con frecuencia bajo pseudónimo masculino—, del esquivo para ellas sistema del arte, de los salones literarios que ellas mismas animaban, de la correspondencia privada, incluso de la moda como lenguaje codificado de identidad y posicionamiento. Lo que nos sigue uniendo a ellas es esa negociación constante entre lo que se espera de nosotras y lo que queremos ser, entre la visibilidad y el coste que tiene alcanzarla. En ese sentido, las ausencias y los silencios son tan elocuentes como los testimonios que conservamos y que trabajamos por enriquecer a través de la incorporación de nuevas obras de mujeres artistas o lecturas de género de nuestra colección. La actividad Voces de mujeres, desarrollada por el equipo de Mediación cultural, nació, precisamente, del deseo de devolverles la palabra, de que el museo no fuera solo un espacio de contemplación, sino también de reconocimiento y de memoria. Porque muchas de esas mujeres, como Juana de Vega, Clara Schumann, Gertrudis Gómez de Avellaneda o Emilia Pardo Bazán, algunas de las protagonistas de esta actividad, construyeron cosas extraordinarias en condiciones extraordinariamente difíciles, y merecen ser nombradas. Lo que no se nombra, no existe. Y todas estas cuestiones nos permiten reflexionar sobre nuestras propias realidades.

«Las mujeres del siglo XIX vivieron confinadas en un ideal, el “ángel del hogar”, que las reducía al ámbito doméstico y las excluía sistemáticamente de la vida pública, del acceso a la educación superior, de los derechos civiles más básicos.»

«La actividad Voces de mujeres, desarrollada por el equipo de Mediación cultural, nació, precisamente, del deseo de devolverles la palabra, de que el museo no fuera solo un espacio de contemplación, sino también de reconocimiento y de memoria.»

– La moda del siglo XIX y su influencia en los diseñadores posteriores es uno de los temas a los que más dais difusión dentro del museo. ¿Por qué era un aspecto tan importante en el Romanticismo y tan complejos sus códigos?

En el siglo XIX la moda es un sistema de comunicación sofisticadísimo. No hay nada casual en un traje romántico: el tejido, el color, la silueta, el accesorio, el tipo de encaje, la forma de llevar el cabello… Todo habla y todo tiene un significado preciso para quien sabe leerlo. La identidad social, el estado civil, el luto, el acceso a determinados espacios, incluso las filiaciones políticas podían leerse en la indumentaria con una precisión que hoy nos resulta casi inconcebible. Además, el Romanticismo exacerbó el gusto por lo ornamental, por lo simbólico, por la teatralidad del cuerpo entendido como escenario. Eso explica por qué diseñadores como Galliano, McQueen o Valentino, o en el ámbito español Pedro Rodríguez o Josep Font han vuelto una y otra vez a este periodo como fuente de inspiración: es un pozo inagotable de referencias visuales, narrativas y emocionales. El corsé, las mangas abullonadas, la silueta marcada… todo eso sigue resonando en las pasarelas contemporáneas porque sigue hablando de algo muy humano: el deseo de construir una identidad a través de lo que uno lleva puesto. De reflexiones parecidas surgió la exposición que puede verse hasta el 7 de junio, Ecos de la moda romántica.

«En el siglo XIX la moda es un sistema de comunicación sofisticadísimo. No hay nada casual en un traje romántico: el tejido, el color, la silueta, el accesorio, el tipo de encaje, la forma de llevar el cabello… Todo habla y todo tiene un significado preciso para quien sabe leerlo.»

«Además, el Romanticismo exacerbó el gusto por lo ornamental, por lo simbólico, por la teatralidad del cuerpo entendido como escenario.»

– Has sido comisaria de varias exposiciones, entre ellas Teje el cabello una historia, sobre los peinados y la importancia del cabello en este periodo. ¿Cómo fue la investigación de esta área y qué descubristeis?

Fue una de las investigaciones más sorprendentes que he llevado a cabo, y que me ha aportado muchas alegrías, porque el cabello parecía a primera vista un tema menor, casi frívolo, y resultó ser un territorio enorme, cargado de significado. Descubrimos que el cabello en el siglo XIX tenía una carga simbólica, sentimental y ritual extraordinaria, que atravesaba todas las capas sociales. Se guardaba en medallones como reliquia de los seres queridos vivos y muertos, se tejía con técnicas muy elaboradas en joyas que eran a la vez objetos de arte y de memoria, articulaba el paso de una etapa vital a otra —la niña que se recoge el pelo por primera vez, la mujer que lo corta tras una pérdida—. Los peinados femeninos eran además una muestra pública de habilidad, estatus y cuidado: una mujer bien peinada proyectaba su posición y su mundo. Un caballero podía mostrar sus afinidades políticas. Rastrear todas esas cuestiones, en principio tan ajenas al simple arreglo del cabello, a través de objetos, retratos, manuales de cortesía y elegancia, revistas de moda, etc. (obras de las que conservamos numerosos ejemplos en el museo), fue fascinante. El cabello resultó ser un archivo histórico en sí mismo, un lugar donde se depositan el amor, el duelo, la identidad o el tiempo.

«El cabello parecía a primera vista un tema menor, casi frívolo, y resultó ser un territorio enorme, cargado de significado. Descubrimos que el cabello en el siglo XIX tenía una carga simbólica, sentimental y ritual extraordinaria, que atravesaba todas las capas sociales.»

«El cabello resultó ser un archivo histórico en sí mismo, un lugar donde se depositan el amor, el duelo, la identidad o el tiempo.»

– Realizáis actividades en sintonía con las series sobre el periodo de Regencia como Los Bridgerton. ¿Qué respuesta ha tenido por parte del público y cómo enfocáis la actividad?

La respuesta ha sido fantástica, y eso nos alegra mucho porque demuestra algo en lo que creemos firmemente: que hay un público que llega al museo a través de la cultura popular y audiovisual, y al que nosotros podemos ofrecerle una capa adicional de profundidad y rigor, sin que eso resulte árido ni excluyente. No nos parece contradictorio en absoluto partir de una serie de Netflix para hablar del siglo XIX. Los Bridgerton ha despertado un interés genuino por la estética, las costumbres y las convenciones sociales de la época, y nosotros lo recibimos como una oportunidad magnífica. Lo que hacemos es tender puentes: partir de lo que el público ya conoce y le emociona para llevarle a lo que hay detrás, a la historia real, a los matices que la ficción necesariamente simplifica o transforma. Es una forma de hacer el museo más permeable, más abierto, y creo que también más honesto, en su vocación de ser un espacio para todos.

«Lo que hacemos es tender puentes: partir de lo que el público ya conoce y le emociona para llevarle a lo que hay detrás, a la historia real, a los matices que la ficción necesariamente simplifica o transforma.»

«Es una forma de hacer el museo más permeable, más abierto, y creo que también más honesto, en su vocación de ser un espacio para todos.»

– La música es una de las artes a la que también prestáis mucha atención dentro de las actividades del museo, y habéis dedicado una de ellas a la importancia de la construcción de los instrumentos musicales por parte de los luthiers. ¿Cómo sonaba la música en el siglo XIX y qué transformaciones hubo?

El siglo XIX es uno de los momentos de transformación más radical en la historia de la música occidental, y es difícil entenderlo sin atender al papel de los constructores de instrumentos. Es el siglo en el que el piano se convierte en el instrumento doméstico por excelencia, en el que la burguesía hace suyo el salón musical como espacio de sociabilidad y de representación. Es también el siglo en el que el violín alcanza su forma definitiva, en el que las orquestas crecen hasta dimensiones nunca vistas y en el que los instrumentos de viento se transforman técnicamente para poder seguir ese crecimiento. Los luthiers fueron protagonistas silenciosos de esa revolución: su trabajo artesanal, su conocimiento de los materiales y su diálogo constante con los músicos permitieron que la música romántica sonara con esa capacidad expresiva, esa potencia y ese color que la música anterior no había tenido. Nos interesa mucho poner en valor ese saber técnico y artesanal, que es también patrimonio inmaterial, y que con demasiada frecuencia queda en segundo plano frente a los grandes compositores que acaparan el relato. Y la forma de hacerlo, a través de una visita teatralizada al museo con un luthier del Madrid decimonónico, sirve para acercar mucho mejor al público estas cuestiones.

– ¿Qué descubrirá una persona que nunca haya visitado el museo y por qué recomiendas que venga?

Descubrirá algo que es muy difícil de encontrar en un museo: la sensación genuina de que alguien vivió aquí, de que las cosas tienen memoria y de que el tiempo, en este lugar, funciona de manera diferente. El Museo Nacional del Romanticismo no es una sucesión de cuadros colgados en una larga pared, no es un museo de vitrinas, tiene una dimensión doméstica en la que es fácil sentirse identificado. Los objetos están dispuestos tal y como los habrían encontrado sus propietarios decimonónicos, con una voluntad de reconstrucción ambiental que te traslada a otra época de manera casi física. Hay una intimidad en sus salas que es muy poco frecuente en los museos y que hace que la visita sea una experiencia singular, difícil de comparar. Pero además de esa dimensión sensorial y emocional, el museo ofrece una reflexión muy rica sobre el siglo XIX como momento fundacional de la modernidad. Recomiendo visitarlo porque es un lugar que emociona, que sorprende y que hace pensar. Y porque cuando sales, el siglo XIX ya no parece tan lejano ni tan ajeno, porque en bastantes aspectos nos parecemos mucho más a la sociedad de la época de lo que creíamos.

«Recomiendo visitarlo porque es un lugar que emociona, que sorprende y que hace pensar.»

«Y porque cuando sales, el siglo XIX ya no parece tan lejano ni tan ajeno, porque que en bastantes aspectos nos parecemos mucho más a la sociedad de la época de lo que creíamos.»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

Valoro mucho el tiempo tranquilo, el que no tiene agenda ni objetivo, que creo que es cada vez más escaso y más necesario. Tengo poco tiempo, y reconozco con pesar y cierta culpa que cada vez me resulta más difícil encontrar el momento para sentarme y disfrutar de un buen libro. Sobre todo, porque muchas veces leo por trabajo. En cambio, la música me sigue acompañando a cada momento. Ha sido una constante en mi vida y sigue siendo uno de mis mayores placeres. Y en cuanto encuentro un hueco me escapo de viaje. Creo que es lo que más me gusta, visitar distintos sitios, monumentos, ver exposiciones… Aunque si busco refugio, este siempre lo encuentro en mi ciudad natal o junto al mar.

– Un deseo que te gustaría que se hiciera realidad

Si hablamos del ámbito de los museos, sería sin duda el que todas las personas sin excepción los sientan como suyos. Los servidores públicos tenemos aún mucho trabajo que hacer para que eso sea una realidad. Ese es mi deseo profesional, y de alguna manera también personal, porque creo que el patrimonio cultural no tiene ningún sentido si no llega a todas las personas, con independencia de su origen, su formación o su historia. Los museos custodian la memoria colectiva de una sociedad, y esa memoria pertenece a quienes la conforman. Conseguir que eso no quede solo en una declaración de intenciones y que se convierta en una realidad es, creo, el trabajo más importante que tenemos por delante. Y desde luego, para mí, un firme compromiso.

«Deseo que todas las personas sin excepción sientan como suyos los museos.»

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La entrada Carolina Miguel – Directora del Museo Nacional del Romanticismo se publicó primero en YANMAG.

La edición de 2026 Hybrid Art Fair estuvo llena de propuestas interesantes. Aquí hemos recogido las que más sugerentes nos parecieron: ArtQuake Gallery con las artistas Gabby Grube y María Hernández Belmonte; Galería LaEcléctica con los artistas María JL Hierro, Mario Marín y Elisa Terroba; Casa das Peritas con los artistas Inés Silvalde, Óscar Aldonza Torres, María Magán y Vera Vizzi; Asociación Canaria de Artistas Visuales con los artistas Dani Hache, Aya Mesa, Dani V. Ruiz; RAUM E116 con los artistas Leo Puñal, Sergio Frutos, Paco Vallejo y Alicia Guirao; Canal Gallery con los artistas Selectormarx y Conrado López; Systema Project con los artistas Tsugumi Tanaka, Yuki Harada y Eri Hirachi; Ache Gallería con los artistas Rebecca Uliczka y Miguel Ezquerro; Estudio Vargas 13 con los artistas Luis Sanz y Greta Hammond; Rebel Hadas – La Parida Gallery con las artistas Leila Amat, Helena Maldonado y Charo Guijarro; Shapó Olé Gallery con las artistas Laura Ray, Marta Bernad, Fernanda J. Carregado y María Egea; La Cabina con las artistas Chus Martínez, Izaskun Balmaseda y Parafiliarte; Galería Origen con los artistas Laura Abril, Ricardo Sánchezt y Fortea Gallat y Espacio Punto Nemo con los artistas Natalia Dávila, Raúl Muñoz, Valentina Maio y Miguel de Unamuno y AfterPoema con la artista Flor Dacal.

Hybrid Art Fair 2026 ha sido el triunfo del arte comisariado en las distancias cortas de las habitaciones y espacios de un hotel convertido en espacio artístico y performativo. La feria ha alcanzado los 6.500 visitantes en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara. Las propuestas comisariadas de más de 150 artistas transformaron las 45 habitaciones en espacios de reflexión y disfrute sensorial.

SELECCIÓN YANMAG HYBRID ART FAIR 2026

ARTQUAKE GALLERY

Fundada por Daniel Ortiz, ArtQuake Gallery nació en 2022 como una galería de arte online orientada a la promoción y difusión de artistas emergentes cuyos proyectos gocen de una fuerza conceptual, resuelta con elegancia y honestidad. La galería se vuelca en propuestas pictóricas, fotográficas y digitales, en busca de ofrecer al espectador un espacio de desconexión y reflexión sobre el mundo que le rodea.

ArtQuake Gallery participa en Hybrid Art Fair 2026 con Viaje Iniciático. La propuesta curatorial se inspira en el concepto de rito de iniciación —entendido como un proceso de tránsito y transformación—, tal como lo aborda Mircea Eliade. La galería traslada esta idea a una perspectiva vital y existencial, explorando el viaje como un camino de búsqueda y confrontación.

Dos artistas, Gabby Grube y María Hernández Belmonte, desarrollan su obra a partir de esta premisa. Gabby Grube, presenta una serie de obras centradas en su coche, un Beetle de 1959. La máquina se convierte en el vehículo físico del viaje y en el símbolo de una eterna búsqueda de identidad, vinculando la constante reparación del automóvil con la del ser humano.María Hernández Belmonte, dirige su foco hacia la naturaleza. Utiliza el patrón de migración de la golondrina y sus fases como metáfora de un viaje cíclico y las etapas que lo componen.

Las obras convergen en la reflexión sobre el eterno retorno, evocando la nostalgia, la memoria y la confrontación del destino. Este camino lleva al espectador a una percepción del viaje como un movimiento perpetuo entre lo absurdo y lo trascendente, en resonancia con el mito de Sísifo desde una perspectiva existencialista.

MARÍA HERNÁNDEZ BELMONTE

MARÍA HERNÁNDEZ BELMONTE

Graduada en Bellas Artes y cursando el Máster de Producción e Investigación en Arte por la Universidad de Granada.

Su trabajo explora la relación entre los recuerdos, la memoria, la nostalgia y la identidad a través de la pintura y el arte textil. Es una invitación busca invitar al público a reflexionar sobre sus propios recuerdos e identidades, así como preservar y reivindicar las tradiciones textiles dentro del arte
contemporáneo.

GABBY GRUBE

GABBY GRUBE

Graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y con un Master en Arte, Mercado y Emprendimiento.

Comenzó su obra como un ejercicio de exploración emocional. La tristeza, la soledad y la ansiedad eran motivos recurrentes en sus cuadros.

Tras esta etapa, sin abandonar el trabajo introspectivo, plasma en sus lienzos narrativas vinculadas a su otra gran pasión: el mundo del motor. Su Beetle de 1959 es protagonista recurrente de sus trabajos y a través de él busca trascender más allá de un rol utilitario a un receptáculo que trasciende generacionalmente.

Más información

ArtQuake Gallery

GALERÍA LAECLÉCTICA

LAECLÉCTICA es una galería de arte y de palabra.

palabra

Unidad lingüística, dotada generalmente de significado, que se separa de las demás mediante pausas potenciales en la pronunciación y blancos en la escritura.

P : Proceso. Pensamiento. Proyecto. Percepción. Performance.
A : Acción. Actividad. Avatar.
L : Laboratorio. Labor. Lector.
A : Agitación. Alteración.
B : Belleza. Bar. Bandazo.
R : Relación. Reflexión. Reinterpretación. Rebelión. Refrán.
A : Amistad.

LaEcléctica presenta en Hybrid Art Fair 2026 la exposición Lo que se desplaza, una muestra que reúne el trabajo de tres artistas en torno a los movimientos —visibles e invisibles— que definen la vida contemporánea, tales como los desplazamientos territoriales, objetuales y conceptuales.

MARÍA JL HIERRO

MARÍA JL HIERRO

María JL Hierro, artista española multidisciplinar que dirige desde 2017 en su ciudad natal, Huelva, el espacio LAECLÉCTICA y que trabaja con las palabras y los errores, con tinta y papel: ha creado una denominación específica para buena parte de su producción, la de tipoesía, a medio camino entre poesía concreta y retruécanos. La crea jugando con las letras, con sus colores, disposiciones y tamaños, y sin temer a posibles errores, que ella en todo caso considera casualidades y en los que también encuentra una forma de belleza.

Para Hybrid 2026, María JL Hierro dirige la mirada hacia un cielo donde la verdad parece ausente. Mediante lienzos que funcionan como espejismos, la artista sugiere que la certeza no reside en las alturas, sino en lo íntimo y en los movimientos cotidianos que tienen lugar a ras de suelo.

MARIO MARÍN

MARIO MARÍN

Mario Marín aborda el desplazamiento de objetos y valores. Su pintura se inspira en el comercio digital de segunda mano, creando un país paralelo donde lo inútil adquiere un valor inesperado. Su obra cuestiona el deseo y la migración doméstica de mercancías que circulan sin cesar.

ELISA TERROBA

ELISA TERROBA

Elisa Terroba contribuye con obras que transforman viejos atlas en vehículos que transitan entre lo lúdico y lo crítico. Sus libros modificados, que incorporan ruedas de skate, recuerdan que los mapas representan tanto fronteras como territorios de tránsito.

Más información

Galería LaEcléctica

CASA DAS PERITAS

Es un espacio de creación y mediación cultural ubicado en la aldea de Mallas, Fisterra, impulsado por Natasha Lelenco y Tomás Lijó desde el año 2017. Con base en una antigua casa de labranza de la que toma el nombre, combina estudio artístico, exposiciones y encuentros públicos articulando un diálogo entre arte contemporáneo y comunidad local bajo la autodenominada fórmula de Galería ocasional. Su actividad se extiende también como galería online en plataformas internacionales, conectando prácticas desde el rural de la Costa da Morte con audiencias globales y apostando por la idea de que el centro y la periferia son conceptos que dependen del lugar desde el que se mire.

La propuesta de Casa das peritas para Hybrid 2026 comisariada por Natasha Lelenco se centra en el juego. El juego no es solo una distracción ni un paréntesis de la vida social: es una de sus estructuras fundamentales. Antes incluso de la ley, la ciudad o la cultura, el juego es un espacio de ensayo donde se ponen en práctica reglas, roles, jerarquías, premios y exclusiones.

Las obras reunidas en esta exposición parten de esta premisa para pensar el presente. No abordan el juego como algo exclusivamente infantil ni ligado al entretenimiento, sino como un principio organizador del mundo. Conviven en esta habitación muñecos humanos, mundos maleables, arquitecturas de juego, escenas de feria y escaparates de juguetes; en todos ellos late una intuición común: la de que algo está agotado, como si este juego hubiera perdido su sentido por desgaste, por la distorsión o el sabotaje de sus reglas, o por un cansancio que ya no encuentra placer en repetirlas.

INÉS SILVALDE

INÉS SILVALDE

Inés Silvalde trabaja en esta serie la idea de una tensión silenciosa: cómo el deseo y la ambición se aprenden muy pronto y se asumen como normales.

Dentro de Juego, sus piezas conectan con esa dimensión menos visible del sistema: No solo competimos, también aprendemos a desear de determinada manera, y el desgaste no solo viene de la experiencia de las rupturas, sino también de la adaptación.

ÓSCAR ALDONZA TORRES

ÓSCAR ALDONZA TORRES

Las criaturas que Óscar Aldonza presenta en su serie Bichos, incorporan al juego la dimensión biológica e instintiva, una monstruosidad experiencial que recuerda que antes de las reglas hay cuerpo, hay órganos.

MARÍA MAGÁN

MARÍA MAGÁN

María Magán presenta Procesos, serie creada específicamente para este proyecto, una serie de pinturas sobre lienzo que nacen de un gesto sencillo y cotidiano: apilar bloques de madera en un juego compartido entre madre e hijo. A partir de ahí, una reflexión sobre la ciudad como construcción provisional, el bloque como unidad mínima de pensamiento urbano y la composición como ensayo del mundo.
Entre la proeza y azar, las estructuras se sostienen en equilibrio frágil, siempre al borde del desplome. Porque todo juego termina desmontado y toda arquitectura, antes o después, se convierte en ruina. Bajo su cromatismo intenso y apariencia lúdica, las obras revelan la lógica modular de un sistema que se recompone según dinámicas de poder cambiantes.

VERA VIZZI

VERA VIZZI

En la serie Dominó, Vera Vizzi introduce la dimensión reglada de Juego: la estructura binaria que organiza el sentido. Blanco y negro. Par e impar. Oposición y combinación. El dominó, como juego estratégico funciona aquí como metáfora de un sistema global basado en reglas finitas que producen la ilusión de infinitas posibilidades.
Sin embargo, la artista altera esa rigidez mediante intervenciones blandas y orgánicas: huevos fritos, ensamblajes inesperados, superficies que contaminan la geometría exacta de las piezas. La norma no desaparece pero pierde estabilidad y credibilidad. Como en el propio dominó, toda cadena puede activarse… y colapsar.

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Casa das peritas

ASOCIACIÓN CANARIA DE ARTISTAS VISUALES

AICAV es la Asociación de lxs Artistas Visuales de la Comunidad Autónoma de Canarias. Sin ánimo de lucro y fundada en 1999, actúa como un espacio dedicado a la defensa de los derechos de lxs artistas y a la mejora de todos los ámbitos que afectan a la profesión.

Entre sus objetivos se encuentran promover y fomentar el arte contemporáneo de las islas y apoyar a sus creadorxs. Ante la realidad geográfica de ultraperiferia, trabaja para facilitar la promoción y la movilidad del arte canario.

Panorama Canario: Memoria y Paisaje es la propuesta presentada para Hybrid Art Fair 2026. Este montaje es el resultado de una convocatoria abierta que culminó en la selección de cinco creadores clave del panorama artístico canario actual. A través del criterio de un jurado experto, la muestra logra armonizar trayectorias consolidadas con perfiles emergentes, garantizando una visión rica, diversa y representativa de la escena insular.

Las piezas seleccionadas profundizan en conceptos fundamentales como la memoria, la interpretación del paisaje y el análisis crítico de una realidad contemporánea en constante fragmentación. Mediante el uso de disciplinas como la pintura, el dibujo, la escultura y la fotografía, la exposición pone de manifiesto la vitalidad y la heterogeneidad del contexto creativo de las Islas Canarias.

La curaduría del proyecto corre a cargo de Elena Marrero, Alba Rosso y Marta Torrecilla, quienes articulan este diálogo entre la identidad territorial y la experimentación formal.

DANI HACHE

DANI HACHE

Dani Hache es un artista multidisciplinar que explora diferentes lenguajes visuales, desde la ilustración a la animación, hasta el muralismo y la pintura de estudio.
Su obra se distingue por un lenguaje propio donde la anatomía, el color y la composición son protagonistas articulando una mirada profundamente humana. A través de formas organizas y dinámicas, indaga en la relación entre cuerpo, emoción y entorno, creando imágenes que transmiten movimiento, ritmo y energía.

AYA MESA

AYA MESA

Nacida en Santa Cruz de Tenerife (2001) y licenciada en Bellas Artes por la Universidad de
La Laguna, su trabajo pictórico y gráfico habita el cruce entre la estética de lo ingenuo, lo
hiperfemenino y lo afectivamente colapsado. A través del collage, la instalación y la escultura, desarrolla una práctica crítica sobre la identidad femenina contemporánea, el imaginario infantil y las estrategias de supervivencia emocional en contextos hostiles.
La infancia, lejos de ser un refugio, aparece como un territorio fracturado por la violencia simbólica del capitalismo y las jerarquías de género que definen el espacio doméstico.

DANI V. RUIZ

DANI V. RUIZ

Daniel V. Ruiz Rivas es un canario nacido en Barcelona en 1980. Hijo de padres canarios, llega a las islas cuando cuenta con un año de edad. Arquitecto de formación, trabaja con la imagen en su práctica artística, donde compagina fotografía y video.
Le interesa la experimentación espacial desde la escenografía, participando habitualmente en procesos de creación escénica con Laura Mihon, dramaturga y directora de teatro.

Acude a Hybrid X con Materiales para una historia familiar. Un proyecto que surge al tratar de generar conversaciones con su padre, ya hospitalizado, durante los que serían sus dos últimos meses de vida.

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AICAV

RAUM E116

Raum E116 es un proyecto abierto articulado alrededor de la casa-estudio situada en Neukölln, uno de los barrios más activos de Berlín. Desde esta plataforma los artistas integrantes llevan a cabo diversos proyectos tanto individuales como colectivos, desde pintura, collage y libros de artista a performance, instalaciones y video arte.

Tiene como objetivo fomentar el desarrollo artístico de sus miembros, la conexión con la escena artística de Berlín y facilitar el intercambio entre disciplinas y culturas. Raum E116 organiza y participa regularmente en diversas exposiciones, festivales y ferias en Berlin, Madrid, Viena o Bilbao.

Fundado por los artistas españoles Paco Vallejo y Sergio Frutos, Raum E116 ha sido desde 2009 un punto de encuentro y producción para artistas de diversos lugares del mundo.

Raum E116 presenta para Hybrid Art Fair 2026 un proyecto expositivo dinámico y heterogéneo, pero que aúna las diferentes propuestas en cuanto a temática y técnica, reflejando su diversidad al tiempo que mantiene una narrativa coherente.

La propuesta juega no solo en torno con las relaciones entre las obras presentadas, sino que se articula con el inusual espacio expositivo que constituye la habitación de un hotel, escapando del clásico ‘cubo blanco’ y más próxima la experiencia que puede darse en una vivienda o en los espacios que regularmente usamos y habitamos.

LEO PUÑAL

LEO PUÑAL

Leo Puñal es el nombre artístico de Sergio de la Casa. Nacido en Madrid en 1997, es un artista cuya obra late al ritmo de la ciudad. A través de collages audaces y viscerales, transforma la energía cruda de la cultura urbana —sus carteles, grafitis y fragmentos olvidados— en poemas visuales que exploran la tensión entre el caos y el orden, la destrucción y la reconstrucción.

Su trayectoria se ha articulado entre Berlín y Madrid, en contacto con escenas independientes y contextos experimentales.
De manera paralela, ha ejercido como comisario y periodista cultural, ampliando su práctica desde una
mirada crítica y transversal dentro del arte contemporáneo.

ALICIA GUIRAO

ALICIA GUIRAO

Nacida en Oviedo en 1981 creció en Madrid donde completó sus estudios de Bellas Artes y escenografía en la UCM así como estudios de fotografía y vídeo en Atenas.

La obra de Alicia destaca por su espíritu lúdico que se expresa a través de diversos formatos con un carácter desenfadado y un uso deliberado del color. Las temáticas, escenas de lo cotidiano, paisajes, personajes y criaturas subyacen de la intención de plasmar imágenes asociadas a sensaciones casi
inconscientes afinando la sensibilidad hacia una síntesis de la emoción. Cada obra es el resultado de una conversación entre lo inmediato y lo premeditado, entre la percepción y la interpretación.

PACO VALLEJO

PACO VALLEJO

Paco Vallejo es un artista multidisciplinar cuya práctica se sitúa en la intersección entre la
plástica pura y la intervención conceptual. Residente en Berlín, Vallejo ha depurado un lenguaje visual que trasciende los límites del soporte tradicional. Si bien la pintura es su eje gravitacional, su obra se expande hacia otros medios, construyendo un corpus de trabajo que cuestiona los mecanismos de percepción y las convenciones del objeto artístico.

Su trayectoria es un mapa de hibridación cultural y académica. Formado en la Universidad Complutense y la Aristóteles de Tesalónica, su estancia en Alemania como director de arte y pedagogo ha dotado a su obra de una dimensión sociopolítica y pedagógica inusual.
La figura de Vallejo representa la solidez del artista-gestor. Su papel fundador en colectivos como LW Museum o Invalid Address y su presencia en citas clave como la Berlin Art Week avalan una carrera marcada por la independencia creativa y el rigor institucional. Su trabajo es una invitación a
explorar la pintura como un campo de fuerzas donde el gesto, la materia y el espacio convergen
en un diálogo constante y radicalmente contemporáneo.

SERGIO FRUTOS

SERGIO FRUTOS

Nacido en Zaragoza, España, estudió pintura y fotografía en la UCM Madrid, luego se trasladó a Berlín, para trabajar como artista y dirigir la residencia de artistas GlogauAIR. En 2009 cofundó el colectivo artístico Raum E116, que se convirtió en referente español en la escena artística berlinesa, con proyectos colectivos como libros de artista, collage, video arte, performance e instalaciones, así como exposiciones anuales de artistas españoles e internacionales.

En su propio trabajo artístico, utiliza su particular estrategia de archivista, documentando los momentos ordinarios y pasajeros. En lugar de pretender cambiar el mundo de un plumazo, socava la lógica espectacular de la mercantilización cotidiana.
En Hybrid 2026 presenta las series Atom – Silly Asses (Asnos Estúpidos) y Stranger Times (Tiempos Extraños)

Stranger Times se basa en una investigación sobre fotografías de archivo, principalmente de la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría, sobre extraños avances en la guerra química y biológica, y examina la enorme capacidad humana para normalizar y banalizar la barbarie. ¿Hasta qué punto podemos fingir que todo va bien cuando el mundo se desmorona a nuestro alrededor? ¿En qué medida estamos exentos de responsabilidad?

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RAUM E116

CANAL GALLERY

Canal Gallery ha consolidado su presencia en el vibrante corazón del barrio gótico de Barcelona durante los últimos años, marcando un nuevo capítulo en la escena artística de la ciudad. Desde su apertura, la galería ha acumulado un valioso bagaje de aprendizaje y crecimiento, lo que le ha permitido ofrecer una plataforma robusta y en constante evolución para artistas con proyección nacional e internacional.

En septiembre de 2025, Canal Gallery amplía su actividad con la apertura de una nueva sede en Madrid (Espacio Rastro), reforzando su compromiso con la creación de espacios de diálogo entre arte y comunidad, consolidando su presencia dentro del circuito artístico nacional. En su programación pueden encontrarse artistas cuyas obras abarcan disciplinas tan diversas como el nuevo arte contemporáneo, la ilustración, la fotografía, el graffiti de los años 60 y 70, el arte contemporáneo y el arte urbano.

Pasado continuo, presentado por Canal Gallery, propone una reflexión sobre la cultura hip-hop en Madrid como un flujo activo que define el presente. La muestra huye de la nostalgia para entender la memoria no como un archivo cerrado, sino como una herramienta viva de construcción identitaria.

SELECTORMARX

SELECTORMARX

El trabajo de Selectormarx, titulado Pronto llegará el día de mi suerte, se articula como un archivo documental gestado desde el interior del movimiento. Durante dos décadas, su cámara ha registrado la evolución de la escena madrileña, desde los códigos de barrio hasta su consolidación en la industria global. Lejos de la idealización, su mirada plantea una lectura crítica sobre el cambio de lenguajes y estéticas, reivindicando la fotografía como una posición política y un testimonio directo de quienes sostuvieron el movimiento desde sus cimientos.

CONRADO LÓPEZ

CONRADO LÓPEZ

Artista español nacido en Málaga en 1992, Conrado López vive y trabaja en Sevilla. Su universo es una mezcla de graffiti y pintura al óleo, creando una fusión única de dos mundos artísticos. El artista utiliza esta unión de estilos para reflejar su propia realidad y compartir su visión del mundo. Recientemente, se ha volcado a la estética y al estudio del cuerpo humano, las plantas y otros temas que le fascinan. A través de elegantes puestas en escena, composiciones con refinados contrastes cromáticos, el artista desarrolla su técnica.

La obra de Conrado López introduce una dimensión subjetiva y emocional. Partiendo de la base fotográfica, su pintura transforma el documento; allí donde la cámara fija un instante, el pincel lo ralentiza y lo atraviesa desde la experiencia personal. López trabaja el tiempo interior de la imagen —la luz, el gesto y la pausa—, convirtiendo el registro histórico en una experiencia sensible.

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Canal Gallery

SYSTEMA PROJECT

Systema Project se creó con el objetivo de dar a conocer al mundo jóvenes talentos únicos. Derivado de Systema Gallery, que comenzó a dedicarse al arte en 1982, pretende ser un puente entre los artistas japoneses con talento y el mercado artístico mundial. La galería principal se encuentra en Osaka, con sedes adicionales en Katmandú y Milán. Mientras desarrollaban su negocio como marca de moda SYSTEMA, comenzó a exhibir artesanía en Tokio y Kioto. En 2011, la galería se trasladó a Osaka y también abrió un espacio expositivo en Katmandú, Nepal. Systema, ha expuesto en museos, galerías y ferias de arte de todo el mundo, y ya ha realizado más de 100 exposiciones.

Systema Project, sostiene que, si bien se ha dedicado suficiente tiempo al aprendizaje de la pintura de estilo occidental desde su llegada en el periodo Meiji, es momento de crear un arte contemporáneo propio y arraigado en la cultura japonesa.

La galería presenta a artistas que transmiten el espíritu y la cultura de Japón, utilizando técnicas heredadas para expresar el arte con una sensibilidad única y contemporánea. De esta manera, Galería Systema muestra el arte neojaponés, al que denomina «NEJA-ism».

TSUGUMI TANAKA

TSUGUMI TANAKA

Es una fotógrafa freelance japonesa enfocada en capturar momentos cotidianos, especialmente la evolución de sus hijos, buscando eternizar instantes en la vida diaria con una mirada tierna. Su obra se centra en la fotografía de la vida cotidiana y la documentación del crecimiento personal.

YUKI HARADA

YUKI HARADA

Las pinturas de Yuki Harada muestran detalles que solo la mirada de una madre puede captar, y la sinceridad con la que retrata a los niños cautiva al público. Las emociones ambiguas y temperamentales, notablemente evidentes en las expresiones faciales y los gestos de los bebés, son asombrosamente realistas. Los niños pueden ser egoístas, mandones e irracionales. Llorarán, reirán a carcajadas o jugarán a su antojo, y a veces, la crianza puede parecer una batalla perdida. Harada no se limita a capturar la pura inocencia de sus hijos, sino que incorpora la perspectiva de la madre —la plegaria de una madre— a su arte, otorgándole textura y profundidad.

La pintura japonesa requiere un proceso complejo y laborioso, así como materiales artísticos costosos, como sumi (tinta negra), gofun (pintura blanca de conchas), pigmentos minerales (piedras naturales trituradas) y pan de oro. Estos materiales se fijan sobre papel japonés con nikawa (cola animal). Su atractivo reside en su imagen bidimensional, sus bellos contornos y la apariencia del color del pigmento en sí. Esta complejidad crea una textura única. Existen pinturas tradicionales como el kachōfūgetsu (temas de la naturaleza) y el bijinga (retratos de mujeres), y ahora Yuki Harada continúa dibujando el crecimiento de su hija como “Itohoshi-ga” (capturando su adorable existencia).

ERI HIRACHI

ERI HIRACHI

Nació y creció en 1983 en Kawachinagano, Osaka.

Tras graduarse de la escuela secundaria, se matriculó en una escuela vocacional de moda, pero la abandonó por diversas circunstancias. Después de dejar la escuela, trabajó en varios sectores, incluyendo reparación de carrocerías de automóviles, panadería y fabricación de componentes electrónicos. En 2016, conoció a Katsu Ishida en la galería SYSTEMA, lo que le impulsó a comenzar a trabajar como fotógrafa de esferas y escultora electrónica, creando activamente tanto a nivel nacional como internacional.

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Systema Project

ACHE GALERÍA

Dirigido por Mariana Haro, Galería ACHE es un espacio de análisis, desarrollo, difusión y salida para artistas emergentes y profesionales, talleres y conversatorios orientados al mejoramiento del entorno artístico y cultural de la ciudad de San Luis Potosí, México.
El trabajo de la galería se basa en la interacción, la investigación y la observación concentrada en el arte contemporáneo sincrónico, soportados y fusionados por diversas áreas del conocimiento. Se ofrece una invitación colectiva para la producción, desarrollo y salida de proyectos de arte, multimedia y experimentación con enfoque local, nacional e internacional. El espacio genera programas para el fortalecimiento de la cultura y la reformulación de conceptos sobre arte.

Cuatro artistas conectados con la región del Bajío Mexicano, presentan obras que parten de una misma pregunta: ¿cómo se transforma nuestra manera de mirar cuando habitamos un territorio que también nos transforma? Aunque sus prácticas y recorridos son distintos, comparten una relación intuitiva con el paisaje, entendido no sólo como entorno sino como experiencia que se respira, se observa y se recuerda.

Sus piezas dialogan con la luz cambiante del altiplano, con los gestos cotidianos que dejan huella y con la sensación de estar en movimiento, incluso cuando todo parece quieto. Desde lenguajes que van de lo matérico a lo contemplativo, sus trabajos revelan formas personales de construir sentido: imágenes que surgen de desplazamientos, trazos que capturan lo esencial, tejidos que guardan historias.

Juntas, estas propuestas trazan un territorio común donde lo íntimo, lo natural y lo simbólico se encuentran para abrir nuevas maneras de percibir el mundo contemporáneo.

REBECCA ULICZKA

REBECCA ULICZKA

Nace en Berlín en 1985 y emigra a San Luis Potosí en 1994 tras la caída del muro. Regresa a su ciudad natal para estudiar economía y continúa su carrera en Barcelona y Madrid, donde descubre su vocación por la fotografía de autor. Su trabajo parte de las vivencias de su infancia y adolescencia, marcadas por el cambio de culturas y entornos. Estas experiencias la llevan a crear series fotográficas que narran historias mediante puestas en escena performativas. En 2017 publica su primer libro de artista. Ha sido seleccionada en diferentes certámenes entre el cual destaca como finalista de ENAIRE 2024. Ha participado en festivales y ferias de arte contemporáneo y fotografía, y ha expuesto en más de diez
países en exposiciones individuales y colectivas, en instituciones públicas y privadas. Actualmente reside en México, donde desarrolla su trabajo fotográfico.

MIGUEL EZQUERRO

MIGUEL EZQUERRO

Su obra nace del interés por representar elementos de la naturaleza y fenómenos físicos tales como la luz, el espacio y el tiempo detenido. Mediante un proceso de trabajo que se centra en la exploración y
convivencia de los distintos lenguajes que utiliza (pintura, dibujo, obra gráfica y fotografía).
El paisaje y la naturaleza muerta son temas centrales de su obra. Ezquerro dirige su atención a las relaciones entre lo micro y lo macro del planeta que habitamos. Busca conectar lo visible con ese sentimiento ancestral de formar parte de algo superior que nos alumbra y que TODO contiene.

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Ache Galería

ESTUDIO VARGAS 13

Estudio Vargas 13 se describe como un refugio creativo en medio de la ciudad. Es un lugar donde artistas de distintas generaciones comparten procesos, ideas, materiales y el deseo de elaborar proyectos que los expandan y que lleguen a otros. Les gusta concebirse como un laboratorio dinámico donde la creación va mutando y conversa con quienes habitan este espacio y los visitantes que llegan hasta el taller con ganas de aprender. Entre ellos se encuentran colecciones de objetos, rarezas, pinceles, plantas, archivos, papeles, libros, cables, lámparas, y muchas ganas de seguir compartiendo su trabajo.

Estudio Vargas 13, transforma su habitación en un espacio de reflexión y desaceleración, proponiendo un entorno slow-tech dentro de la feria. Este lugar invita al visitante a interactuar con los creadores y conocer las obras gestadas a partir de una tecnología primordial: la fusión de la mano y el pensamiento, que da forma a la materia.

La naturaleza es el campo de inspiración para la serie de obras presentadas, abordando al mismo tiempo la noción del ser humano como animal sintiente. De esta manera, lo salvaje y lo sereno conviven en un mismo espacio expositivo.

El montaje museográfico transforma el espacio en una especie de laboratorio o bosque, donde los objetos generan una red de relaciones que privilegia los procesos lentos y la presencia física. El proyecto ofrece un lugar de encuentro que busca trascender la inmediatez de las pantallas, invitando a valorar la conexión directa con las obras y los cuerpos.

LUIS SANZ

LUIS SANZ

Es artista visual, pintor y grabador. Técnico superior de Artes Plásticas, especialista en
Grabado y estampación. Su obra fusiona gráfica, arte urbano y pintura. En 1996 expone por primera
vez en la Galería Brita Prinz de Madrid. Desde esos inicios, su obra se ha expuesto en múltiples
galerías y espacios expositivos de España y en ferias como JustMad, Art Madrid y Art Room Fair. Su
obra forma parte de colecciones de arte como la Fundación CIEC, la Fundación Juan March, el
Museo Antonio López Torres de Ciudad Real o el Museo Nacional de Teipei (Taiwán). Ha
desarrollado su carrera artística en paralelo como asistente en el taller de Joaquín Capa y María
Luisa Sanz. Desde el 2018 dirige el Taller “ink DELICIUS”, espacio con el que participó dentro del
proyecto de residencias artísticas internacionales R.A.R.O.

GRETA HAMMOND

GRETA HAMMOND

Es artista visual y Doctora en Artes, Humanidades y Educación (UCLM-España-2023), Licenciada y profesora en Bellas Artes (UNLP-Argentina, 2007- 2012), realizó el Máster en Retos de la filosofía contemporánea (UAB, España – 2012-2013), Máster en investigación en prácticas artísticas y visuales (UCLM, España – 2015-2016), Posgrado Internacional: Escrituras: creatividad humana y comunicación (FLACSO, Argentina, 2021). Ha participado en distintos talleres e impartido clases en distintas instituciones educativas. También obtuvo varios premios y becas, como una estancia de investigación artística en la Universidad de Arte y Diseño de Laponia, Finlandia; Inició a la investigación doctoral en Cuenca, España -2019-; Beca Fundación Carolina para estudios de Master-2015-, Premio reconocimiento al artista local: pintura, Salón binacional de Artes Plásticas, Esquel, Argentina, 2019; 1o premio VIII Certamen Nacional de Grabado ex-libris -Xylon Argentina -2018-, entre otros.

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Estudio Vargas 13

REBEL HADAS

La parida Gallery tiene como objetivo principal visibilizar y promover el trabajo artístico de personas que han pasado por el proceso de gestar, parir y/o criar. Su registro de artistas es amplio e inclusivo, abarcando: madres biológicas y adoptivas, incluyendo a familiares que asumen el rol principal de crianza, como las abuelas, hombres trans y personas intergénero que han parido, mujeres que han canalizado la experiencia del aborto a través de su práctica artística. El único requisito indispensable para formar parte de la galería es haber sacado adelante la creación artística durante el proceso de crianza o posteriormente.

La galería busca ofrecer al público un amplio abanico de creadores y creadoras unidas por la experiencia de la gestación, el parto y la crianza. Visibilizar estas narrativas es un acto de activismo, justicia social y feminismo, reivindicando la labor de estos artistas en el panorama contemporáneo.

Materia Viva es un proyecto expositivo que reúne las miradas de cuatro mujeres artistas —Charo Guijarro, Leila Amat, Helena Maldonado y Crissial— unidas por la exploración del cuerpo, la emoción y la memoria a través de la fotografía y sus múltiples posibilidades expresivas.

Desde la autorrepresentación y lo íntimo, las artistas construyen un diálogo visual que cruza lo personal y lo colectivo. Las obras se despliegan como materia viva: algunas intervenidas con pintura, bordado, tintas, elementos naturales, técnicas alternativas y gestos manuales que devuelven a la imagen su dimensión táctil y orgánica; otras, desde la fotografía directa, sin manipulación, pero cargadas de una fuerza simbólica que revela lo auténtico del ser, el poder del cuerpo, la vulnerabilidad asumida como potencia.

LEILA AMAT

LEILA AMAT

Nació en Madrid en 1987, pero a los pocos años sus padres se trasladaron a Sevilla, donde se crio hasta los 18 años, edad en la que volvió a su ciudad natal para estudiar su carrera y un Máster.
Filóloga de hispánicas y profesora de lengua y literatura, a día de hoy se dedica de lleno al esoterismo y a la fotografía construida, canal que utiliza para expresar y reflejar los problemas derivados por la falta de salud mental, dando visibilidad a todo este enorme campo, con el fin de que esto no sea tabú. Pero no toda su obra se centra en eso, también habla de amor, de brujería, de familia, infancia, maternidad, de resiliencia, del cuerpo, de activismo o memoria.

HELENA MALDONADO

HELENA MALDONADO

Nació en Sevilla en 1981. Se licenció en Biología, pero es a través de la pluralidad y la libertad de la fotografía como mejor se expresa. Para ella es una búsqueda expresiva del yo interior y la necesidad de volcarlo hacia el exterior.

Con su obra, investiga y apuesta por una transformación, un desplazamiento mental, un cambio vital y trascendental con el que lograr nuevos significados y sustituir la insatisfacción vital por una nueva vida regenerada.

CHARO GUIJARRO

CHARO GUIJARRO

Charo Guijarro ve la fotografía como un acto de humildad. A través de su cámara, busca
capturar no solo lo visible, sino también lo invisible: las emociones, los silencios y las historias
ocultas.

Su trabajo utiliza principalmente el blanco y negro para intensificar la carga emocional de sus imágenes, mientras que el color es utilizado como una herramienta narrativa cuando se busca transmitir una sensación distinta o un contraste específico.

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Rebel Hadas

SHAPÓ OLÉ GALLERY

En Gaucín, Shapó Olé ha consolidado un espacio para el arte contemporáneo, dedicado a la pintura, escultura, fotografía y grabado. Más que una galería tradicional, es una plataforma de exploración artística, que promueve un vínculo auténtico entre el artista, la obra y el espectador.

Los artistas que integran la galería han sido seleccionados con el objetivo de realizar un trabajo de campo conjunto, en estrecha colaboración. Esta relación continua y cercana permite presentar proyectos sólidos y coherentes, que reflejan tanto una identidad compartida como un compromiso con la curaduría consciente.

Habitando el viaje es la propuesta de Shapó Olé Gallery para Hybrid Art Fair 2026. Inspiradas por la luz y la calma de Gaucín, enclave artístico del sur de España, las artistas trasladan su mirada femenina a Madrid para transformar una habitación de hotel en un hogar efímero, íntimo y acogedor. Habitando el viaje es una propuesta colectiva en la que cuatro artistas mujeres dialogan desde lenguajes diversos —pintura, escultura y grabado— en una muestra que nace de la libertad, el juego y el arraigo a un territorio compartido. La exposición se plantea como un ejercicio de creación espontánea: una conversación entre formas, colores y gestos que construyen una escena orgánica, cálida y profundamente humana. Cada artista presenta obras inéditas en pequeño y mediano formato, concebidas especialmente para Hybrid 2026 y fieles a su lenguaje personal. El proyecto invita al visitante no solo a contemplar, sino también a habitar el arte: a detenerse, mirar, sentir y, por qué no, llevar consigo una pieza única. En este viaje, el arte no se impone: acompaña..

LAURA RAY

LAURA RAY

Laura Ray es una artista española cuya práctica se desarrolla en la pintura, el dibujo y la escritura. Su trayectoria integra arte, moda e identidad visual.
Formada en Diseño de Moda y Estilismo en el IED y posteriormente en Bellas Artes, su obra explora la identidad contemporánea y la tensión entre lo íntimo y lo social. Ha expuesto en España y Marruecos.

En su proyecto para Hybrid 2026 propone volver al ahora como espacio de identidad. Cuestiona la idea de que lo valioso está siempre en otro momento y reivindica lo cotidiano como el verdadero territorio donde la vida ocurre.

FERNANDA J. CARREGADO

FERNANDA J. CARREGADO

Fernanda J. Carregado es una artista multidisciplinar cuya práctica se centra en la cerámica contemporánea, el textil y la escultura expandida. Investiga la relación entre naturaleza, emoción y experiencia humana mediante técnicas mixtas donde barro, bordado e intervención matérico-textil dialogan con lo simbólico. Formada en diseño en Argentina, su trayectoria se nutre de la arquitectura, el interiorismo y la moda, influencias que marcan su concepción espacial y volumétrica. Desde 2000 reside en Málaga, donde desarrolla su práctica de forma continuada.
Su obra se caracteriza por una honestidad material y emocional. Cada pieza funciona como exploración interior, entre lo cotidiano y lo poético, la memoria personal y la experiencia colectiva. La sombrerería, entendida como escultura portátil, amplía su investigación sobre volumen, identidad y cuerpo.

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Shapó Olé Gallery

LA CABINA

Es un espacio independiente de creación y exposición artística que, además de establecer y generar sinergias entre artistas de diversos bagajes y disciplinas, se cohesiona con una agenda cultural viva que va más allá de la pared.
El espacio busca la visibilidad del talento emergente dándoles cobertura y apoyo. Aquí, el arte deja de ser un privilegio: el coleccionista habitual y el novel se sientan en la misma mesa. La Cabina apuesta y reivindica el coleccionismo de arte emergente, la accesibilidad y la cercanía del arte contemporáneo.

Esta exposición invita a observar la histórica construcción de la imagen de la juventud femenina, no desde la superficie, sino desde el reverso del espejo. La propuesta se centra en el espacio íntimo donde la mujer se afirma como sujeto y no como objeto de deseo ajeno.

La muestra critica la noción de «eterna juventud» como un artefacto cultural vinculado a estructuras de poder, explorando la tensión constante entre la identidad y la apariencia. Las obras, ya sea a través de la imagen, la materia o el cuerpo, exploran lo que significa habitar el tiempo. Este enfoque se presenta como una forma de resistencia íntima y lúcida, buscando desarmar la contradicción entre belleza y edad.

El arte se convierte aquí en un territorio de reapropiación, donde el espejo deja de ser un juez para reflejar una presencia auténtica y no un ideal.

Para esta edición de Hybrid 2026 presentan el trabajo de las artistas Chus Martínez, Dafne Artigot,
Gema Álvaro, Izaskun Valmaseda y Parafiliarte

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La Cabina

GALERÍA ORIGEN

Es una galería de arte ecléctica situada en el barrio de Chamberí de Madrid. Su programación cuenta con exposiciones mensuales, workshops, eventos culturales y una innovadora estrategia de comunicación en redes, ofrece visibilidad y ventas para artistas nacionales e internacionales y un amplio catálogo de obras de diversos estilos, formatos, técnicas y precios para una ingente cartera de coleccionistas.

El proyecto expositivo que presenta Galería Origen para Hybrid Art Fair 2026 busca mostrar la estructura y desestructura de la realidad a través de obras que parten del arte figurativo más puro y evolucionan hacia otras propuestas que sintetizan, descomponen o distorsionan lugares, personas y objetos. 

La selección de artistas para esta feria representa en buena medida la estrategia curatorial de la galería, en la que siempre conviven artistas jóvenes emergentes con otros de media carrera reconocidos y premiados, y en la que se apuesta tanto por el talento nacional (de núcleos urbanos y rurales) como internacional. 
«Estructuras y desestructuras» ocupará un espacio físico estructurado, como es la habitación de un hotel, pero contará con elementos que rompan esa estructura lógica. Con ello se pretende  reflexionar sobre la capacidad que tiene la psique humana para  componer o distorsionar imágenes según sus propias estructuras mentales.

LAURA ABRIL

LAURA ABRIL

Fuente de Cantos (Badajoz), 1983. Su serie UNHEIMLICH, de trazo visceral y colorista, es una oda a la imperfección y a la esencia poliédrica de cada ser humano, justo en un momento en que la realidad nos empuja a la perfección estética y a la estandarización racional y emocional.

Las miradas, los gestos y las deformaciones fortuitas o conscientes de estos rostros nos devuelven un reflejo inquietante que, sin embargo, invita al espectador a seguir mirando hasta conectar con aquello que le vibra o atraviesa. No buscan la complacencia, pero sí la curiosidad.

RICARDO SÁNCHEZT

RICARDO SÁNCHEZT

Lima, 1980. Para el artista caminar por Madrid es adentrarse en un paisaje inagotable donde lo cotidiano y lo simbólico conviven en cada esquina: el humo de las castañas, las esculturas, los bares y terrazas, los semáforos y las bocas de Metro. Esa combinación urbana es el eje de mi pintura al aire libre. Pinta la ciudad tal como se ofrece, bajo el sol implacable o el frío y la lluvia. Salir con la pochade y volver con un lienzo pintado es, cada día, una forma de asombro. Es mi diario en óleo y un homenaje a Madrid. Y el homenaje a quienes la habitan lo lleva al gran formato, en interiores que reflejan una realidad que le cautiva y que se entrelaza con su propia autobiografía.

FORTEA GALLAT

FORTEA GALLAT

Valencia, 1997. Con sus obras reivindica la figura del artista-artesano, aquel que vive en contacto directo con el material. Su trabajo parte de un conocimiento técnico heredado sobre el oficio, que reinterpreta con un lenguaje contemporáneo para crear piezas abiertas, sin un canon cerrado, donde tradición y experimentación conviven en constante evolución.

La madera es el punto de partida de cada obra. Trabaja esta materia viva de forma manual, creando composiciones tridimensionales que llevan al espacio físico elementos clásicos de la tradición pictórica. La superficie deja de ser plana e invariable, viéndose transformada por luces y sombras que escapan a su control.

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Galería Origen

ESPACIO PUNTO NEMO

Esta galería es un territorio heterogéneo de creación contemporánea cuya finalidad es ofrecer visibilidad y acercar el mundo del arte y la cultura al público. Mostrando de principio a fin todos los pasos del proceso creativo, este espacio híbrido entre taller de arte y sala de exposición es a la vez escaparate y lugar de experimentación, investigación y cuna de proyectos colaborativos para artistas en distintos momentos de su carrera.

La galería-tienda, en constante renovación, alberga más de 500 obras originales de casi 40 artistas locales, haciendo hincapié en el diálogo entre sus variadas propuestas y la accesibilidad al arte actual, manteniendo formatos, técnicas y estilos diversos y asequibles. También ofrece un servicio de enmarcación artesanal a medida y restauración de marcos antiguos. Además, en el taller tienen cabida los talleres monográficos impartidos por los/las artistas que ofrecen sus obras en la galería.

Para Hybrid Art Fair 2026 Los cinco elementos un proyecto expositivo que se basa en el concepto ancestral de los elementos primigenios, tomando referencias tanto de la filosofía griega clásica como de la tradición china. En la Grecia clásica, los cuatro elementos: Tierra, Agua, Fuego y Aire, eran complementados por la quintaesencia (o éter), el material que constituye los cuerpos celestes. Paralelamente, la filosofía china tradicional (pilar del Feng Shui) considera cinco elementos: Tierra, Madera, Fuego, Agua y Metal.
La exposición se estructura en cinco partes, articulando la obra de cinco artistas. Esta organización traza la configuración del espacio como un pentagrama visual, donde cada pieza encuentra su posición y armonía inherente al número cinco.

VALENTINA MAIO

VALENTINA MAIO

Es una artista multidisciplinar postnaturalista (Roma, 1986), que actualmente desarrolla su labor artística en Madrid.

Elabora sus estudios del natural en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (CBA), sus series de grabado en los talleres de Arteria Gráfica y su formación en cerámica en los talleres Munay.

Actualmente está trabajando en el desarrollo de una serie de esculturas cerámicas, buscando un nexo de unión con grabados y gofrados, y desarrollando serigrafías de gran formato. También desarrolla distintas modalidades de libro de artista mediante estampas de grabado acompañadas de textos mecanografiados, todo ello enmarcado dentro del proyecto.

NATALIA DÁVILA

NATALIA DÁVILA

Natalia Dávila (Madrid, 1986), es una pintora e ilustradora licenciada en Bellas Artes por la UCM, que ha trabajado en diferentes campos, como la moda y el diseño gráfico, realizando imágenes de marca o campañas promocionales para empresas como Mahou. Desde hace unos años la pintura y la serigrafía son el centro de su actividad profesional.
Define el núcleo de su obra como el arte de la emoción: un diálogo entre lo interior y lo físico, donde el cuerpo se convierte en el lienzo de las emociones que incluso la razón desconoce. Su trabajo explora esas reacciones viscerales (gestos, tensiones, piel) que reflejan lo que las palabras no alcanzan a nombrar. A través de la figura humana, especialmente con la gestualidad de bocas y manos, busca capturar la intensidad de lo que nos atraviesa: pasión, angustia, éxtasis. Son imágenes provocativas pero no por lo que muestran, sino por lo que revelan. Con cada pincelada intenta desnudar emociones universales que, aunque nacen de su experiencia íntima, resuenan en quien las contempla. La pintura, para ella, es terapia y lenguaje.

MIGUEL DE UNAMUNO

MIGUEL DE UNAMUNO

Miguel de Unamuno Vera (Zamora, 1961), se licenció en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de grabado. Al terminar sus estudios se trasladó a Madrid, ciudad en la que reside desde entonces, y ha compaginado su trabajo como diseñador con su actividad artística.
El ser humano es el eje principal de su trabajo: ¿Quiénes somos? ¿Cuál es la medida del paso del tiempo? ¿Qué nos identifica como personas individuales? La vorágine de la sociedad actual que, cual maquinaria insaciable y automática, nos roba el tiempo y el ruido ensordecedor que nos impide escuchar nuestras necesidades fundamentales.

RAÚL MUÑOZ

RAÚL MUÑOZ

Raúl Muñoz (Madrid, 1977) se ha formado en distintas especialidades artísticas y humanidades desde hace casi treinta años.
En un continuo diálogo entre color y forma, su trabajo se caracteriza por una marcada tendencia al minimalismo y la influencia de la lírica, la literatura, la filosofía y la cultura popular. Recrea instantes y sensaciones más allá de la fabricación de imágenes personales, intentando dar entidad visual a elementos propios en un lenguaje en íntima conexión experiencial colectiva. Su obra sirve como instrumento para explicar/justificar un lugar, un territorio en el que la experimentación durante el proceso pictórico persigue la excelencia en la superposición tanto de formas y colores, en una particular geometría, como de mensaje y contenido, invitando a la interacción entre el espectador y la obra, creando un espacio de reflexión y diálogo continuo.

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Espacio Punto Nemo

AFTERPOEMA

AFTERpoema es una galería de artistas emergentes multidisciplinarixs que cruzan las artes visuales con la escritura literaria. Cada una de las obras representa un universo de imágenes que se sigue construyendo en la palabra escrita. Sus artistas se acercan al arte desde trayectorias y estéticas personales diversas y disruptivas, con proyectos en los que fusionan quehaceres, tanto en sus materialidades como en el cruce con el poema, la dramaturgia, el diario y el ensayo.

La galería busca la exploración de nuevas formas de representación y vinculación entre lxs artistas, las distintas maneras de hacer arte y vincularse con la naturaleza, el paisaje y las otras especies. En esta multiplicidad de voces se encuentran temáticas comunes como el mundo natural, la sustentabilidad, el archivo y la memoria, los mitos y leyendas, las utopías y distopías actuales, la mística, la espiritualidad contemporánea y el esoterismo

Presenta en Hybrid Art Fair 2026 Me atravesaba un río invitándonos a recorrer un territorio donde lo personal y lo estético se hacen uno, donde el paisaje es archivo y la memoria se escribe no solo en huellas, raíces y trazos a contracorriente. Este proyecto se plantea como un conjunto de imágenes para imaginar futuros en los que la creación artística sea también un gesto de cuidado hacia el otrx y de defensa de los bienes comunes, que aún nos sostienen.

La constelación de obras de Valentina Bobbo,Sol Castro Nieto,Flor Dacal y Tara McGuinn, trae materialidades diversas y lenguajes tradicionales que se actualizan como la cerámica,el textil, la pintura y el ensamblaje escultural.
Estas creaturas aparecen como configuraciones de vida que emergen desde condiciones alteradas de la experiencia y la identidad,sin perder el sentido del humor y la fantasía.

FLOR DACAL

FLOR DACAL

Diseñadora, educadora y artista textil. Desde 2014 dirige DACAL, un colectivo de artistas LGBTQ+ que desarrollan proyectos culturales y educativos sostenibles y participativos. Investiga, crea series de prendas y comparte su método de reciclaje de sastrería en talleres y seminarios.

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AfterPoema

Hybrid Art Fair 2026 – Instagram

La entrada Hybrid Art Fair 2026 se publicó primero en YANMAG.

Estuvimos en Art Madrid en su edición de 2026 y realizamos nuestra selección de galerías y artistas más interesantes entre los que se encuentran Inéditad Gallery con los artistas Chamo San y Eduardo Urdiales, la galería Yiri Arts con la artista Crystal Lupa, Galería Beatriz Pereira con el dúo project de las artistas Virginia Rivas y Beatriz Castela, Galería Metro con el artista Nacho Zubelzu, Galerie One con el artista Mathieu Lucas, Banditrazos Gallery con el artista Guk Dae-Ho, Gerhardt Braun Gallery con el artista Sebastian Gumpinger, Galería de Arte Luisa Pita con el artista Pierre Louis Geldenhuys, Galería São Mamede con el artista Branislav Mihajlovic, Galería Nuno Sacramento con el artista Mario Valdés, DDR Art Gallery con los artistas Roger Sanguino y Rinat Izhak y 3 Punts Galería con la artista Lara Padilla.

Durante cinco días, la feria reunió a 35 galerías nacionales e internacionales y más de 200 artistas, que convirtieron el espacio en un punto de encuentro para galeristas, coleccionistas, profesionales y amantes del arte contemporáneo. Lejos de articularse desde una única línea curatorial, la feria apostó por una propuesta plural, respetando el ADN de cada expositor. En el transcurso de los días de feria, cerca de 20 mil visitantes recorrieron los stands de las galerías participantes y disfrutaron de una programación paralela que amplió la experiencia más allá del formato expositivo tradicional. El balance de la edición ha sido especialmente positivo, con ventas registradas por la totalidad de las 35 galerías participantes, lo que confirma el fuerte interés del coleccionismo y el dinamismo del mercado durante la feria.

SELECCIÓN YANMAG ART MADRID 2026

INÉDITAD GALLERY

Inéditad Gallery es una galería fundada por el comisario y gestor cultural Luis López Almarcha cuyo objetivo es retomar el papel del arte como agente de cambio y de transformación social. Para ello pone el foco en dar visibilidad al talento de sus artistas con el objetivo de que sus propuestas ayuden, por un lado, a ampliar horizontes, y por otro, a que se engrandezcan y se visibilicen otras realidades e identidades. Por este motivo, apuesta por obras de gran carácter reivindicativo, capaces de estimular la sensibilidad del espectador y de desarrollar su pensamiento crítico.

CHAMO SAN

CHAMO SAN

Chamo San es artista y dibujante. Su estilo se caracteriza por su alto nivel de realismo y por la meticulosidad en los detalles, especialmente en la representación de figuras humanas. Un estilo que se podría englobar en el nuevo arte figurativo, donde incorpora algún elemento surrealista o abstracto desafiando las expectativas del espectador. Sus obras a menudo exploran temas como la identidad, la introspección o la vulnerabilidad, siendo los retratos los protagonistas. A través de ellos logra una magnífica expresión visual, casi etérea, que atrae inevitablemente la atención de quien los observa.

EDUARDO URDIALES

EDUARDO URDIALES

Es Licenciado en Bellas Artes. Fue precisamente en el último año de carrera cuando profundizó en la disciplina de la cual se ha convertido en un auténtico virtuoso: el dibujo. Una de sus primeras obras fue seleccionada de hecho en el XXV Certamen de Dibujo Gregorio Prieto en el 2019.

Su prometedora trayectoria ya se sustenta en nueve exposiciones colectivas, además de exposiciones individuales en Málaga (Sala de Exposiciones Manuel Barbadillo y Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes) o en Almería (Sala de Exposiciones El Faro). Su obra ha sido seleccionada en varios premios, entre los que destacan el ModPortrait de Dibujo (2020) y el Concurso Internacional de Pintura Villa de Fuente Álamo (2022).

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Inéditad Gallery

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YIRI ARTS

Desde su fundación en 2014, Yiri Arts ha abierto espacios de exposición en Kaohsiung, Taichung y Taipéi en Taiwán, así como en Yakarta, Indonesia. En la actualidad, la galería opera tres espacios entre Taipéi y Yakarta. Dedicada a ampliar las posibilidades de la práctica artística, Yiri Arts construye el arte contemporáneo como un lenguaje compartido de la humanidad a través de la investigación expositiva, publicaciones, proyectos curatoriales externos, iniciativas de mercado y el programa Taiwan Artists World Tour. Al representar tanto a artistas taiwaneses como internacionales, Yiri Arts se compromete a apoyar y colaborar con artistas en todas las etapas de sus carreras, fomentando exposiciones con potencial y significado histórico.

CRYSTAL LUPA

Crystal Lupa nació en California en 1989. Obtuvo su grado en diseño de moda para mujer (BA) en Central Saint Martins, University of the Arts London, en 2012. Actualmente reside en Taipéi y trabaja en áreas que incluyen pintura, ilustración, escultura, diseño de moda y composición musical. Independientemente del medio, su lenguaje visual siempre desprende un aire de misticismo oriental y literatura fantástica.

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Yiri Arts

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GALERÍA BEATRIZ PEREIRA

La Galería Beatriz Pereira, fundada en 2021 como un proyecto nómada centrado en crear site-specifics y resignificar cada entorno, ha construido una trayectoria que entiende el arte como intercambio y colaboración, dialogando con creadoras emergentes y de media carrera y desarrollando proyectos curatoriales en instituciones como el DA2 o la Sala Santa Clara. En septiembre de 2025 inaugura su primer espacio físico en Plasencia, a un minuto de la Plaza Mayor, un lugar cargado de historia que renace con un propósito artístico-cultural. Desde allí, la galería reafirma su compromiso con una sensibilidad femenina, diversa y transformadora.

En esta edición la Galería Beatriz Pereira presenta un dúo project con las artistas Virginia Rivas y Beatriz Castela: I don’t see limits. Este proyecto parte de la entrevista homónima de la artista alemana Katharina Grosse concedida a The Talks en 2017, en la que habla fundamentalmente de romper los límites tradicionales de la pintura, invadiendo el espacio e integrando al espectador en su juego, donde el color es el protagonista principal, la fuerza que ejecuta y que transforma.

Tanto Beatriz Castela como Virginia Rivas comparten con Grosse esa voluntad de trascender fronteras –entre lo físico y lo digital, lo visible y lo intangible, lo sonoro y lo visual, lo racional y lo sensorial–, ampliando el campo pictórico hacia una experiencia perceptiva en la que el color, la luz y el espacio actúan como materia viva y transformadora. En la pintura de ambas artistas, la emoción de lo matérico se junta con el ritmo invisible de lo geométrico. Dos artistas, a priori antagónicas, se reunieron en este proyecto comisariado por Beatriz Pereira para Art Madrid 2026, donde generaron un diálogo de pintura, reflejos y espectador.

VIRGINIA RIVAS

VIRGINIA RIVAS

Virginia Rivas trabaja en torno a la pintura, el vídeo y la instalación, medios con los que explora el nexo individuo-entorno y confecciona un discurso sociológico elaborado desde una esfera íntima. Le interesa el espectador como agente activo: su implicación, interpretación e interacción con la obra y el espacio. Analiza el paisaje social a través de la luz, el color y el sonido, práctica artística que compagina con talleres y conferencias que imparte.

BEATRIZ CASTELA

BEATRIZ CASTELA

Beatriz Castela es artista visual y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, combina su práctica artística con la docencia y la investigación en el Grado en Bellas Artes y en el Instituto de Arte y Tecnología de la Animación (ATA) de la USAL. Su obra se centra en la percepción de los límites de la realidad en la era digital a través de instalaciones, escultura, pintura, obra gráfica y nuevos medios. Forma parte del colectivo Néxodos, con el que impulsa proyectos de creación contemporánea en el medio rural.

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Galería Beatriz Pereira

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GALERÍA METRO

Fundada y dirigida por Javier Blanco, la Galería Metro nace el año 2007 con el ánimo promover el arte contemporáneo y dinamizar la vida cultural, ocupando un espacio de mediación entre el estudio del artista y el coleccionista, entre el creador y el consumidor de cultura. Con una programación multidisciplinar, se centra en la promoción, exposición, difusión y venta de la obra de artistas actuales, dedicando una especial atención a los artistas emergentes y llevando a cabo una programación regular con exposiciones de pintura, escultura o fotografía, encuentros con artistas o asistencia a ferias de arte.

NACHO ZUBELZU

NACHO ZUBELZU

Pintor, escultor, performer, videocreador, la vida de este artista polifacético está marcada por su pasión por el arte y la naturaleza desde la fascinación que le produce el entorno del Valle de Campoo en Cantabria. Se nutre de experiencias propias en las montañas campurrianas para interiorizar la belleza de los elementos naturales y plasmarlos de forma plástica en pinturas, fotografías, esculturas, instalaciones de gran formato, performance y pequeñas ilustraciones. El artista, que nunca ha trazado una línea divisoria entre pintura y escultura, más bien, son ámbitos que complementa, usa en sus obras la repetición y variación que generan secuencias en las que se aborda un análisis de las ideas, sensaciones y sentimientos.

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Galería Metro

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GALERIE ONE

Fundada por Jonathan Pradere, galerista apasionado, Galería One promueve el arte contemporáneo en toda su diversidad. En diálogo permanente con los coleccionistas, participa en ferias internacionales y organiza exposiciones itinerantes. Su enfoque se basa en colaboraciones artísticas exclusivas y de gran calidad, asociadas a escenografías inmersivas y audaces que capturan la atención y dejan una fuerte impresión. En muy poco tiempo, la Galería One se ha consolidado como una referencia dinámica e innovadora, ganándose la confianza y el interés de coleccionistas de todo el mundo.

MATHIEU LUCAS

MATHIEU LUCAS

Mathieu Lucas es un artista plástico multidisciplinar originario de Nantes y afincado en Montpellier desde hace una década. Formado en artes gráficas y profundamente influenciado por la cultura urbana, ha desarrollado un lenguaje visual singular en el que convergen escultura, pintura, instalación y narración visual. Su obra establece una síntesis sutil entre estos medios, oscilando entre el realismo en miniatura y la poesía conceptual. A través de creaciones en volumen y puestas en escena minuciosas, Mathieu Lucas aborda la complejidad del mundo contemporáneo con una estética a la vez cruda y refinada. Su universo visual se caracteriza por el contraste entre la fragilidad de sus composiciones miniaturizadas y la fuerza de los temas que aborda. La precisión de sus obras, realizadas a menudo con materiales recuperados, revela una atención constante a la materialidad, a la transformación y al valor simbólico de los objetos que utiliza.

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Galerie One

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BANDITRAZOS GALLERY

Desde su apertura en 2007, Banditrazos Gallery se ha convertido en una destacada galería contemporánea en Corea del Sur. Su objetivo principal es introducir a talentosos artistas nacionales y extranjeros de varios continentes, especialmente de países de habla hispana como América Latina y España. Mediante diversos intercambios culturales, la galería busca promover el valor histórico y artístico que muchos coreanos desconocen.

Banditrazos Gallery se considera un puente que conecta al público con el arte, ofreciendo exposiciones curadas que introducen diversas formas de arte y sirve como un espacio cultural experimental. A través de colaboraciones con instituciones de arte, museos y embajadas latinoamericanas, la galería se ha convertido en una plataforma para diversas tendencias artísticas y culturales. Su participación en exposiciones internacionales le ha ayudado a comprender los contenidos culturales y las necesidades del público, permitiendo así presentar exposiciones de alto nivel y entretenidas para el público en general.

GUK DAE-HO

GUK DAE-HO

Guk Dae-Ho es un pintor surcoreano contemporáneo reconocido por su estudio minucioso del color y la luz, creando paisajes y objetos con pinceladas vibrantes que varían de lo difuso a lo intenso. Utiliza técnicas como el óleo, a menudo con pigmentos intensos, para explorar la densidad y la velocidad del color.

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Banditrazos Gallery

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GERHARD BRAUN GALLERY

Gerhardt Braun Gallery es una galería de arte contemporáneo fundada en el año 2007 por Gerhardt Braun en el corazón del casco antiguo de Palma de Mallorca, un espacio creativo para artistas establecidos y emergentes de todo el mundo. La galería cuenta con un total de nueve espacios expositivos repartidos entre Mallorca y Madrid.

SEBASTIAN GUMPINGER

SEBASTIAN GUMPINGER

Para Sebastian Gumpinger, la línea es el punto de partida de su obra. No es solo un elemento estático, sino una fuerza dinámica que establece un diálogo entre la obra y el espectador. Trabaja sus esculturas de pared completamente a mano. Usando amoladoras, traza marcas gestuales y rítmicas sobre superficies pulidas de acero y cobre. Aunque las placas son delgadas —a menudo de solo 2 mm—, adquieren una presencia casi escultórica y generan un efecto tridimensional gracias al juego de luces y sombras sobre el material. La luz actúa como un componente activo: al moverse el espectador, la superficie cambia, creando una experiencia visual en constante transformación.

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Gerhardt Braun Gallery

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GALERÍA LUISA PITA

El nuevo proyecto de la Galería de Arte Luisa Pita nace como una continuidad de la actividad que la Galería Bus Station Space, fundada y dirigida por Luisa Pita, venía desarrollando en Santiago de Compostela desde el año 2012. Enfocado ahora desde la experiencia adquirida como un proyecto cultural más ambicioso, con un significado propio y más personal en un nuevo espacio expositivo y como punto de encuentro para el arte entre artistas de reconocido prestigio y otros emergentes.

PIERRE LOUIS GELDENHUYS

PIERRE LOUIS GELDENHUYS

Hace más de 10 años, Pierre Louis Geldenhuys se propuso combinar múltiples disciplinas para crear obras de arte e instalaciones únicas con su formación y experiencia en diseño de vestuario, textil, moda y bellas artes a partir de sus titulaciones en Artesanía Teatral y Moda por la Universidad Tecnológica de Tswane (Pretoria-Sudáfrica) y la Universidad Tecnológica de la Península del Cabo (Ciudad del Cabo-Sudáfrica). Sus originales teselaciones de seda han evolucionado, añadiendo la fibra de vidrio y el videoarte como nueva línea de trabajo, presentándolas encapsuladas en cajas de luz, respetando la composición, el espacio, el color, la luz y la sombra como si de un lienzo se tratara. En su trayectoria artística figuran numerosas exposiciones individuales y colectivas.

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Galería Luisa Pita

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GALERÍA SãO MAMEDE

A finales de los años 60 la Galería São Mamede abrió sus puertas. La galería se ha dedicado exclusivamente a la modernidad y al movimiento contemporáneo portugués, con exposiciones temporales de artistas extranjeros.

BRANISLAV MIHAJLOVIC

BRANISLAV MIHAJLOVIC

Desde los cinco años participó en numerosos concursos nacionales e internacionales de obras de arte infantiles y fue premiado en varias ocasiones. Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Belgrado, donde obtuvo un máster en pintura en 1989. A finales de ese año se trasladó a Amsterdam, donde permaneció un par de años, y en 1992 se instaló en Portugal. Desde entonces vive y trabaja en Cascais, Portugal. Ha participado en más de trescientas exposiciones colectivas, ferias de arte y salones en Portugal, Serbia, España, Holanda y otros países, y ha realizado más de noventa exposiciones individuales. Su obra ha sido premiada varias veces en su país y en Portugal.

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Galeria São Mamede

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GALERÍA NUNO SACRAMENTO

La Galería Nuno Sacramento, desarrolla su actividad desde el año 2003 con la apertura de su primera galería en la ciudad de Aveiro-Portugal. En un espacio especialmente diseñado para una galería de arte contemporâneo. Desarrolla anualmente alrededor de seis exposiciones individuales y tres colectivas, en las disciplinas de la pintura, de la escultura, fotografía, la instalación y de vídeo. La galería dinamiza su acción cultural, no sólo a través de estas exposiciones sino también editando los catálogos de edición sobre sus artistas y de las obras expuestas, con palabras de críticos acreditados en el mundo del arte.

MARIO VALDÉS

MARIO VALDÉS

La obra de Mario Valdés se centra en el estudio de la relación entre el ser humano y su entorno a través de una serie de esculturas construidas con vidrio, imágenes fotográficas y soportes vegetales carbonizados. Su trabajo con el espacio, forma y color genera un diálogo entre lo transparente y lo material, creando ambientes íntimos que invitan a reflexionar sobre la naturaleza de la realidad. Según estos presupuestos desarrolla una labor de investigación artística para representar la vulnerabilidad de nuestro entorno natural y la delicadeza de nuestra salud mental usando el vidrio y elementos naturales como materiales fundamentales de sus piezas.

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Nuno Sacramento Arte Contemporânea

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DDR ART GALLERY

Desde su fundación en noviembre de 2016, DDR ART GALLERY se ha consolidado como un referente en el mercado del arte contemporáneo. Bajo la dirección de David Delgado y Elisa Rodrigo, la galería se ha configurado como un puente entre artistas iberoamericanos y europeos, ofreciendo una propuesta formada por artistas consagrados a nivel internacional y la presencia de talentos emergentes.

Su programación expositiva parte de la conceptualización en la relación entre la presencia y la ausencia del ser humano y su vinculación con el medioambiente. Abarcan una amplia gama de disciplinas que incluyen pintura, fotografía, escultura, collage, ilustración y arte urbano.

ROGER SANGUINO

ROGER SANGUINO

Roger Sanguino presenta el trabajo que, desde la escultura clásica en un camino hacia la pintura, ha estado desarrollando en los últimos años, marcado por un discurso que hace referencia al ser humano, la importancia del retrato, la expresión del cuerpo, y el espacio urbano. En cuanto a la formalización del trabajo, en la parte técnica yace lo que ha sido fundamental en la construcción final de la obra: El metal y sus posibilidades. Mediante el empleo de varillas y cuerdas de piano, y posteriormente los pernos y redes, todas estas posibilidades del acero dieron lugar a un diálogo entre pintura y escultura, generando un puente entre ambas disciplinas a través de los fundamentos conceptuales y formales.

RINAT IZHAK

RINAT IZHAK

Artista autodidacta con título en Arquitectura con honores por la UPC en Barcelona y la Universidad de Budapest. Su formación como arquitecta le proporciona una herramienta clave para sus proyectos artísticos, permitiéndole crear experiencias visuales y sensoriales integrales. A lo largo de casi tres décadas ha obtenido reconocimiento en importantes instituciones culturales y ha recibido apoyo y becas para el desarrollo de proyectos artísticos centrados en obras ambientales y complejas, en los que han participado más de 3.000 personas y que han sido visitados por más de 50.000 espectadores. Durante más de veinte años desarrolló en paralelo, en su estudio, series personales fuera del foco público. Solo recientemente, tras la visita de un coleccionista que adquirió sus obras y la animó a mostrar sus series, este trabajo ha comenzado a salir a la luz, revelando una pintura que combina fuerza y delicadeza.

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DDR Art Gallery

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3 PUNTS GALERÍA

En 3 Punts Galería trabajan desde 1994 en la promoción, difusión y comercialización del arte contemporáneo en todas sus disciplinas. Su visión global del arte les lleva a colaborar con galerías e instituciones, así como a asistir a ferias de arte internacionales. Las galerías de arte contemporáneo son un elemento dinamizador de la escena cultural tanto local como a nivel global y es por ello que 3 Punts crea y participa en iniciativas que generan la movilización social y la búsqueda de la excelencia en las artes plásticas.

LARA PADILLA

LARA PADILLA

La obra de Sra. D, a.k.a Lara Padilla, abarca disciplinas como la pintura, la escultura, la danza, la performance y el diseño de moda. Sus piezas, mayormente figurativas, dirigen la atención al poder de la representación femenina a través de la deformación del cuerpo y el uso del color y las texturas. Una reivindicación de género exhibida a través de grandes manos como instrumentos poderosos de batalla o pies pesados, imagen de la perseverancia de la mujer en su lucha. Sra D. entiende el arte, no como una vitrina silenciosa, sino como un camino de acción e intervención política. Su estética es una oda a la diversidad, retratando todo tipo de cuerpos en pos de promover una mirada de igualdad y autenticidad.

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3 Punts Galería

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«La gestión cultural no es una renuncia a la creación, sino una forma distinta de ejercerla»

Alberto Merlo es Jefe de Programas y Operaciones de la Fundación Loewe. Su trayectoria combina la dirección de iniciativas en una de las fundaciones culturales vinculadas al lujo más relevantes a nivel internacional con su experiencia en el ámbito público, donde ha trabajado en el impulso de la diplomacia cultural. Esta doble vertiente le ha permitido desenvolverse e influir con eficacia en el entorno institucional y cultural, promoviendo la excelencia y el reconocimiento internacional a través de alianzas estratégicas, el diseño de programas innovadores y un liderazgo orientado a resultados.

– ¿De qué manera las artes han estado presentes en tu vida?

Las artes han sido el centro de mi formación y de mi manera de entender el mundo desde muy temprano. Me formé como artista desde niño, y esa experiencia marca de forma definitiva la manera en que pienso, trabajo y tomo decisiones hoy. Mi recorrido profesional parte de ahí: de una relación directa, exigente y prolongada con la práctica artística.
Con el tiempo, esa formación me ha situado en una posición singular: pertenezco plenamente al mundo de los artistas, pero también al de las instituciones, las corporaciones y los gobiernos. Mi trabajo consiste en hacer que esos mundos se entiendan y se encuentren, desde el respeto mutuo y con ambición a largo plazo.

«Pertenezco plenamente al mundo de los artistas, pero también al de las instituciones, las corporaciones y los gobiernos.»

«Mi trabajo consiste en hacer que esos mundos se entiendan y se encuentren, desde el respeto mutuo y con ambición a largo plazo.»

– Empezaste tu formación musical a una edad muy temprana. ¿Qué supuso esa etapa?

Comencé mis estudios musicales a los seis años, y durante quince, la música fue una práctica diaria, rigurosa y estructurante. Estudiar piano desde niño te da algo que no se aprende más tarde: disciplina, escucha profunda y una relación muy clara con el tiempo y el esfuerzo.

En el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, tuve la fortuna de formarme con Almudena Cano y Ana Guijarro, dos de las pianistas más destacadas que ha producido este país en las últimas décadas. De ellas aprendí no solo excelencia técnica, sino una ética artística muy sólida, basada en el compromiso absoluto con el oficio y con la inteligencia de la obra. Esa formación como artista precoz sigue siendo central en mi identidad profesional.

– Posteriormente amplias tu formación en arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (UPM). ¿Qué te aportó?

La arquitectura fue una ampliación natural de esa formación artística. En la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, me interesó especialmente la arquitectura como forma de pensamiento, como disciplina capaz de articular espacio, cultura y sociedad.
Tuve la suerte de formarme con figuras clave como Alberto Campo Baeza, de quien aprendí el rigor intelectual y la precisión ética del proyecto, y Antón García-Abril, que me transmitió la ambición internacional, la potencia del gesto y la comprensión de la arquitectura como una práctica artística con proyección global. Esa doble influencia sigue presente en mi manera de abordar proyectos culturales complejos.

«La arquitectura fue una ampliación natural de esa formación artística.»

«En la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, me interesó especialmente la arquitectura como forma de pensamiento, como disciplina capaz de articular espacio, cultura y sociedad.»

– Más adelante realizas un máster en gestión cultural en la Universidad Complutense de Madrid. ¿Por qué decides especializarte en este ámbito?

El Máster en Gestión Cultural de la Universidad Complutense de Madrid, el programa más antiguo de España en este campo, fue una decisión consciente. Quería adquirir herramientas para trabajar con instituciones, presupuestos, marcos legales y estrategias a largo plazo, sin perder nunca la mirada artística.
La gestión cultural, para mí, no es una renuncia a la creación, sino una forma distinta de ejercerla: crear las condiciones para que otros artistas y proyectos puedan existir con rigor, continuidad y proyección internacional.

– Tu carrera adquiere una dimensión internacional en Nueva York. ¿Cómo se produce ese salto?

Accedí a Nueva York como becario de un programa gubernamental, una experiencia que posteriormente se convirtió en una plaza laboral. Allí trabajé en el marco de la AECID, dentro de la Dirección General de Relaciones Culturales, en un contexto de diplomacia cultural y acción exterior.
Fue una etapa fundamental para entender cómo las artes operan en contextos internacionales de alto nivel, y cómo contribuyen de forma decisiva a la cohesión internacional, a la proyección de valores y al desarrollo de una imagen de país basada en la calidad y la credibilidad cultural.

– Hoy lideras iniciativas culturales en la Fundación Loewe. ¿Cómo defines tu papel?

En la Fundación Loewe desarrollo un trabajo de articulación estratégica. Mi función es traducir entre el lenguaje de los artistas y el de las grandes instituciones y corporaciones, garantizando que los valores no se diluyan y que los proyectos mantengan profundidad y coherencia.
Trabajo desde una convicción clara: la cultura no se instrumentaliza, se acompaña y se cuida. Cuando una institución apuesta de verdad por la cultura, ese compromiso se refleja de manera natural en su identidad y en su proyección internacional.

«Trabajo desde una convicción clara: la cultura no se instrumentaliza, se acompaña y se cuida»

«Cuando una institución apuesta de verdad por la cultura, ese compromiso se refleja de manera natural en su identidad y en su proyección internacional.»

– El Craft Prize y el Premio Internacional de Poesía son proyectos emblemáticos. ¿Qué los define?

Ambos proyectos se basan en una idea fundamental: acompañar a los creadores a largo plazo. No son premios concebidos como un final, sino como el inicio de una relación sostenida. Generan ecosistemas culturales sólidos y un diálogo internacional continuado con artistas e instituciones.

– También colaboras con el Teatro Real de Madrid. ¿En qué se centra esa colaboración?

El Teatro Real, reconocido recientemente como una de las mejores óperas del mundo, es una institución ejemplar en términos de excelencia artística. Mi implicación ha estado ligada a la reflexión estratégica y al desarrollo de audiencias futuras.
Formo parte del primer comité asesor joven creado por la institución, junto a profesionales de distintos sectores con proyección internacional, con el objetivo de pensar cómo atraer públicos jóvenes y construir el público del futuro sin comprometer el rigor artístico.

«Mi implicación en el Teatro Real ha estado ligada a la reflexión estratégica y al desarrollo de audiencias futuras.»

«Formo parte del primer comité asesor joven creado por la institución»

– Además, ejerces como docente en la European School of Economics. ¿Qué intentas transmitir?

Intento formar perfiles capaces de moverse con solvencia entre creación, institución y contexto económico. La gestión cultural exige criterio, responsabilidad y una comprensión profunda del valor simbólico y social de las artes. Esa es la base de cualquier proyecto cultural serio.

– ¿Cómo es tu tiempo fuera del trabajo?

Sigo muy vinculado a la música y a la lectura. Son espacios necesarios para mantener una relación viva con la práctica artística y no perder la perspectiva.

– Un deseo que te gustaría que se hiciera realidad.

Que instituciones, corporaciones y gobiernos entiendan que apostar por la cultura con rigor y ambición no es un gesto accesorio, sino una decisión estratégica de primer nivel, capaz de generar identidad, confianza y proyección internacional sostenida.

«Deseo que instituciones, corporaciones y gobiernos entiendan que apostar por la cultura con rigor y ambición no es un gesto accesorio»

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Alberto Merlo – LinkedIn

Fundación LOEWE

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Escultura cerámica de Gloria García Lorca

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«El arte es en sí mismo una forma de conocimiento»

Sara Quintero es artista multidisciplinar con una trayectoria de más de 25 años. Su obra ahonda de manera muy crítica e independiente en las formas de representación en la historia del arte de conceptos como Europa y sus valores fundacionales, el viaje como huida, la emigración y los refugiados, el mar y el naufragio, el papel de la mujer en la sociedad o el suicidio. Con su trabajo en pintura, dibujo, grabado, vídeo, cerámica o instalación investiga la historia y compara las representaciones clásicas con las contemporáneas, las transforma y crea a su vez nuevas formas de significado. Define el arte y la creación artística como una forma de conocimiento, de relación con el mundo y con capacidad real de transformarnos.

– ¿En qué momento comenzaste a interesarte en el arte y quisiste que fuera tu profesión?

Desde el colegio, me encantaban los cuadros reproducidos en los libros de texto, los clásicos en los de historia, de Chagal en los de francés… Mi padre realizaba grandes reproducciones de Solana en casa en su tiempo libre y un día me dibujó un niño a caballo de Velázquez. Verle trazar aquello ágilmente sobre el papel me impactó.
Después quería estudiar cine porque me encantaban las películas y estar en la sala de proyección, pero no me veía con el carácter necesario y decidí comenzar por Bellas Artes y aprender fotografía.

«Mi padre realizaba grandes reproducciones de Solana en casa en su tiempo libre y un día me dibujó un niño a caballo de Velázquez.»

«Verle trazar aquello ágilmente sobre el papel me impactó.»

– ¿Qué supuso para ti estudiar Bellas Artes y cómo te cambió? 

Para mí fue una experiencia fundamental. Disfruté del proceso de formación, supuso verdaderamente una transformación y un cambio de planes. Fue el medio para conocer y profundizar en muchas disciplinas, pero sobre todo la oportunidad de interactuar con profesores y profesoras que te desconcertaban. Con el artista Paco Cortijo un grupo de estudiantes montamos un taller de grabado bajo su orientación y fue una gran experiencia en lo personal y en lo profesional. De nuevo la práctica, el trabajo en el taller… me decidió a dedicarme a las artes plásticas. Echo de menos aquel trabajo como colectivo.

– ¿Cómo es tu proceso de trabajo al comenzar un proyecto?

Suelo empezar por lecturas y búsqueda de documentación. Realizo un archivo con el material que me va interesando y que me permite empezar a trabajar, ya que utilizo mucho la apropiación y la cita en las composiciones. Recopilo fotos históricas o de los medios de comunicación relacionadas con el contexto político o del personaje que vaya a tratar, y si voy a evocar determinado periodo de la historia del arte, diseños, obras de arte, curiosidades… Selecciono textos de referencia, frases, versos de poemas o canciones que orientan la atmósfera del proyecto, anotaciones… Ese archivo va creciendo y cambiando según voy dando forma a las piezas y avanzando en las series. También realizo bocetos muy sintéticos de las ideas, imágenes pensadas, sobre todo para no olvidarlas. Busco y selecciono materiales, herramientas, soportes…

– Tu obra se compone de pinturas, dibujos, imágenes intervenidas, esculturas, cerámicas e instalaciones. ¿En qué disciplina te sientes más a gusto y cuál te gustaría incorporar? 

Llevo más de 25 años de trayectoria y en los primeros 15 la mayor parte de mi producción era pintura y grabado. La pintura siempre me ha parecido el medio con mayor dificultad, implica mayor intimidad, y sin querer lo cargo de trascendencia, y de cierto sentimiento de luto; siempre desde el artificio, el engaño, lo desacogedor, la reflexión sobre la propia disciplina, o la piel de la pintura. El grabado me permitía un mayor distanciamiento y disfrute, también la misma extrañeza, pero con algo de humor y la deriva del azar, incluso en la propia realización. Esta última década, sin abandonar la pintura, le he dado más dimensión al dibujo porque necesitaba volver a una imagen más ecléctica, como hacía en grabado, incorporando imágenes procedentes de otros ámbitos y épocas. En los últimos años echaba en falta lo objetual y pensé que la cerámica, también con su legado histórico, podía añadir valor y otros contenidos: la tradición griega, los ajuares funerarios, los fragmentos y restos… Necesito además aprender, enfrentarme a herramientas nuevas y tener la sensación de resolver problemas o dificultades. He realizado algunos tanteos con el video y la animación y espero que tengan más desarrollo, hacer pequeñas películas con maquetas y escenografías, e indagar en ese futuro que intuyo.

«Llevo más de 25 años de trayectoria y en los primeros 15 la mayor parte de mi producción era pintura y grabado.»

«Necesito además aprender, enfrentarme a herramientas nuevas y tener la sensación de resolver problemas o dificultades.»

– Entre cenizas fue el título de la exposición individual que presentaste en La Casa Amarilla, una muestra en la que cuestionabas la forma de la representación de la violencia contra la mujer y su carácter aleccionador, ¿cómo investigaste y desarrollaste el tema? 

En los últimos años no paro de escuchar que el feminismo ha ido demasiado lejos, y que la reacción de la extrema derecha es consecuencia de que hemos querido hacer cambios demasiado rápido. Las encuestas describen a una mayoría de chicos jóvenes que no solo se sienten amenazados, sino que se niegan a denunciar que el número de mujeres que mueren a manos de sus parejas o exparejas, es algo intolerable. Y que niños y niñas pierdan a su madre a manos de su padre es también inaceptable. Mientras, nuestros políticos continúan denigrando la imagen de sus colegas mujeres en el espacio público e impiden que se cumpla la legislación que nos defiende y protege.

El arte lleva trabajando con perspectiva de género desde los años 60, pero ni sus formas de conocer, ni el resultado de sus investigaciones, obras, propuestas, han trascendido a la sociedad. El sistema evita que haya esa comunicación. Sin embargo en el pasado el arte era una herramienta eficaz para condicionar la ética y los comportamientos sociales. La moral cristiana dirigió sobre la mujer el mandato de que fuera castigada en la escena pública, con una violencia cruel, justificada por el pecado y la culpa. Quise seleccionar aquellas pinturas históricas modificándolas, con el propósito de desvelar el poder que la imagen ha demostrado a lo largo de la historia para conformar nuestro mundo. Eliminé de mis recreaciones figuras y armas de aquellos martirios cristianos en los que grandes maestros, como Fra Angelico, Jean Fouquet, Domenico Veneciano o Bernardo Daddi, representaron la violencia contra la insolencia de las mujeres, como una vía de purificación y fortaleza espiritual. Buscaba señalar cómo la violencia de género actual repite las escenas y principios que hemos heredado, cómo pervive en el imaginario colectivo compartido. De aquellas hogueras quedan las cenizas que se reavivan: una representación que pretendía reafirmar la solidez de un orden patriarcal que aspiraba exclusivamente a confirmar de modo propagandístico sus valores. En otra serie incorporé dibujos de castigo y protección, mujeres revestidas con la famosa doncella de hierro o una armadura para cazar osos. En otras obras incluí figuras conocidas como el mono, símbolo de incontinencia sexual, del jardín de la Virtud de Mantegna y personajes de la mitología griega que también habían sufrido violencia sexual como Troilo con Aquiles, o Cassandra que además fue maldecida a no ser creída. Un texto en gran formato recogía la letra de una canción de The Smiths: «¿Van a creerme alguna vez?»

Obras de Entre las cenizas (2019) – Sara Quintero

«El arte lleva trabajando con perspectiva de género desde los años 60, pero ni sus formas de conocer, ni el resultado de sus investigaciones, obras, propuestas, han trascendido a la sociedad. El sistema evita que haya esa comunicación.»

«Sin embargo en el pasado el arte era una herramienta eficaz para condicionar la ética y los comportamientos sociales. La moral cristiana dirigió sobre la mujer el mandato de que fuera castigada en la escena pública, con una violencia cruel, justificada por el pecado y la culpa.»

– En tu obra se repiten las referencias a la mitología griega, y aparecen frecuentemente mapas, también el mar y Europa, ¿por qué son importantes para ti?

La guerra de Yugoslavia en torno al 2000 evidenció la decadencia de nuestro continente que se agravó con la crisis de Grecia en 2010. La intervención que sufrió este país y toda la especulación posterior me pareció una traición al nuestro origen cultural y democrático. Fue un síntoma premonitorio de la actual desmantelación de Europa como fuerza ética y política. Y es a través de la evolución de las políticas migratorias europeas como he desarrollado este tema en los proyectos de estos últimos años: el trato al ciudadano griego como apátrida, el asilo en campos de exterminio nazis a refugiados sirios, la acogida de solicitantes de asilo en búnkeres suizos de la Guerra Fría, la quema clandestina del gran campamento de refugiados de Calais, la externalización de nuestras fronteras renunciando a la vigilancia y protección de los derechos humanos, el incumplimiento del deber de salvamento en el mar y la criminalización de las ONG… Son la constatación de que es Europa quien naufraga.

«La guerra de Yugoslavia en torno al 2000 evidenció la decadencia de nuestro continente que se agravó con la crisis de Grecia en 2010.»

«La intervención que sufrió este país y toda la especulación posterior me pareció una traición al nuestro origen cultural y democrático. Fue un síntoma premonitorio de la actual desmantelación de Europa como fuerza ética y política.»

– Tu última exposición individual En los márgenes se ha presentado en el Museo ABC, y se ha centrado en los naufragios y las muertes de inmigrantes en las costas europeas ¿cómo desarrollaste el proyecto y qué te impulsó a hacerlo?

En los márgenes es de momento el último proyecto sobre la desaparición de Europa, en la renuncia a sus principios fundacionales y en ser el adalid de los derechos humanos en los conflictos internacionales. El título se refiere tanto a esa deshumanización que sucede en los límites del continente y que ha convertido al Mediterráneo y sus costas en un verdadero cementerio por los constantes naufragios; como a las propias noticias sobre estos, que pasan desapercibidas, quedando relegadas a la periferia del debate social. Para el proyecto tomé dos puntos de partida. Por un lado, imágenes de la propia Colección del Museo ABC, relacionadas con la guerra, las fronteras, la muerte y el naufragio… que por primera vez en las exposiciones de dibujo contemporáneo de este museo, han sido intervenidas para formar parte de la exposición. Escaneadas y modificadas, resignificadas, me han servido para invitar a pensar el presente desde acontecimientos históricos del pasado. Los títulos de estas ilustraciones de la prensa diaria han conducido también la atmósfera de la sala.
Por otro, las composiciones pictóricas del siglo XIX sobre el naufragio. Este, bajo la idea romántica de lo heroico, aún tenía significado para la sociedad, era un “acontecimiento” digno de ser representado. Las he recreado en dibujos que repiten también su formato, un collage digital de imágenes de naufragios actuales procedentes de los medios de comunicación, que una vez impreso, completo con dibujo a lápiz. La propia factura evoca la forma de construir el mar en los grabados de naufragios antiguos. Aquí entiendo el pasado de nuevo, la historia del arte, como una herramienta para pensar esta tragedia contemporánea. Las cerámicas a modo de ajuar funerario, y los vídeos con dibujos de figuras extraídas de ánforas griegas, señalan la necesidad de luto. La documentación y la creación de archivos son fundamentales en este proceso, reforzando la reivindicación de la memoria.

«En los márgenes es de momento el último proyecto sobre la desaparición de Europa, en la renuncia a sus principios fundacionales y en ser el adalid de los derechos humanos en los conflictos internacionales.»

«El título se refiere tanto a esa deshumanización que sucede en los límites del continente y que ha convertido al Mediterráneo y sus costas en un verdadero cementerio por los constantes naufragios; como a las propias noticias sobre estos, que pasan desapercibidas, quedando relegadas a la periferia del debate social.»

– En la exposición hay una instalación de una gran ola de papel ¿cómo elaboraste esta pieza?

Quería que fuera la evocación de una ola que trae los restos del naufragio a la sala. Al fin y al cabo, los restos son lo que hacen intuir la tragedia. Mide 9,5 m de largo y 2 m de altura en un extremo. Realicé una maqueta previa de 2,5 m y se la pasé al escultor Roberto Urbano para que me hiciera la estructura de madera a escala.
La ola está formada de papeles de diferentes calidades y composición, unos sin intervenir y otros impresos. Partí de unos dibujos a lápiz previos evocando las capas de agua y las transparencias de las olas, los fotografíe y escaneé, imprimiéndolos finalmente sobre distintos papeles y con diferentes matices. En el estudio realicé piezas con capas de estas impresiones de unos 100 x 80 cm para poder transportarlas al museo y montarlas sobre la estructura en la sala. Cuando le propuse la pieza al comisario de la muestra, Óscar Alonso, acordamos que sería más rotunda, estructural y con espacios en blanco que me facilitarían el trabajo, dadas las dimensiones, pero en el proceso me dejé llevar por una especie de horror vacui y el dibujó acabó inundando toda la pieza.

– Como has mencionado antes, la cuestión de la representación de los hechos en imágenes y los discursos que transmiten son una de las claves más importantes de tu trabajo. En tu obra replanteas constantemente el punto de vista del poder sobre los oprimidos, con un discurso muy crítico y contundente. ¿Cómo identificas y desmontas estas formas de representación? 

Parto de la experiencia, vivimos en un contexto social privilegiado, pero sufrimos la violencia del sistema como testigos del dolor. Pascal Quignard recogía la idea de suavitas romana: suavidad es contemplar el naufragio desde la orilla. Los medios relatan las muertes en el mar como un accidente inevitable. Para desmontar estos mensajes además de la apropiación y la cita como estrategias, incorporo la palabra, por ejemplo textos de Homo Sacer de Giorgo Agamben, que describen la nuda vida del refugiado, para señalar que aquellas muertes son consecuencia de las políticas migratorias europeas, y denunciar la impunidad de nuestros estados. Durante la guerra de Siria llegaron muchos refugiados, dibujé los escombros entre lujosas vajillas rococó, estilo que identificaba con Europa. Cuando consiguieron llegar al campamento de Calais, advertí que justo era el lugar de origen del Grand Tour, imité sus souvenirs de viaje, sus planos de jardines… su estilo pintoresco; pero los motivos eran los campos de concentración nazis donde Europa les había acogido en su periplo.

Obras de Cenador para un jardín (2018) – Sara Quintero

Para abordar la inacción de Europa frente a los ataques a Ucrania y Palestina volví a relacionar presente y pasado. Planteé una reflexión desde las figuras del Círculo de tiza, (Helene Weigel, Elisabeth Hauptmann, Margarete Steffin y Ruth Berlau), las mujeres que ayudaron a crear a Bertold Brecht en el exilio huyendo del nazismo. Incorporé sus antiguas fotografías, también las de Zoya Kosmodemyanskaya, portada de Antígona, a los dibujos de paisajes de la actual destrucción. Si estamos anestesiados a la verdad de las fotos de prensa, quizá podamos reaccionar desde lo particular, pensando en las mujeres de nuestro presente, ucranianas y palestinas supervivientes, condenadas también a la pérdida y al exilio.

– ¿Cómo ves tu trayectoria y tu obra en este momento y qué te gustaría hacer en el futuro? 

Una trayectoria de resistencia, centrada en seguir trabajando a pesar de las dificultades, inconvenientes o carencias. A veces envidio a mis colegas que solo se dedican a la práctica artística, porque pueden concentrarse exclusivamente en ella, pero creo que compaginarla con la docencia me ha permitido cierta independencia y autonomía. En cuanto a la obra creo que el diálogo que estoy marcando entre disciplinas y formatos puede abrir nuevas posibilidades, disfruto con la investigación. Tras la última exposición pienso en profundizar en un dibujo de carácter instalativo; en continuar con las maquetas y emprender proyectos de carácter escenográfico de mayores dimensiones. Me gustaría también retomar la pintura para acercarme a las imágenes mentales que recreo. ¡Necesito otra vida para controlar la cerámica y el vídeo! Me ilusiona volver a trabajar con equipos y disfrutar del trabajo en común. Quiero seguir indagando en la crisis política pero también en nuevos temas. Cuando abordé el proyecto sobre Virginia Wolf realicé unas obras sobre el suicidio, es la primera causa de fallecimiento entre nuestros jóvenes y mayores, y estoy pensando en cómo desarrollarlo.

«Mi trayectoria es de resistencia, está centrada en seguir trabajando a pesar de las dificultades, inconvenientes o carencias.»

«En cuanto a la obra creo que el diálogo que estoy marcando entre disciplinas y formatos puede abrir nuevas posibilidades, disfruto con la investigación.»

– En este momento hay un gran debate por el uso de la Inteligencia Artificial generativa en las artes ¿qué opinión te merece? 

Es un debate que se repite cada cierto tiempo, cuando irrumpe una nueva tecnología. Se defiende como el inevitable progreso, se teme porque implicará la desaparición de lo anterior, pone en duda la creación y la autoría, los derechos… pero luego las rupturas no son tan radicales, la autoría o la originalidad ya estaban denostadas, y finalmente el mercado acabará imponiendo su deriva… La super-produción digital no será el paraíso como no lo fue la llegada de internet. La IA generativa es una revolución y como tal implicará grandes cambios, algunos positivos como en la ciencia y la salud, y otros demoledores como en el mundo laboral, en la ética y en el control de nuestras vidas. En las artes se perderán puestos de trabajo y el sector quedará todavía más en precario, desaparecerá la crítica cultural como le está sucediendo a la prensa de investigación. El arte se verá afectado como el resto de sectores de este neoliberalismo despiadado. La amenaza está en que Europa está cediendo a las presiones de los monopolios tecnológicos estadounidenses en retrasar las leyes que regulen su uso de forma ética y consciente, poniendo en peligro a la ciudadanía.

«Con la IA generativa el arte se verá afectado como el resto de sectores de este neoliberalismo despiadado.»

«La amenaza está en que Europa está cediendo a las presiones de los monopolios tecnológicos estadounidenses en retrasar las leyes que regulen su uso de forma ética y consciente, poniendo en peligro a la ciudadanía.»

– También eres profesora en Bellas Artes en la UCM, ¿qué tratas de inculcar a tus alumnos? 

La educación es un sector dónde la utilización de la IA pone en cuestión todo nuestro sistema de aprendizaje. Es el comienzo de una revolución que pone en duda todas las certezas que mantenían a la enseñanza ya en un frágil equilibrio. Así que hay una cuestión previa para todos los agentes implicados, sobre qué enseñamos, para qué, qué quieren aprender, cómo van a aprender… y desde ahí animo al estudiante a posicionarse y tomar conciencia. Pero en cualquier caso los planes de estudio de artes siempre parece que están en contradicción con los principios a los que aspiramos: cierran y delimitan, rompen con academias para fundar otras… Por eso siempre inculco a los estudiantes que independientemente del sistema o del profesorado que les haya tocado, con sus debilidades, carencias o errores, dirijan su formación desde el primer curso, que entren en profundidad en las materias, que experimenten, que estudien al margen de las asignaturas, que orienten y amplíen cuanto antes sus intereses. Que se formen un criterio para poder opinar y decidir. Que busquen profesores que les marquen, compañeros con los que poder iniciar una vida profesional juntos. Intento trasladarles que aunque trabajen desde la inseguridad si lo hacen con dedicación y cariño todo alcanza sentido. El arte no es solo una carrera, es en sí mismo una forma de conocimiento. No es solo una salida profesional, es una forma de relación con el mundo y tiene la capacidad de transformarnos. La universidad no es solo un lugar de estudio, es un espacio de transformación vital. Y ese crecimiento debe darse como persona, una vocación humanista que luego trasladarán a su contexto, no son solo alumnos, son agentes de cambio.

«El arte no es solo una carrera, es en sí mismo una forma de conocimiento. No es solo una salida profesional, es una forma de relación con el mundo y tiene la capacidad de transformarnos.»

«La universidad no es solo un lugar de estudio, es un espacio de transformación vital. Y ese crecimiento debe darse como persona, una vocación humanista que luego trasladarán a su contexto, no son solo alumnos, son agentes de cambio.»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas? 

Compaginar la docencia y la investigación con la práctica artística me deja poco tiempo libre y mucho estrés. Me gustaría ver más exposiciones y acudir a inauguraciones, cine, conciertos… pero no lo consigo. Intento pasar tiempo con mi pareja, familia y amigos. Hago algo de deporte, voy al campo en ocasiones, viajo…
Quisiera leer más y mejor. Quisiera tener más tiempo y no sentirme culpable por lo que estoy dejando de hacer.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad.

Tengo una sobrina de seis años y temo por el mundo que estamos construyendo, que es una verdadera distopía. Deseo que este mundo cambie al mejor posible, que acabe cuanto antes esta deriva hacia la extrema derecha y el desprecio a los derechos humanos.

«Deseo que este mundo cambie al mejor posible, que acabe cuanto antes esta deriva hacia la extrema derecha y el desprecio a los derechos humanos.»

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Sara Quintero – Instagram – Facebook

En los márgenes – Museo ABC

Sara Quintero en «Conexiones» de Metrópolis – La2

Entrevista en YANMAG «8 minutos con Sara Quintero» con el comisario de arte Andrea Perissinotto

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«En la performance no hay ni máscaras ni filtros: soy yo y mi vida»

Martín Tolosa Marín es artista. Nacido en el País Vasco, desarrolla su obra con el cuerpo siempre como punto de partida realiza instalaciones vivas donde se cruza con otras disciplinas como la pintura, la escultura o la fotografía. Con una simbología propia, su trabajo es directo, duro y honesto porque trabaja partiendo de recuerdos de momentos traumáticos de su propia vida. En la línea de sus predecesores del accionismo vienés, sus performances no dejan indiferente al público: a través del dolor y de la resistencia del cuerpo al que daña con diferentes objetos busca acceder a significados más profundos de sí mismo y del espectador.

Su obra ha podido verse en Museo Ruso (Málaga), Museo de Etnología (Castellón), Casa Colón (Huelva), Ecco-Espacio de Cultura Contemporánea (Cádiz), Feria de Arte Aparte X (Cáceres), La Casa Amarilla (Málaga), Feria de Arte Estival (Málaga), Ateneo Málaga, La Nit de L´Art de Castelló, Arrabal & Cia (Granada), y en Madrid en La Juan Gallery, Galería Theredoom, Espacio Nigredo, Feria JustMad con Hidden Gallery de Málaga, Est-Art, Nave 73 y Feria Art Battalion de WhiteLab entre otros.

– Naciste en el País Vasco ¿cómo fue tu vida allí y en qué momento empezaste a interesarte por el arte?

Si, nací en Rentería (Guipúzcoa), tuve una infancia impuesta y una adolescencia difícil, marcada por una depresión que me dejó sin poder expresarme, sin poder hablar durante años.
Un día, en el instituto donde estudiaba mecanizado y mecánica industrial -nada que ver con lo que hago hoy-, un compañero me enseñó a hacer malabares. En ese momento todo cambió, descubrí el circo y el arte como una nueva forma de expresarme.

«Tuve una infancia impuesta y una adolescencia difícil, marcada por una depresión que me dejó sin poder expresarme, sin poder hablar durante años»

– ¿Qué significa para ti el arte?

Para mí, el arte ha sido casa y refugio.
Es una herramienta que da voz, que invita a cuestionarse, a sentir y a remover.
En mi caso, se ha convertido en un proceso de sanación y comprensión:
mi manera de transformar el dolor en algo hermoso.

– Eres un artista que investiga diferentes disciplinas: la escultura, la fotografía, la pintura y el arte de acción ¿cómo desarrollas cada una de ellas y cómo es un día normal de trabajo?
 
En realidad, todas mis performances integran lo pictórico, lo escultórico, fotográfico y son instalaciones vivas, donde el cuerpo, espacio y público dialogan.
Desde mi primera performance en 2016 mi espalda se ha convertido en un lienzo, pintándolo con mi propia sangre y utilizando materiales tan dolorosos como el cristal o el alambre de espino entre otros.
Siempre busco la imagen en la acción, permitiendo que el cuerpo se transforme en escultura y que la instalación cobre vida.

Por lo general, las ideas surgen poco a poco, no lo suelo forzar, incluso las dejo reposar, es un proceso orgánico donde cada paso me acerca a mi esencia, a la verdad, en definitiva a mi vida.

«Mi espalda se ha convertido en un lienzo, pintándolo con mi propia sangre»

– La performance, en particular, es la disciplina por la que más se te conoce. ¿Cómo empezaste a desarrollar obras en este sentido?
 
Empecé en el mundo de la performance a raíz de una obra de teatro universalmente conocida: Hamlet, de Shakespeare. Durante los ensayos con mi directora, Susana Grillo, queríamos representar en el escenario el caminar de Hamlet hacia su casa, cargado de tristeza y amargura por la muerte de su padre. Buscábamos también transmitir el frío de Dinamarca, y ella propuso que caminara sobre hielo. Yo, en cambio, imaginé hacerlo sobre cristal.

Ahí se sembró la semilla de lo que más tarde se convertiría en mi camino dentro de la performance. Durante las improvisaciones me di cuenta de que lo que surgía no era solo interpretación, sino mi propia vida. Así descubrí un lenguaje nuevo para mí, el arte de la performance, donde pude empezar a expresarme.
Como siempre digo, mis performances son formas de sanar y entenderme, cada pieza representa una etapa diferente de mi vida.

«Mis performances son formas de sanar y entenderme, cada pieza representa una etapa diferente de mi vida»

 – Has trabajado en teatro y en publicidad como modelo. ¿Qué relación tiene para ti la performance con el teatro y la publicidad? ¿crees que hay más verdad en una que en otras? 

Para mí, la performance, el teatro y la publicidad son lenguajes diferentes, con códigos distintos, pero todos comparten un punto en común: el cuerpo como medio de expresión. En el teatro hay un guion y un personaje que interpretar; en la publicidad, un mensaje que vender. En la performance, en cambio, no hay máscaras ni filtros: soy yo y mi vida.

– Como has dicho anteriormente, en tus performances utilizas cuerdas, alfileres, clavos, cristales y alambre de espinos sobre el cuerpo desnudo. El dolor es parte del proceso de tu trabajo durante la acción ¿cómo te sientes en cada performance y por qué buscas las autolesiones?
 

La desnudez surge como una forma de mostrarme tal y como soy.
En cada performance, los materiales que utilizo me llevan al dolor y el dolor físico se transforma en un canal que me permite acceder a capas más profundas de mí mismo y del espectador.

Habito el dolor porque ha sido mi manera de aprender y comprenderme.
A través de él busco provocar, invitar al espectador a cuestionarse, a sentir, a mirar desde un lugar distinto.

«Habito el dolor porque ha sido mi manera de aprender y comprenderme»

– ¿Por qué crees que la historia de la performance está tan relacionada con el dolor?

Me imagino que como una necesidad de expresar aquello que no encontraba lugar en los lenguajes tradicionales del arte. 
El dolor físico, emocional, social , ha sido siempre una de las experiencias humanas más difíciles de contener y de representar. 
Entiendo que encontraron esta herramienta para poder expresarse.

– Has desarrollado performances en torno a las enfermedades mentales, ¿cuál fue el punto de partida? 

Con tan solo 19 años sufrí una depresión que me llevó a estar años sin poder hablar, esto acarreó graves consecuencias en el resto de mi vida. Estaba inmóvil, cabizbajo, perdido, sentado en una losa fría de un parque lluvioso.

En el comienzo de la performance Depresión utilizaba el café para representar que cada mañana filtraba el café con mis lágrimas. Quería meterme de lleno en esa idea, porque yo mismo viví esto en mi adolescencia.

Siempre uso el arte para sanar.
Decir en voz alta que las enfermedades mentales existen.
Insistir en que es fundamental acudir a profesionales para que te ayuden.

«Uso el arte para sanar»

Sí, la adicción y la vejez (Zahar) forman parte de mi propia vida y de la obra que estoy construyendo. Todo nace de Sempiterno: Espiral de Vida y Muerte, una performance que contiene mi vida entera y de la que voy extrayendo las distintas piezas que conforman la obra Hermosa e hiriente, VIDA.

Adicción fue una performance de una etapa muy concreta de mi camino. Este trabajo surge de una reflexión sobre el sistema en el que vivimos, que nos convierte en seres dependientes, llenos de apegos y adicciones. Utilizo la cuerda y el alambre de espino como símbolos de esa dependencia, tanto hacia el sistema como hacia la propia vida. Esta pieza la realicé junto al bailarín Rafael Rivero.

Zahar, que significa vejez en euskera, mi lengua materna, representa otra etapa vital. En ella hablo del dolor de envejecer en una sociedad que tiende al olvido y al desapego, y reflexiono sobre la belleza y la dureza que habitan ese proceso. Utilizo una bañera de cristal que simboliza el mundo actual: un espacio transparente y claustrofóbico, donde el espectador puede ver, pero no siempre comprender o conectar.

La forma en que el público observa la performance también es parte de la obra. Un espejo en el suelo, como si fuera un cuadro, refleja la acción. En ese momento aparecen gestos de culpa, vergüenza o derrota, y el cuerpo responde ante lo que ve. El cuerpo habla.

En todas mis performances está presente el triángulo, un símbolo constante en mi trabajo como en la performance La Asfixia, continuación de Depresión, donde permanecí cinco días enmarcado en esta forma. Siempre utilizo materiales fríos y calientes, y la espalda, donde digo que voy escribiendo mi historia, aunque en mi última performance decidí no usarla.

Quizás ahí empiece una nueva forma de comunicarme… no lo sé.

– ¿Hay un planteamiento político en tu trabajo?

Desde que empecé con la performance, siempre he hablado de mi vida. Fue la razón por lo que comencé en esto.
Aunque en alguna pieza que mencionaba antes, hago una crítica al sistema, mi esencia no es política en sí, sino vital. Mi punto de partida siempre es mi propia vida.

«Mi esencia no es política en sí, sino vital. Mi punto de partida siempre es mi propia vida.»

– ¿Qué duración tienen tus performances y cómo manejas el tiempo? ¿tienes siempre clara una estructura de cada pieza?
 

La duración de mis performances ha variado mucho, desde veinte minutos hasta cinco días.
Suelo tener una estructura y unas imágenes claras en mi mente, pero dejo siempre espacio para lo que ocurra. Dependiendo del lugar y del público, la acción puede transformarse. Me gusta que cada performance respire con lo que el momento pide.

– ¿Cambia la percepción de las performances cuando las presentas en diferentes contextos: teatros, museos, centros de arte o galerías? 
 
Como decía antes, cada espacio es único, y por eso siento que cada uno merece algo diferente. No hago nunca la misma acción de la misma manera. 

– ¿Cómo reacciona el público a tu trabajo? ¿buscan interactuar contigo? ¿qué impresiones te comentan después de cada performance?
 

El público es parte de la performance.
Las reacciones son muy variadas: hay quien conecta profundamente, quien siente incomodidad y quien directamente se va.
Entiendo que mi arte es provocador; invito al público a reflexionar, a sentir, a confrontarse con algo suyo. Así concibo mi trabajo y, así concibo el arte.

«Mi arte es provocador; invito al público a reflexionar, a sentir, a confrontarse con algo suyo. Así concibo mi trabajo y, así concibo el arte.»

– ¿Cómo realizas las fotografías de tus performance y qué importancia tiene la luz en ellas?

He trabajado con varios fotógrafos pero con el que más es Valiente Verde, quien entiende mi forma de percibir y todas las imágenes que quiero crear. El incluso sin ningún tipo de ego me aporta ideas propias, y juntos hacemos que la fotografía se convierta en mi esencia.
Está claro que sin luz no hay fotografía.

– ¿De qué manera pueden adquirir tu obra los coleccionistas? 
 
Vendo las fotos de mis piezas a través de mis redes sociales, @martintolosamarin. En este momento estoy pendiente de crear una web.

– ¿Cuáles son tus referentes dentro y fuera del arte? 

Todo lo que he creado ha salido de mí.
Hasta que, en un viaje a Berlín para visitar a mi amiga Martyna Poznańska, también artista, me habló sobre el accionismo vienés, Gunter Bruss…. A partir de ahí empecé a investigar y aluciné con la conexión que teníamos.

– ¿Cómo puede crecer tu trabajo dentro del arte contemporáneo?

Me gustaría poder mostrar mi trabajo por todo el mundo:
en espacios como Museo Reina Sofía, Artium Museoa, Tabakalera, Rekalde Aretoa, MUSAC, Museo de Arte Helga Alvear, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander, Matadero Madrid, el Museo Thyssen o el MoMA.
Y que algún día aparezca en medios como ABC o El País.

– ¿Qué consejo darías a un artista que quiera desarrollar una carrera dentro del arte contemporáneo?

Que haga lo que sienta, que no se rinda porque es una carrera de fondo.

– ¿Qué proyectos tienes para el futuro más próximo y cómo te gustaría verte dentro de diez años?
 
De momento este año va ser un año muy tranquilo, estoy creando desde otro lugar. 
En diez año estaré mostrando mis exposiciones y realizando mis performances. 
Abrazado al arte y a los artistas.

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?
 
Mi cabeza nunca para.

– Tu perro Lobín te acompaña siempre y en todo momento ¿qué te aporta su compañía?

Lobín es parte de mi vida, donde voy yo, va él. Hemos estado juntos en teatros, cines, conciertos y en todo tipo de espacios, y por supuesto, me acompaña en cada performance, el también es performer (risas). Viajamos mucho, compartimos camino, subimos montes y ladramos a las olas del mar. Para mí es más que un perro es amor incondicional, mi familia y mi compañero de vida. Lobín es mi ángel de la guarda, es luz.

Maite Zaitut Lobin (Te amo Lobín)

«Lobín es mi ángel de la guarda, es luz.»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad.
 
Me gustaría seguir sintiendo. Siempre voy descalzo en mis performances y en las fotos que realizo de mis acciones.

Una manera de inmortalizar que siempre caminaré sintiendo.

Deseo para toda la humanidad que caminen sintiendo.

«Me gustaría seguir sintiendo»

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Diseñador de la chaqueta – Marcos Ocaña – Rondine

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«Busco ser un apoyo para que los artistas puedan centrarse en lo que realmente importa: su obra y su discurso»

Marta Bueno es Studio Manager para artistas, asesorándoles y guiándoles de manera práctica en su carrera para conseguir sus objetivos. Es también fundadora del podcast Archetypes con el que trata de divulgar de manera clara, transparente y cercana sobre el mundo del arte contemporáneo.

Su amplia y sólida formación abarca grado en Derecho por la Univeridad de Valladolid, grado en Historia y Patrimonio por la Universidad de Burgos, MBA en Administración y dirección de empresas por la Universidad de Valencia y Máster Internacional en Mercado del Arte por Barreira Arte+Diseño. Todo ello le ha dado una visión muy completa y práctica sobre el mundo del arte que utiliza para asesorar y divulgar.

Por esta razón ella es VII Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG y damos a conocer a esta profesional apasionada por el mundo del arte en esta entrevista.

– Eres Licenciada en Derecho por la Universidad de Valladolid, Graduada en  Historia y Patrimonio por la Universidad de Burgos, MBA en Administración de Empresas por la Universidad de Internacional de Valencia y Máster en Mercado Internacional del Arte por Barreira Arte + Diseño. ¿Cómo ha sido la elección de todos tus estudios y qué supuso cada etapa de formación para ti?

Pues derecho fue inicialmente por aquello de “asegurarte el pan”, pero nunca me gustó realmente. Al terminar, en casa di el “disgusto” de que no iba a continuar con algo relacionado con esa carrera y, además, que quería estudiar Historia y Patrimonio, una opción muy de humanidades. Al principio tampoco me convenció: en Burgos está muy enfocado a Prehistoria, Atapuerca y Arqueología, y me frustraba mucho sentir que eso tampoco era lo mío. Pero por fin llegaron las asignaturas de Historia del Arte y ahí sentí el flechazo, sobre todo con los movimientos contemporáneos. Para mi gusto se daban muy pocas, así que continuaba formándome de forma autodidacta.

Cuando empecé a preparar el TFG estaba completamente perdida: no me gustaba ninguno de los temas propuestos y pedí voluntariamente hacerlo sobre mercado del arte, algo que nunca se había tratado en la carrera. Me lo concedieron y ahí encontré lo que realmente me apasionaba. Al inicio pensaba que encajaba más en casas de subastas y mercado secundario, pero aún me quedaba mucho por recorrer.

Al terminar, tenía claro que necesitaba formación en economía —un área que nunca se aborda en humanidades—, así que cursar un MBA no era negociable. Después encontré el máster en Mercado del Arte en Barreira, que me pareció una especialización idónea, y realmente lo fue. Aunque al principio tampoco encontraba mi lugar, me atrapó lo que veíamos en clase sobre el papel del galerista dentro del mercado. Llegué a pensar que mi destino final sería trabajar en una galería o fundar la mía propia.
Pero tras las prácticas del máster, y un tiempo algo perdida en el sector, descubrí que lo que de verdad me gustaba era, por un lado, comunicar mi pasión por el arte y tratar de trasladársela a todos con quienes hablaba. Muchas veces me insistieron en que debería tener un podcast porque, literalmente, doy bastante «la matraca» con el tema.

También me di cuenta de que en el sector hay espacio para más voces, y que muchas veces lo que aleja a la gente del arte no es el arte en sí, sino la forma en que se transmite o la imagen que proyecta. Pensé que esa comunicación podía hacerse de una manera atractiva, sencilla y cercana. Y me pregunté: si existen un montón de podcasts sobre moda, historia, economía o emprendimiento, ¿por qué de arte hay tan pocos? Así que dije: «venga, pues adelante».

Por otro lado, el contacto directo con los artistas: ayudar en la gestión de sus carreras, descubrir nuevas voces, trabajar en aplicaciones de becas y convocatorias… Ese acompañamiento, que no está necesariamente orientado a la venta como en una galería, sino más bien a que los artistas encuentren en mí un apoyo para lograr posicionamiento en el sector.

«descubrí que lo que de verdad me gustaba era, por un lado, comunicar mi pasión por el arte y tratar de trasladársela a todos con quienes hablaba»

«muchas veces lo que aleja a la gente del arte no es el arte en sí, sino la forma en que se transmite o la imagen que proyecta«

– ¿Qué significa para ti el arte y por qué te apasiona?

Creo que el arte es lo más bonito que me ha pasado en la vida. Mis abuelos nos llevaban a mi hermana y a mí al MUSAC; no sé muy bien por qué, pero era parada obligatoria cada vez que íbamos a León con ellos de vacaciones. Creo que en parte mi relación con el arte nace de ahí, de esa sensación de felicidad en un sitio lleno de colores, y también porque me reconforta pensar que ellos, desde arriba, ven que soy feliz gracias a ello.

Para mí el arte es mi vida: es lo que me emociona, lo que me nutre y lo que me impulsa a pelear día a día para estar presente y aportar al sector. Creo que ya he perdido el miedo a sentirme perdida —porque es parte del camino—, pero no he perdido el miedo a fallar. El arte me duele y me fascina a la vez. Estoy enamorada de este sector que escogí; me obsesiona. Solo quiero visitar, conocer, descubrir, seguir formándome y tener la seguridad de cada paso que doy.

«Para mí el arte es mi vida: es lo que me emociona, lo que me nutre y lo que me impulsa a pelear día a día para estar presente y aportar al sector.»

«El arte me duele y me fascina a la vez. Estoy enamorada de este sector que escogí; me obsesiona.»

– Has sido coordinadora de exposiciones del MUSAC, ¿cómo fue esta experiencia para ti?

El MUSAC significaba mucho para mí porque era el lugar en el que tantas veces había estado con mi hermana y mis abuelos… y donde de pequeña soñaba con trabajar, aunque no supiera muy bien en qué. Recuerdo que con mi hermana jugábamos a organizar las obras de los catálogos que nos llevábamos y las “colgábamos” imaginariamente por el pasillo de la casa de mi abuela.

Trabajé allí durante mis prácticas de la universidad. El MUSAC está en León y yo en ese momento estudiaba a distancia desde Valladolid, así que me levantaba todos los días a las cinco de la mañana para coger el tren hasta León, hacer las prácticas y volver a Valladolid a mi trabajo de jornada parcial en El Corte Inglés. Fue agotador, pasé muchísimo frío, pero mereció totalmente la pena: era la primera vez que trabajaba en algo relacionado con mis estudios y estaba que no me lo podía creer.

La experiencia real de trabajar en MUSAC me dio muchísima estructura y me demostró que era capaz de casi todo, que no me había equivocado con el camino. Me di cuenta de que quizá la parte más institucional no era lo mío, pero organizar exposiciones, ver cómo se vertebraban los conceptos, cómo cambiaban los espacios de una muestra a otra y descubrir esa vida interior que tienen los museos —esa parte que el público no suele ver— fue algo que me fascinó.

– También has sido asistente de galería. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar en una galería de arte contemporáneo? 

Realizar prácticas en una galería supuso un punto de inflexión. Después de la experiencia en el museo y ahora en la galería pensé que, por fin, había encontrado mi lugar en el sector… pero fue revelador descubrir que no era así, que aún debía seguir buscando y aprendiendo. No he descartado del todo la idea de trabajar en una galería, pero de momento considero que ya hay muchos profesionales que lo hacen muy bien y que mi papel no está ahí.

Me di cuenta de que no tengo la parte comercial: nunca he sido buena vendedora, aunque mis años de estudios los pasé trabajando de cara al público como dependienta. Incluso entonces era más feliz en el almacén organizando pantalones y camisetas que en atención al cliente. En la galería me pasaba algo parecido: disfrutaba mucho más con las tareas de organización del día a día, el papeleo, las convocatorias, las facturas, la programación, los montajes y desmontajes. Esa parte me fascinaba.
Siempre me ha costado sociabilizar; ahora lo hago porque es necesario para mi proyecto, aunque muchas veces pienso que si alguien presentara el podcast por mí y me dejara la parte de guion, edición y gestión, sería mucho más feliz. Supongo que todos tenemos inseguridades, pero vencer los miedos es necesario para crecer, así que voy poco a poco.

Trabajar en la galería me dio algo fundamental: claridad. Supe qué no quería en mi vida laboral, descubrí en qué aspectos sí era buena, también que debía aprender mucho muchísimo sobre artistas, movimientos y conceptos y recibí el empujón para salir de la zona de confort y atreverme a tener un proyecto propio. Fue también el momento en que me dije: esto tiene que funcionar, porque no pienso volver a trabajar para nadie más en la vida.

«Recibí el empujón para salir de la zona de confort y atreverme a tener un proyecto propio.»

«Fue también el momento en que me dije: esto tiene que funcionar, porque no pienso volver a trabajar para nadie más en la vida.»

– En tu opinión, ¿cómo debe ser la comunicación sobre arte contemporáneo para que llegue a público que no está familiarizado?

Creo que la comunicación sobre arte contemporáneo debe ser simple, accesible y cercana. No puede servir para reforzar prejuicios ni estigmatizar más a un sector que de por sí ya tiene barreras muy altas, sino justo para lo contrario: abrir caminos. Vivimos en una generación privilegiada en cuanto al acceso a la cultura, pero, por algún motivo, desde ciertos sectores se empeñan en dificultar este acceso, como si hubiera que mantenerlo exclusivo.

Siempre se repite la frase de que “el arte contemporáneo no es para todo el mundo”. Yo pienso que, lo primero, es permitir que todo el mundo lo conozca y, a partir de ahí, que cada persona decida si le interesa o no. Igual que cuando vamos al cine: puede que una película nos guste más o menos, pero eso no nos hace ni mejores ni peores espectadores. Tenemos criterio, gusto y apreciación propios, y con el arte contemporáneo debería pasar exactamente lo mismo.

Lo que sucede es que si ya de entrada el público general se encuentra con puertas cerradas, con discursos difíciles de descifrar o con esa sensación de elitismo, lo normal es que no se sienta conectado ni representado. Y eso nos devuelve a una situación que no podemos permitir: la del arte como algo exclusivo de unos pocos privilegiados. Antes eran el clero, la nobleza o la burguesía; hoy, el riesgo es que volvamos a caer en un modelo donde solo quienes tienen dinero o formación académica puedan acercarse al arte.

Es que, al final, los artistas representan ideas, aspectos y cuestiones sociales de la realidad actual. Trabajan con conceptos que, como seres humanos, nos interpelan directamente: nos ayudan a formar opinión, a desarrollar pensamiento crítico, igual que lo hace la filosofía, otra disciplina que parece haber quedado en el olvido. Y si todas esas herramientas que nos permiten profundizar en las distintas capas de los hechos que vivimos a diario se dejan de lado, lo que queda es una sociedad que se queda solo con lo superficial. Que está bien, lo superficial también tiene su lugar, pero necesitamos algo más: necesitamos disciplinas que nos inviten a pensar, cuestionar y mirar más allá de lo evidente.

La realidad es que ahora tenemos una suerte increíble: la mayoría de los museos, galerías o espacios expositivos son gratuitos y de libre acceso. Y, desde mi experiencia personal, nunca me he encontrado a alguien que se riera de mí por no entender algo. Al contrario, siempre he encontrado a profesionales dispuestos a explicar. Y si alguna vez me he cruzado con alguien borde, pues como en todos los sectores: con no volver basta.

Por eso pienso que la comunicación cultural debería desprenderse de ese halo de complejidad y elitismo, y apostar por ser más transparente, directa y abierta. Y además, debería modernizarse. No pasa nada por inspirarse en lo que ya hacen otras disciplinas, como la moda. La alta costura, por ejemplo, mueve millones, pero aunque no seas consumidora de esas prendas puedes seguir un desfile, leer revistas, seguir creadoras de contenido en redes sociales y apasionarte igual. El arte contemporáneo debería aprender de eso: permitir que cualquiera pueda acercarse, que exista esa posibilidad de descubrir, y que no haya barreras simbólicas que te digan “esto no es para ti”.
En definitiva, la comunicación sobre arte contemporáneo debe aspirar a ser un puente y no un muro.

«necesitamos disciplinas que nos inviten a pensar, cuestionar y mirar más allá de lo evidente»

«la comunicación sobre arte contemporáneo debe aspirar a ser un puente y no un muro»

– Dentro de tu experiencia dentro del sector, ¿qué necesidades has detectado que tienen los artistas noveles?

Opino que al salir de las carreras y másteres falta muchísima información práctica. Con el tiempo, en el ejercicio de la profesión, uno va adquiriendo esa experiencia, pero lo cierto es que se sale al mundo con un conocimiento puramente teórico, sin haber enfrentado problemas reales como: presentar una convocatoria, preparar un portafolio, hacer una factura, conocer tus derechos de autor o cómo funciona el régimen de autónomos. Son muchas cosas, y en demasiadas ocasiones los galeristas que representan a los artistas tampoco cumplen con informarles o apoyarles en estas tareas. En definitiva, el artista termina siendo empresario y productor al mismo tiempo, y si tu mente está ocupada en resolver cuestiones administrativas en lugar de centrarte en tu pintura o en construir tu discurso artístico, acabas relegando lo esencial: la creación.

A esto se suma la precariedad que todos sabemos que existe y que muchas veces obliga a los artistas a tener trabajos secundarios o side jobs. Esa situación hace que la práctica artística quede reducida a unos pocos que sí pueden permitirse ayuda externa o dedicarse de lleno a producir. Y claro, esto se agrava si eres artista emergente o recién salido de la universidad: trabajos temporales, mal pagados, becas que no llegan, ingresos que se retrasan, noes constantes o simplemente no-respuestas. Es un sector muy crítico para poder generar obra. Si ya para cualquier profesional liberal —un abogado, un economista, un arquitecto— el contexto es estresante y difícil, para un artista lo es todavía más.

Por otro lado, creo que tampoco están claros los pasos a seguir en una carrera artística. Por ejemplo: si sales de Derecho, sabes que puedes hacer el máster de acceso a la abogacía u opositar. Pero cuando sales de una carrera de humanidades, la salida que más se señala es la docencia, sin animar a los estudiantes a pelear por su carrera artística o a explorar otras vías. No se muestran todas las oportunidades que ofrece una formación en humanidades. Y menos aún se enseña cómo iniciar una carrera artística, qué pasos dar, cómo acercarse a galerías o a profesionales del sector.

Tampoco hay una preparación psicológica, que considero fundamental: para lidiar con la frustración, con las expectativas, con la realidad del “no” que vas a recibir muchas veces. Y se da muy poca relevancia al networking, cuando es clave. Creo que lo que falta es estructura, claridad, y sobre todo más profesionales que estén activos en el mercado del arte y que puedan aportar testimonios reales dentro de las universidades y escuelas de bellas artes.

No digo que desde las universidades se deba ofrecer un esquema cerrado y matemático —porque cada artista y cada trayectoria son únicas—, pero sí es importante que se dé una idea realista de lo que hay fuera de la escuela. Eso ayudaría a que quienes empiezan lo hagan con más herramientas y con una visión más clara del contexto al que se enfrentan.

«se sale al mundo con un conocimiento puramente teórico, sin haber enfrentado problemas reales como: presentar una convocatoria, preparar un portafolio, hacer una factura, conocer tus derechos de autor o cómo funciona el régimen de autónomos»

«Si ya para cualquier profesional liberal —un abogado, un economista, un arquitecto— el contexto es estresante y difícil, para un artista lo es todavía más.»

– En la actualidad ofreces servicios de studio manager para artistas ¿en qué consisten, cómo puedes ayudar a los artistas y qué perfil es el más adecuado para tus asesorías?

Sí, ofrezco servicios de studio manager muy personalizados, pensados casi como un traje a medida. No me interesa llevar a muchos artistas, al contrario: me gusta trabajar con una cartera reducida, de unas cinco o diez personas en total. La idea es poder acompañar tanto a artistas emergentes, como a algunos en un estadio más avanzado —mid-career o en camino a consagrarse—, para poder dedicarles el tiempo y la atención que realmente requieren.

Mi manera de trabajar empieza por conocer a fondo las necesidades de cada artista. A partir de ahí, ofrezco un servicio integral que puede incluir la búsqueda de una galería adecuada, búsqueda de la primera exposición, la preparación y envío de solicitudes para premios, becas y residencias, la elaboración de mailings y contactos previos a ferias, así como el acompañamiento legal, fiscal y administrativo. También apoyo en la construcción del portafolio, la redacción de aplicaciones, la comunicación y, si lo necesitan, la gestión de sus redes sociales.

Todo el servicio que ofrezco se adapta a la situación de cada artista: no es lo mismo alguien que empieza que alguien que ya está consolidando su trayectoria. Mis precios también son flexibles según esas circunstancias, porque creo que el acompañamiento debe ser realista y sostenible.
Además, ofrezco consultorías puntuales de una hora para aquellos que requieran algo más puntual. En esas sesiones trabajo de forma muy intensiva sobre el caso concreto del artista, y trato de dar toda la información práctica posible para que se vaya con herramientas claras, ideas aplicables y una visión más estructurada de sus próximos pasos.

En definitiva, lo que busco es ser un apoyo y un acompañamiento para que los artistas puedan centrarse en lo que realmente importa: su obra y su discurso. Todo lo demás —la gestión, las aplicaciones, la estrategia— lo podemos trabajar juntos, para que no tengan que enfrentarse solos a un sector que muchas veces resulta abrumador.

«busco ser un apoyo y un acompañamiento para que los artistas puedan centrarse en lo que realmente importa: su obra y su discurso»

«Todo lo demás —la gestión, las aplicaciones, la estrategia— lo podemos trabajar juntos, para que no tengan que enfrentarse solos a un sector que muchas veces resulta abrumador.»

– Eres fundadora del podcast Artchetypes ¿cómo surgió la creación de este espacio y qué objetivo tiene?

Todo surge a raíz de algo muy personal: cuando terminé Derecho nunca supe explicar en casa —sobre todo a mi madre— a qué me quería dedicar, igual me pasó al terminar Historia, el máster y las prácticas, me costaba definirlo. Decía que quería trabajar en el arte contemporáneo, pero no era artista, ni galerista, ni trabajaba en una casa de subastas. Y en ese “no saber cómo nombrar” encontré un vacío. Lo que más me gusta es escuchar. Sin embargo, no encontraba una plataforma que sirviese como escalón de entrada al sector, un espacio para conocer sus inicios, sus cimientos, sus dinámicas internas y la enorme variedad de perfiles que lo componen.

Así nace Artchetypes: como un espacio seguro, un lugar para todas aquellas personas que aman el arte contemporáneo, pero no encuentran un sitio claro en el que estar. Me gusta pensarlo como una plaza con un parque: ese sitio donde quedas con tus amigas para charlar, pero en lugar de hablar de cualquier otra cosa, el tema es el arte y todo lo que conlleva. A través de estas conversaciones quiero dar a conocer las diferentes voces que vertebran el sector, de manera que quien llegue —sobre todo artistas o profesionales que, como yo tras acabar el máster, se sientan un poco perdidos— pueda descubrir caminos y discursos que muchas veces permanecen invisibles.

El podcast también busca desmitificar ese elitismo que se le atribuye al arte contemporáneo. Existe todavía la idea, reforzada por medios generalistas, de que se trata de un mundo exclusivo para unos pocos con alto poder adquisitivo. Pero eso es una imagen muy sesgada: se construye a partir de los precios más visibles y de una pequeña muestra del sector. En realidad, hay muchas otras formas de participar y acceder. Basta mirar a países como Alemania o los del norte de Europa, donde existe una cultura de compra de arte entre gente común —abogados, médicos, panaderos—, algo que en España todavía no ocurre. Se trata de normalizar la idea de que, en lugar de comprar láminas, es posible adquirir obra original por un poco más, y que eso forme parte de la vida cotidiana.

En definitiva, Artchetypes nace de la necesidad de repensar cómo se vertebra el sector y de generar un cambio de paradigma en la manera de comunicar al público general lo que ocurre dentro de él. Quiero ofrecer una visibilidad clara, menos opaca, para que se entienda la importancia de lo que hacemos. Y creo que el formato podcast y las redes sociales son clave en esto: son los nuevos medios de comunicación, los que realmente llegan a las nuevas generaciones. Desde ahí podemos replantear estas dinámicas, acercar el arte a la gente e incentivar que consumir y ver arte no se perciba como una acción elitista, sino como algo cotidiano y natural en nuestro día a día.

«Artchetypes nace de la necesidad de repensar cómo se vertebra el sector y de generar un cambio de paradigma en la manera de comunicar al público general lo que ocurre dentro de él»

«Quiero ofrecer una visibilidad clara, menos opaca, para que se entienda la importancia de lo que hacemos.»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Pues me encantaría poder establecer un centro o residencia para artistas, un espacio donde ellos puedan dedicarse exclusivamente a su producción artística sin tener que preocuparse de si tienen que preparar este u otro formulario para una beca, un premio o una residencia. La idea sería que ese centro pudiera ofrecerles un apoyo integral, encontrar las mejores oportunidades para cada uno, hacerles, en definitiva, un traje a medida.

Creo que existe muchísima precariedad dentro del sector y faltan espacios donde los artistas, o incluso los curadores, puedan desarrollar su trabajo de manera digna. No podemos olvidar que el arte que producen, o los textos que escriben, son testimonios vivos de la historia que estamos viviendo ahora mismo: es el legado que vamos a dejar a nuestros hijos y nietos.

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

La verdad es que no hay un tiempo en el que no trabaje; siempre llevo el teléfono encima y al final es lo que tiene poner en marcha un proyecto propio. Pero, fuera de eso, me considero muy deportista: me encanta salir a correr y, sobre todo, nadar en el mar. También disfruto mucho leer, escribir o dedicarme a mejorar mis skills de edición de vídeo y audio.

Salir por Valencia es algo que me da mucha vida, aunque también disfruto muchísimo de la soledad: pasear sola, visitar galerías o museos sin llevar la cámara encima, simplemente para mirar y dejarme llevar. Soy bastante DIY: me gustan las manualidades, hacer mis propios complementos o cosas para la casa. Me encanta limpiar y reorganizar mi vida casi cada semana (es un ritual), siempre con un podcast de True Crime de fondo.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que mis proyectos de asesoría de artistas y divulgación sobre arte contemporáneo sean económicamente sostenibles, tener 4 hijos y poderles dar la estabilidad y seguridad que yo no tuve. Y que esta seguridad sea siempre gracias a mi trabajo como studio manager y al podcast Artchetypes.

«Que mis proyectos de asesoría de artistas y divulgación sobre arte contemporáneo sean económicamente sostenibles»

Más información

Marta Bueno – LinkedIn – Instagram

Artchetypes – Instagram – Spotify

La entrada Marta Bueno – Studio Manager para artistas y Fundadora del podcast Archetypes se publicó primero en YANMAG.

«ArtQuake Gallery se centra en el artista emergente con proyección de futuro»

ArtQuake Gallery es una galería de arte emergente fundada por Daniel Ortiz. En estos tres años de vida el proyecto se ha enfocado en el descubrimiento, crecimiento y acompañamiento de nuevos talentos. Trabajan codo a codo con jóvenes artistas, guiando su desarrollo y conectando su obra con el público y los espacios adecuados. A los que se inician en el coleccionismo de arte, además les brinda asesoramiento especializado para facilitar su entrada en el mercado del arte y construir una colección con identidad y visión de futuro.

En esta entrevistamos conversamos con su director, Daniel Ortiz y dos de sus prometedores artistas, Belén Lei Lei y James Alfred Hart.

DANIEL ORTIZ

«Quiero que ArtQuake, vaya donde vaya, sea un proyecto fiel a mis principios»

Daniel Ortiz es director de ArtQuake Gallery. Es Graduado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, con un año de Beca Erasmus en la Université Paris IV Sorbonne de París y un Máster en la Universidad Complutense de Estudios Avanzados en Museos y Patrimonio Histórico-Artístico.

Trabajó como mediador cultural en Casa Batlló en Barcelona y en servicios generales en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Posteriormente, su paso por la Galería Espacio Valverde, le descubrió una nueva pasión, el mercado del arte contemporáneo, que le ha llevado a crear su propia galería, ArtQuake.

– Eres Licenciado en Historia del Arte, con un Máster en Museología por la UCM ¿cuándo comenzó tu interés en el arte y por qué decidiste que querías que fuera tu área de trabajo?

Mi primer contacto con el arte fue algo tardío, a los 17 años. En segundo de bachillerato, nos llevaron al Museo del Prado. Era la primera vez que iba en mi vida. Y fue un flechazo. Al terminar bachillerato me metí en la carrera de Historia, pero en segundo año me cambié a Historia del Arte, porque era lo que de verdad me llamaba, lo que me motivaba y se me daba bien.

– ¿Cómo concibes el arte?

Vivimos en unos tiempos muy asépticos, en los que el arte y las disciplinas humanísticas están muy denostadas, y yo las veo completamente necesarias para despertar nuestra sensibilidad y nuestro espíritu crítico. La economía, el derecho y las ciencias puras son temas necesarios, pero no te dan esa capacidad de entender el mundo que nos rodea desde diferentes perspectivas, entrar en la mente de otros, como hace el arte.

– ¿Qué tipo de artistas te interesan?

Lógicamente, como todo en esta vida, cuando algo nos gusta, es porque primero nos ha entrado por los ojos, pero en mi caso, hay artistas con una calidad increíble con los que no he llegado a colaborar porque su discurso, lo que subyace en su obra, estaba vacío. Y ahora mismo, en el punto en el que se encuentra ArtQuake, me centro mucho en el artista emergente, entendiéndolo como un artista joven, con una proyección de futuro, con una obra de calidad y una propuesta teórica detrás muy trabajada. Es tan importante el continente como el contenido.

– Eres fundador ArtQuake Gallery y llevas 3 años trabajando en el proyecto ¿por qué te decidiste a fundar tu propia galería y cuál ha sido el propósito?

Aunque parezca extraño, tengo la especialidad en Arte Medieval, y mi plan inicial era continuar con el doctorado para dar clases en la Universidad, pero a raíz del Máster, cuando entré de prácticas en la Galería Espacio Valverde, me fui adentrando en el mercado del arte. Estar en el día a día de Jacobo y de Asela, los directores de la galería, fue una experiencia decisiva para iniciar este proyecto. Aprendí muchísimo de ellos, y llegó un momento en el que yo quería seguir sus pasos, contribuir con mi forma de entender el arte y la vida, tanto en el público general como en el más consagrado al ámbito galerístico y del mercado del arte.

«cuando entré de prácticas en la Galería Espacio Valverde, me fui adentrando en el mercado del arte»

«Aprendí muchísimo de ellos, y llegó un momento en el que yo quería seguir sus pasos, contribuir con mi forma de entender el arte y la vida»

– ¿Cómo está siendo el recorrido de la galería y a qué tipo de coleccionista se dirige ArtQuake Gallery?

Lento pero seguro. Estoy dando pequeños pasos, que al final es como se hacen las cosas bien cuando empiezas desde cero. Pero está siendo fascinante, y un aprendizaje increíble. Estoy conociendo personas asombrosas en el camino, no sólo artistas, sino también colegas galeristas como Beatriz Pereira, directora de Galería Beatriz Pereira; Luis López, director de INEDITAD Gallery y agentes culturales, como Óscar Manrique o Inés Alonso, por citar unos pocos ejemplos, con los que he tenido el placer de trabajar. Con respecto al tipo de coleccionista, no tenemos un perfil concreto, ya que en los tres años de existencia de la galería, han confiado en nosotros desde jóvenes coleccionistas que están iniciando su colección, hasta coleccionistas experimentados. Lo que sí agradezco es poder tener varios coleccionistas que están apoyando muchísimo el proyecto desde que lo conocieron, ya no sólo apostando económicamente por mis artistas, sino también con sus palabras de ánimo y cariño, y su presencia en cada exposición y feria. Son un auténtico tesoro.

– Dentro de los artistas que representas, se encuentran Belén Lei Lei y James Alfred Hart ¿qué te interesó de sus respectivas obras y por qué te decidiste a trabajar con ellos?

Igual que me pasó con el arte, yo con mis artistas siento un flechazo. En el caso de Belén, tengo que remontarme a JustMad 2023, cuando vi sus obras en el stand de su Universidad, comisariado por Daniel Silvo. Lo genuino de su propuesta a nivel visual, y su forma de ser como artista, me convencieron de inmediato de que tenía ante mí a una artista con una proyección increíble.

En el caso de James, nos conocimos por casualidad, mientras yo trabajaba en Espacio Valverde. Él estaba visitando la galería, y empezamos a charlar. Le seguí en Instagram, y cuando inicié el proyecto de la galería contacté con él para que me enviase su obra. La forma en la que trata el color, la espontaneidad de sus trazos, y la facilidad con la que creaba el lenguaje de cada obra, me pareció asombroso. Y, tanto ellos, como el resto de los artistas de la galería, son bellísimas personas, que eso a la hora de trabajar es esencial.

«Igual que me pasó con el arte, yo con mis artistas siento un flechazo.»

«tanto Belén y James, como el resto de los artistas de la galería, son bellísimas personas, que eso a la hora de trabajar es esencial.»

– ¿Qué proyectos tienes con cada uno de ellos?

De momento, con Belén vamos a hacer una pequeña pausa. Es una artista muy joven y no quiero quemarla. Quiero que disfrute de todo lo bonito que le ha pasado en apenas año y medio. La presenté en OBERTURA 2023, y en septiembre de 2024 expuso en la colectiva que hicimos en Galería Nueva Doctor Fourquet, junto a INEDITAD Gallery y Galería Beatriz Pereira. En noviembre presentamos varias obras nuevas en la inauguración de UN LUGAR, el espacio de Óscar Manrique en Carabanchel, y en marzo expuso el solo project en Hybrid Art Fair 2025. Con respecto a James, después de presentar de forma exitosa su obra en la edición de OBERTURA 2024, estamos preparando un proyecto comisariado por Inés Alonso.

«Belén expuso el solo project en Hybrid Art Fair 2025»

«Con James estamos preparando un proyecto comisariado por Inés Alonso»

– ¿Qué más artistas representas en la galería y qué destacas de cada uno de ellos?

La galería ha ido teniendo un enfoque hacia la pintura. Prueba de ello son Laura Julián Bernad, una artista que está en proceso de crecimiento con su obra a través de una revisión del suprematismo y de la abstracción geométrica.

Jul Martín, una artista muy centrada en la pintura neopsicodélica, en el proceso de creación de la obra en sí, más que en su resultado, y en la reacción de los elementos a distintos agentes implicados en su creación.

Luego está Aisha Ascóniga que, si bien es cierto, su ámbito más común es la pintura, es una soberbia artista multidisciplinar, ya que trabaja tanto grabados, instalaciones y collages, orientados a la identidad, por lo general, en torno a la figura de la mujer.

Por último, pero no menos importante, cuento con dos excepcionales fotógrafos que han expuesto recientemente sus nuevos proyectos en UN LUGAR. De Unai Mateo, destaco su tremenda sensibilidad para captar la belleza de instantes puramente cotidianos, esto es, sin un escenario preconcebido que pretenda serlo. Y Patry Martín, trabaja extraordinariamente conceptos como el amor y la sexualidad desde una visión muy introspectiva pero universal a la vez.

Próximamente se van a unir al equipo dos artistas muy jóvenes, que anunciaremos próximamente.

– ¿Qué aconsejarías a una persona que quiere iniciarse en el coleccionismo de arte?

– Hablando desde mi experiencia y llevándolo a lo emocional, yo diría que lo mejor que te puede pasar como nuevo coleccionista es encontrar un o una galerista con la que establecer un vínculo que perdure en el tiempo, que conozca tus gustos, y sepa acompañarte en ese proceso. Lo mismo con la relación con los y las artistas que escoja coleccionar.

– ¿Cómo te gustaría ver ArtQuake Gallery en el futuro?

Soy ambicioso, pero también cauto. Que la galería siga creciendo, y que a lo largo del tiempo podamos seguir superando etapas. Poder aspirar a ferias más grandes, tanto aquí en España como fuera y, quién sabe si un espacio físico. Lo que sí tengo claro es que, vaya hacia donde vaya ArtQuake, quiero que sea un proyecto fiel a mis principios, y que los artistas y todo aquel que quiera trabajar con nosotros en un futuro se lleve una experiencia positiva e inolvidable.

«Soy ambicioso, pero también cauto»

«Me gustaría que la galería siga creciendo, y que a lo largo del tiempo podamos seguir superando etapas»

BELÉN LEI LEI

«En mis obras el espacio en sí es el protagonista.»

Belén Lei Lei es Graduada en Bellas Artes (2022) y Diseño de Videojuegos por la Universidad Francisco de Vitoria. Su obra explora los espacios públicos y privados, donde descubrimos las huellas de individuos han pasado por ellos, aportando una energía especial a cada lugar.

Recientemente la artista ha presentado un solo project en ArtQuake Gallery dentro de Hybrid Art Fair 2025, con gran acogida de público y coleccionistas, que han quedado impresionados con su trabajo.

– ¿Cuándo comenzó tu interés por el arte y en qué momento decidiste que querías que fuera tu profesión?

Mi interés por el arte comenzó desde muy pequeña, haciendo dibujos en la arena con un palo, pintando en las servilletas de los restaurantes, en los márgenes de los libros del colegio y garabateando en los cuadernos de los deberes.
Esa inclinación por crear con lo que tuviese a mano fue creciendo conmigo, y las asignaturas de arte se volvieron mis favoritas, no sólo las de dibujo, también las de música y teatro por ejemplo. La expresividad y la sensibilidad que destilaban estas disciplinas me llamaban mucho la atención, entonces supe que me interesaba profundamente el arte.
Me gustaba dibujar con los lápices de grafito, les hacía dibujos a mis compañeros, dibujaba en clase, en mi casa, en la calle… El kit indispensable de los viajes consistía en llevar la Nintendo y los esenciales de dibujo: un cuaderno y los lápices, a los que se sumaron acuarelas y carboncillos, con los que empezaba a experimentar. Para entonces el arte se había vuelto una cosa más seria, ya era una necesidad.

Decidí estudiar Bellas Artes y Videojuegos para aprender las diferentes técnicas y empaparme del mundo de la expresión artística y la creación experimental. Allí conocí a personas increíbles que compartían la sensibilidad artística que yo también sentía y también pude conocer el arte desde otras perspectivas que me permitieron llegar a algunas conclusiones. Supe que quería dedicarme al arte, que quería ser artista.

– ¿Cuáles son los temas de tu obra y cómo es el trabajo en tu día a día en el estudio?

Uno de los temas más recurrentes de mi obra es la introspección, que represento a través de la soledad y tranquilidad de espacios vacíos, como los que componen un escenario urbano o las estancias de una casa. En ellos, la línea que separa lo público de lo privado se difumina y el espacio público se vuelve íntimo mientras que la privacidad del hogar se comparte.
Antes de ponerme manos a la obra me gusta escribir sobre lo que me interesa en ese momento y lo que quiero contar. También leer a autores referentes y hacer una labor de investigación es una parte importante. Suelo hacer dibujos y bocetos previos en cuadernos que son como mis diarios, donde plasmo las ideas que se me van ocurriendo y escribo reflexiones a las que más adelante vuelvo en busca de inspiración.

«Uno de los temas más recurrentes de mi obra es la introspección, que represento a través de la soledad y tranquilidad de espacios vacíos, como los que componen un escenario urbano o las estancias de una casa.»

«En ellos, la línea que separa lo público de lo privado se difumina y el espacio público se vuelve íntimo mientras que la privacidad del hogar se comparte.»

– En tu obra utilizas técnicas tradicionales y también digitales, pues te formaste en diseño de videojuegos ¿cómo decides utilizar cada técnica con cada proyecto?

Me gusta experimentar con las técnicas tradicionales y digitales y ver qué sensaciones me generan los resultados. Ambas opciones me interesan y simplemente me dejo llevar por lo que más me atraiga en cada momento. Me gusta la materialidad de las técnicas tradicionales, pero también las posibilidades sin límites que proporcionan los medios digitales con herramientas de modelado y postproducción.

– Dices de tu obra que nunca aparecen figuras humanas pero sí las huellas que dejan en el espacio ¿cómo plasmas esas huellas en tu trabajo?

En mis obras el espacio en sí es el protagonista, el lugar de la actividad o la inactividad, dejando fuera de plano la figura humana. Sin embargo a veces dejo el rastro que evidencia que en algún momento ha habido presencia de alguien, como un objeto tirado, ropa, o un café sin terminar. Ese pequeño detalle puede transformar la energía que transmite el lugar, ya que lo humaniza y cuenta una historia. Me gusta el misterio que transmiten los escenarios con falta de contexto, como un frame extraído del que no sabes qué ha pasado antes ni que pasará a continuación.

«A veces dejo el rastro que evidencia que en algún momento ha habido presencia de alguien, como un objeto tirado, ropa, o un café sin terminar.»

«Ese pequeño detalle puede transformar la energía que transmite el lugar.»

– Aunque tienes obras de todos los formatos, trabajas mucho en formatos pequeños ¿qué es lo que más te gusta de trabajar en estas dimensiones?

Personalmente considero que los formatos pequeños funcionan muy bien con obras que tratan sobre la intimidad, como las obras de Habitar la casa y Tierra de nadie, ya que son del tamaño de fotografías o postales e invitan a verlas de cerca para poder apreciar los detalles. Es como asomarse a un ventanuco o una mirilla hacia los recuerdos subjetivos de alguien. Aunque mi formato favorito es el pequeño, últimamente estoy trabajando con dimensiones mayores.

– Recientemente has presentado un solo project con ArtQuake Gallery en Hybrid Art Fair 2025, y la experiencia ha sido un éxito en ventas ¿cómo concebiste el proyecto con Daniel y qué impresiones sobre tu obra han recogido los visitantes?

La idea del proyecto sufrió algunos cambios durante el planteamiento, pero fueron cambios para bien. Tuvimos varias reuniones con lluvias de ideas muy interesantes de cómo integrar la habitación en el discurso ya que la feria tuvo lugar en un hotel, que por unas cosas u otras acabamos descartando hasta llegar a lo que fue el resultado final.

Las obras tenían variedad de formatos, por lo que fue un reto decidir la disposición en las paredes pero logramos encontrar una que nos convenció bastante. Era la primera vez que estábamos en Hybrid Art Fair y teníamos un poquito de nervios e incertidumbre, pero mucha emoción. La acogida por parte de los visitantes fue fantástica, las impresiones fueron muy buenas, recibí feedback para mejorar, comentarios alentadores y conversaciones muy interesantes y valiosas con ellos. Sin duda una experiencia inolvidable.

– ¿Qué te interesa de la obra de James Alfred Hart y cómo es la relación con los demás artistas de ArtQuake Gallery?

De la obra de James me encantan las pinceladas características que tiene y las tonalidades que emplea en sus cuadros de paisajes y sus flores. Especialmente me gustan sus obras de gran formato, pero también los bocetos y apuntes de sus cuadernos.
He tenido el placer de coincidir con la mayoría de los demás artistas de ArtQuake, ya sea en exposiciones colectivas, en otras exposiciones o en eventos artísticos donde hemos podido conocernos y conversar sobre nuestra obra y nuestros procesos. Siempre es enriquecedor intercambiar ideas con otros artistas.

– ¿En qué proyecto estás trabajando actualmente?

He estado pintando unos cuadros de mayor formato que el que suelo emplear normalmente y estoy contenta con los resultados, aunque actualmente estoy trabajando en una serie de obras de pequeño formato de rincones de espacios urbanos. Quiero documentar en pequeños cuadros aquellos lugares que he visitado que han despertado una emoción en mí, que me ha gustado observar o he sido feliz transitándolos.

«Quiero documentar en pequeños cuadros aquellos lugares que he visitado que han despertado una emoción en mí, que me ha gustado observar o he sido feliz transitándolos.»

JAMES ALFRED HART

«Siempre supe, en el fondo, que el arte iba a ser una parte central de mi vida»

James Alfred Hart es Graduado en Bellas Artes en 2010 por la UWIF de Cardiff (Gales). Comenzó con la creación de obras figurativas, pero a partir de 2013 se adentró en la abstracción, convirtiéndose para él en la forma más pura de representar el pasado. Su trabajo se basa profundamente en la exploración del color, la naturaleza y el espacio. Sus viajes a Brasil y la India, han supuesto un gran impacto en su obra, aportando unas gamas de color y procesos de trabajo diferentes.

Su último proyecto gira en torno a las costas españolas y británicas y se ha presentado en una exposición en Lab of Experimental Art (LEA) en Madrid.

– ¿Cuándo te empezaste a interesar por el arte y en qué momento decidiste que querías dedicarte a ello profesionalmente?

Cuando visitaba a mis abuelos, mi abuelo George, un químico retirado especializado en plásticos, empezó a hacer cosas extrañas y emocionantes en el sótano que llamaba arte. ¡Fundía plomo en la cocina y lo vertía sobre lienzos! Fue una experiencia alucinante que nunca olvidaré y que me dejó completamente fascinado con el arte.
Siempre supe, en el fondo, que el arte iba a ser una parte central de mi vida. Hubo un momento en que trabajaba como quesero y tenía la posibilidad de ascender a encargado, pero entonces sentí que ese camino no me dejaría suficiente tiempo ni libertad para crear.

– La abstracción es la base de tu obra. ¿Improvisas o preparas tus trabajos con bocetos previos? ¿Qué te motiva a empezar una obra?

Utilizo muchos cuadernos de bocetos y empleo una mezcla de técnicas para llenarlos, normalmente barras de pastel al óleo o ceras. Dibujar en ellos me ayuda a documentar recuerdos y una visión de formas y colores.
A veces dibujo al aire libre, pero esos bocetos nunca se transforman en cuadros terminados. Trabajo de forma espontánea, como una especie de meditación en la que entro en un estado mental especial. La obra me habla mientras me conecto con ella, como si volviera a mirar ese lugar. El placer de crear y sorprenderme a mí mismo es algo que no puedo dejar de experimentar: no puedo dejar de hacer arte.

«Trabajo de forma espontánea, como una especie de meditación en la que entro en un estado mental especial.»

«El placer de crear y sorprenderme a mí mismo es algo que no puedo dejar de experimentar: no puedo dejar de hacer arte.»

James Alfred Hart – Last Summer (2023), The Last Path (2023) y After the Blossom (2022)

– Tu estudio está en Londres. ¿Cómo es tu rutina diaria allí y qué significa para ti vivir en esta ciudad?

Mi estudio está en un almacén reconvertido donde vivo con otras cinco personas. A veces puede ser un reto, pero por lo general, cuando empiezo a pintar, trabajo unas seis horas al día. Londres es una ciudad increíble, llena de cosas que hacer y con materiales fácilmente accesibles. Pero también puede agotarte, y eso hace que a veces sea difícil encontrar tiempo para crear.

– Has viajado a Brasil e India. ¿Cómo influyen en tu trabajo los viajes que haces?

Brasil supuso un punto de inflexión en mi camino hacia el expresionismo abstracto. Viví allí seis meses y me llevé un set de gouache y unos cuadernos de bocetos. Con el paso del tiempo y el aumento de temperatura, empecé a pintar más rápido y con más fluidez, ya que las páginas se secaban enseguida bajo el sol sudamericano. La viveza de la ropa, la arquitectura y la naturaleza deslumbró mi visión de la vida.
Unos años después me fui a la India con una mochila, un cuaderno en blanco, pinceles y algo de ropa, durante tres meses, en busca de color. Recorrí la mayor parte del país y me sentí abrumado por la diversidad de paisajes. Fue una sobredosis escénica, un viaje profundo observando el color, esquivando peligros y recorriendo un país enorme. La India no tiene miedo al color; todo tiene una luz distinta, una luz que nunca había visto antes. Experimenté con varios pigmentos, incluyendo especias, para pintar.

Ponerte en esos lugares te abre la mente, y en mi caso dio pie a una gran producción artística en respuesta al color y los recuerdos de esos lugares.

– ¿Cómo es trabajar con Daniel en Artquake Gallery y qué significa para ti tener representación en España? ¿Cómo se percibe aquí tu obra?

Danny es una persona encantadora. Siempre está sonriente y tranquilo. Me ha ayudado a que mi obra se vea en España y está abriéndome nuevas oportunidades.
Tener representación en España significa mucho para mí. Adoro este país, vengo a menudo. Mi pareja vive en Madrid, así que durante los últimos cuatro años he llegado a conocer bastante bien el país. Sobre cómo se percibe mi trabajo aquí… es difícil para mí responder. Tal vez debería dejar que mis coleccionistas españoles respondan a eso.

«Danny es una persona encantadora. Siempre está sonriente y tranquilo. Me ha ayudado a que mi obra se vea en España y está abriéndome nuevas oportunidades.»

«Tener representación en España significa mucho para mí»

– ¿Qué te interesa de la obra de Belén Leilei?

Me gusta su obra. Tiene una cualidad onírica. La forma en que pinta es realmente hermosa. Aún no he tenido la oportunidad de trabajar con ella en una exposición. Disfruté mucho viendo su muestra en la feria Hybrid.

– ¿En qué proyecto estás trabajando actualmente?

Recientemente terminé una residencia de dos meses en el Laboratorio de Arte Experimental de Madrid. Estoy empezando una nueva serie llamada Coast to Coast. Estoy creando obras que responden a mi visión y pensamientos sobre las costas inglesa y española. Voy a seguir explorando este proyecto, ya que he descubierto posibilidades muy emocionantes durante mi estancia en LEA.

«Estoy creando obras que responden a mi visión y pensamientos sobre las costas inglesa y española»

«Voy a seguir explorando este proyecto, ya que he descubierto posibilidades muy emocionantes durante mi estancia en LEA»

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«La cultura te configura el cerebro y te da una riqueza tremenda»

María Antonia García de la Vega es fotógrafa. Su formación es muy amplia y variada, desde la licenciatura en Geografía e Historia en la rama de Antropología o la música hasta el doctorado en Derecho.

Ha desarrollado proyectos fotográficos relacionados con la naturaleza como Memorandum natura y también con el retrato, como Ucrónicos y Pasajeras. Este último se presenta en una gran exposición en el Centro de Arte de Alcobendas el próximo 12 de diciembre.

Sus fotografías se inspiran en los grandes clásicos de la pintura, pero cada una de sus imágenes muestra una mirada propia y profunda, descubriéndonos una realidad diferente e hipnótica.

– Eres licenciada en Historia, en la rama de Antropología. ¿Qué es lo que te llamaba la atención de estos estudios y cómo te han influido en tu trabajo creativo?

Sí, soy licenciada en Geografía e Historia en la rama de Antropología y visto ahora, con la perspectiva del tiempo, creo que la elegí por el conocimiento general que da sobre el género humano y quizás ese afán sea el que me ha llevado al retrato en fotografía.

«Creo que elegí Antropología por el conocimiento general que da sobre el género humano»

«Quizás ese afán sea el que me ha llevado al retrato en fotografía»

– También eres doctora en Derecho ¿cómo llegaste a esta disciplina y qué te aportó?

Me pareció interesante completar mi formación con Derecho, muchos antropólogos han sido también juristas. Te aporta un saber, por un lado general y, por otro, práctico, de las instituciones de tu país.

– En tu familia había un ambiente cultural y especialmente musical ¿cómo se vivía la cultura en casa?

Tuve la inmensa suerte de nacer en una familia con un ambiente cultural intenso y especialmente musical, mi padre fue músico y, como es natural, desde muy pequeña estudié en el conservatorio de Madrid y doy gracias por todo ello, aunque yo no siguiera esos derroteros. Todo esto te configura el cerebro y te da una riqueza tremenda.

«Tuve la inmensa suerte de nacer en una familia con un ambiente cultural intenso y especialmente musical»

«Doy gracias por todo ello»

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por la fotografía y a desarrollar proyectos?

El primer acercamiento a la fotografía me llegó en la juventud, a través de amigos que la practicaban y teníamos laboratorio en casa.
Pero realmente cuando comencé con la fotografía fue hacia el año 2003, de forma autodidacta. Posteriormente asistí a diversos cursos y talleres de fotografía digital y analógica para completar mi formación.

– Has trabajado en una trilogía de paisaje denominada Memorandum natura que dio origen a la publicación de un primer libro en el año 2015 dedicado a los bosques ¿de qué manera se originó el proyecto?

Mi interés primero se dirigió al paisaje y, al principio, sin una idea clara de tener un proyecto. Después sí lo vi claro y desarrollé una trilogía de paisaje, que denominé Memorandum natura, dedicada a los bosques, a la montaña y a los elementos relacionados con el agua. Publiqué un primer libro en el año 2015 dedicado a los bosques, que luego pude exponer, igual que la montaña, dedicada fundamentalmente a Picos de Europa, en diferentes lugares con ocasión del centenario de la Declaración de Parque Nacional. Espero algún día poder publicar los otros dos libros de la trilogía.

«Mi interés primero se dirigió al paisaje y, al principio, sin una idea clara de tener un proyecto»

«Después sí lo vi claro y desarrollé una trilogía de paisaje, que denominé Memorandum natura, dedicada a los bosques, a la montaña y a los elementos relacionados con el agua»

– En 2016 comenzaste un proyecto de retratos de estudio que denominaste Ucrónicos ¿cómo fue el proceso creativo y el trabajo con los modelos?

En esos años ya había comenzado a tener mucho interés por el retrato, hice algunos talleres para aprender, sobre todo, iluminación en estudio y me lancé a crear un pequeño estudio propio. De ahí fue naciendo la idea de Ucrónicos hasta convertirse en un proyecto en el año 2016. Son retratos realizados en estudio e inspirados en gran medida en el Renacimiento y en la Ilustración. Los modelos son hombres de la cultura, fotógrafos, pintores, escultores, arquitectos.

Recurrí a la pintura para la elección del atrezzo, según lo que me inspiraba cada modelo y también relacionado con sus profesiones o aficiones. Ha sido un viaje en el tiempo y la manifestación del yo, o algo de él, a través de las máscaras y disfraces que, a veces desvelan más que ocultan.

Esto culminó en un libro en el año 2020, denominado Ucrónicos, con prólogo de Javier Barón que fue presentado en diferentes lugares y sedes.

«Son retratos realizados en estudio e inspirados en gran medida en el Renacimiento y en la Ilustración»

«Ha sido un viaje en el tiempo y la manifestación del yo, o algo de él, a través de las máscaras y disfraces que, a veces desvelan más que ocultan»

– Tu siguiente proyecto también está relacionado con el retrato ¿cómo lo ideaste y lo desarrollaste?

A continuación me planteé continuar este trabajo con las mujeres, relacionadas con la cultura, en cierta forma, era de obligado cumplimiento.

La idea fue hacerlo también en estudio, con atuendos más intemporales que, generalmente, traían las modelos y con algún objeto que hablara de ellas, de sus aficiones, profesiones…

Y así ha sido como se ha gestado este nuevo proyecto hasta desembocar en la publicación de otro libro en 2024, presentado en la primavera pasada, con prólogo de Estrella de Diego que lo ha titulado Pasajeras. Pasajeras hace alusión sin duda al viaje. Al pasaje de la vida que cada una lleva consigo. Pero con unos equipajes muy livianos, esos pequeños objetos con los que se quieren acompañar, que, como dice Estrella de Diego “son el testimonio que en el futuro nos recuerde al pasado, los pasados que otras pasajeras han ido atesorando en sus viajes, los anteriores, los que trenzan las narrativas de las mujeres que andan en tránsito, pasajeras por la historia”.

Este trabajo se va a exponer en el Centro de Arte de Alcobendas desde el 12 de diciembre hasta el próximo 26 de enero de 2025. Va a constar de 135 retratos en diferentes formatos y tamaños.

«A continuación me planteé continuar este trabajo con las mujeres, relacionadas con la cultura, en cierta forma, era de obligado cumplimiento»

«Pasajeras hace alusión sin duda al viaje. Al pasaje de la vida que cada una lleva consigo. Pero con unos equipajes muy livianos, esos pequeños objetos con los que se quieren acompañar»

– En todos tus proyectos has apostado por la autoedición, siendo todos los trabajos de una altísima calidad ¿por qué te decidiste por este tipo de publicación y qué pros y contras encuentras?

Hasta ahora sí que he apostado por la autoedición, fundamentalmente por la libertad que te proporciona para elegir, diseño y maquetación, tipo de impresión, etc. El inconveniente de
este sistema es la distribución y, si quieres difundirlo y venderlo, tienes que hacerlo con tu esfuerzo.

«He apostado por la autoedición, fundamentalmente por la libertad que te proporciona para elegir»

«si quieres difundirlo y venderlo, tienes que hacerlo con tu esfuerzo»

– En la actualidad eres Presidenta de la Sección de Fotografía de El Ateneo Científico, Artístico y Literario de Madrid ¿qué actividades realizáis en torno a la disciplina?

Las actividades que llevamos a cabo son básicamente, presentaciones de libros de fotografía, charlas-coloquios relativas a cuestiones de interés fotográfico o artístico, pues colaboramos con otras Secciones del Ateneo, como la de Artes plásticas o Arquitectura, entre otras.

– ¿Qué consejo darías a alguien que quiera dedicarse profesionalmente a la fotografía?

– El consejo que daría a alguien que quiera dedicarse profesionalmente o con seriedad y rigor a la fotografía es creer en uno mismo y en las propias intuiciones y perseverar en ello.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Me gustaría que la fotografía tuviera un lugar más destacado en las instituciones y en la sociedad en nuestro país.

«Me gustaría que la fotografía tuviera un lugar más destacado en las instituciones y en la sociedad en nuestro país«

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Pasajeras en el Centro de Arte de Alcobendas (del 12 diciembre 2024 – 26 enero 2025)

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«Tenemos que reconciliarnos con lo rural»

Alberto Centenera es gestor cultural y artista. Es técnico de cultura en el Centro Cultural de Azuqueca de Henares desde hace 11 años donde dirige la programación de eventos culturales, actividad que ocupa la gran mayoría de su tiempo y energía.

Es fundador y director de Ungría Residencia, en Fuentes de la Alcarria en Guadalajara, un lugar para el desarrollo de proyectos artísticos que él mismo financia y que pretende establecer vínculos emocionales, intergeneracionales y profesionales, generando una experiencia enriquecedora para habitantes, artistas y visitantes.

Defensor de los derechos LGTBQ, es co-fundador de la Asociación cultural y LGTBIQ EACEC, que pretende dar visibilidad y apoyo al colectivo en el entorno rural en Castilla La Mancha mediante charlas, debates y también asesorando a las familias.

Por su intensa trayectoria y por su compromiso con la cultura y los derechos humanos, él es el VI Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG.

– Te licenciaste en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid ¿cómo fue ese periodo para ti y qué fue lo más importante que aprendiste?

Yo venía de estudiar bachillerato en Guadalajara, y los medios eran un poco precarios, la verdad. No había escuela de arte en Guadalajara entonces, ahora sí la hay. Nuestros bodegones en clase de dibujo eran con cajas de cartón y vasos de IKEA, y si acaso, algún busto de escayola, no figuras enteras. Pero el bachillerato fue muy divertido, y la carrera también. Creo que por primera vez sentía que estaba haciendo lo que quería hacer. Fue la primera vez también que conocí a personas fuera de mi círculo de toda la vida, gente con las que encajaba y con las que podía ser yo. A muchos niveles fue una muy buena experiencia.
En el plano académico, en la carrera, podías ir cogiendo asignaturas y profesores/as según quisieras ir a lo fácil o a lo difícil. Yo prefería las de estética y didáctica. Me tocó una época en la que había profesorado a punto de jubilarse, una época todavía más clásica y estática, llevaban décadas allí metidos enseñando lo mismo. Luego cuando acabé empezó a renovarse el profesorado y comenzaron a pasar cosas diferentes.
Lo más importante fue la experiencia en sí, la sensación de estar haciendo lo que siempre había querido hacer (independientemente del futuro que me esperase con eso), y el hecho de conocer y compartir con artistas muy buenos/as, que muchos han seguido y siguen hoy dedicándose al arte. Compartir esos procesos me resultó muy valioso. En mi generación había y hay gente muy buena, participábamos en exposiciones y actividades colectivas y seguimos manteniendo el contacto.
Creo que pronto entendí que sí, quería ser artista, pero también quería organizar iniciativas para poner en valor el trabajo de otras personas, o poner en relación su obra, generar discurso… no a la manera de un comisario, sino de otra manera. Aunque quizás eso sea también parte de mi trabajo artístico, no algo desligado y diferente, sino solo una ramificación.
Estar rodeado de toda esa gente me llevó más hacia la gestión y la organización de actividades, y según salí de la carrera hice un Máster de Gestión de Patrimonio Histórico y Cultural, y más adelante hice otro de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas en Cuenca.
En el máster de Gestión aprendí de mis compañeras a ser crítico con todo, y en el de Investigación a ordenar un poco mi cabeza, porque soy muy tranquilo exteriormente, pero muy caótico en el interior.

«por primera vez sentía que estaba haciendo lo que quería hacer»

«pronto entendí que sí, quería ser artista, pero también quería organizar iniciativas para poner en valor el trabajo de otras personas, o poner en relación su obra, generar discurso… no a la manera de un comisario, sino de otra manera»

– Trabajas en el Centro Cultural de Azuqueca de Henares organizando las actividades culturales ¿cómo es tu día a día en el centro y cómo responden los vecinos a la oferta cultural del centro?

Azuqueca de Henares tiene unos 35.000 habitantes, y llevo trabajando en el Centro Cultural 11 años y medio. Somos dos personas, yo como técnico y mi compañero como auxiliar, y bueno, hacemos la programación de cine, teatro, artes escénicas en general, exposiciones, talleres de distintas disciplinas… Azuqueca en la zona siempre ha sido conocida por su actividad cultural constante y variada, e intentamos mantener esa exigencia. La gente responde bastante bien, siempre hay propuestas más complicadas, digamos, pero en general es una ciudad pequeña con bastante actividad cultural.
El tema es que hace 20 años había dos personas llevando todo, y 20 años después seguimos siendo dos personas. Y ahora hay más población, más talleres, más actividades, más instalaciones, llevamos redes sociales, hay más trámites burocráticos para todo… Y llega un momento en que no sólo es programar, sino saber de tipos de contratos, facturación electrónica, de redacción de pliegos para concursos públicos, … y luego pues si el aire acondicionado no funciona hay que dar aviso, estar pendiente, o si el de la cafetería tiene una necesidad igual hay que hacer un informe a otro departamento, o si la cisterna de un baño se estropea pues también me lo transmiten para que lo gestione con quien corresponda, … Y cuando tienes un ratito libre pues lo dedicas a la programación, y a estar al día de lo que hay y de lo que está ocurriendo en otros lugares, y a pensar en cosas nuevas, y cómo hacerlas funcionar. Y esto es la gestión cultural. O no. Yo ya no lo sé.
Hay tantos ayuntamientos en los que la labor cultural la llevan una o dos personas, que sólo contratando a una más habría una mejora muy significativa. Es decir, si en mi caso fuéramos 3 personas, se notaría. Estaríamos más frescos, nos distribuiríamos mejor, podríamos innovar o hacer cosas diferentes, o dedicarle un poco más de tiempo y atención a las cosas que ya hacemos. Lo mismo para un ayuntamiento en el que trabaje una persona en cultura y de repente pongan a una más, o en el que trabajen 3 y pongan a una cuarta. En muchos casos los pocos que somos, estamos tan hasta arriba que solo contratar a una persona más, sería casi una revolución.
Pero mi trabajo me gusta, no es una visión negativa, sólo realista. Y creo que necesaria también para poner en valor la gestión cultural como profesión, y en mi caso la gestión cultural desde la administración pública y desde una ciudad pequeña de provincias. No es un trabajo que pueda hacer cualquiera (a veces gestiona cultura gente sin formación o experiencia en cultura porque se tiende a pensar que cualquiera puede hacerlo). Tampoco es un trabajo administrativo ni tiene que tender a eso. Aunque tenga su parte administrativa, es un trabajo creativo e implica mucho conocimiento de la escena cultural, del público, de qué quieres transmitir o en qué quieres incidir, que organices un evento o actividad y estés pendiente de los artistas, de que todo salga bien, de la difusión… en lugar de estar pendiente del papeleo burocrático.

«La gestión cultural no es un trabajo que pueda hacer cualquiera»

«Aunque tenga su parte administrativa, es un trabajo creativo e implica mucho conocimiento de la escena cultural, del público, de qué quieres transmitir o en qué quieres incidir, que organices un evento o actividad y estés pendiente de los artistas, de que todo salga bien, de la difusión»

– Has fundado en el pueblo de Fuentes de la Alcarria la Residencia Ungría para artistas ¿qué motivó el proyecto, en qué consiste y en qué momento se encuentra?

Pues en parte la motivación fue hacer algo en lo que la parte creativa ocupe la mayor parte del tiempo, hacer algo que me produzca disfrute y no agobio, y poder compartir con otros artistas.
Siempre quise tener una casita en un pueblo y cuando me lo pude permitir y me puse a buscar, pues busqué una casa que tuviera zona para taller, varias habitaciones, patio… La idea era tener una casa para mí, pero me gusta mucho el formato residencia artística, y quería una casa que fuera suficientemente grande para montar residencia en algún momento del año, pero que no fuera demasiado grande para mí solo el resto del tiempo.
Mi familia materna es de La Alcarria, de Alhóndiga, y tenía claro que quería desarrollar este proyecto en Guadalajara, y a poder ser en La Alcarria. Reivindicar de alguna manera también las raíces, lo rural, la identidad, el paisaje, las gentes… Para mí Ungría no es solo un proyecto cultural, sino un proyecto que pretende reivindicar un lugar, una identidad, una forma de vida, un folklore, saberes tradicionales, historias de sus gentes, …

Por ir a lo concreto, la residencia está en su segunda edición, y las dos ediciones han tenido convocatoria abierta para elegir a las artistas. Hay dos periodos de 15 días, y en cada periodo vienen 3 artistas. Cada una tiene su habitación individual, con cama, armario y escritorio, y luego hay un estudio donde se puede trabajar, hay materiales, una biblioteca, y un patio.
La convocatoria está abierta a todas las disciplinas. Se presenta un dossier artístico y una carta de motivación en la que puedes explicar por qué quieres venir o qué pretendes hacer, aunque no tienes la obligación de hacer un proyecto cerrado, con principio y fin.
Durante la estancia, comemos y cenamos juntes, y hacemos algunas actividades, como visitar Brihuega, Guadalajara, Sigüenza, ir a bañarnos al río, o ir a visitar el taller de algún artista. Luego también tenemos jornada de puertas abiertas para que el pueblo pueda entrar a la casa a conocer a los artistas y ver sus procesos de trabajo, o hacemos una muestra final de lo que han hecho para que la gente vea el resultado de los 15 días.

«Para mí la Residencia Ungría no es solo un proyecto cultural, sino un proyecto que pretende reivindicar un lugar, una identidad, una forma de vida, un folklore, saberes tradicionales, historias de sus gentes»

«La convocatoria está abierta a todas las disciplinas. Se presenta un dossier artístico y una carta de motivación en la que puedes explicar por qué quieres venir o qué pretendes hacer»

La experiencia del primer año fue muy positiva. La convivencia con las artistas, entre ellas y con el pueblo fue increíble. Y creo que es un proyecto que tiene muchas posibilidades de crecimiento y desarrollo. También es verdad que yo tengo mi trabajo y esto lo hago usando mis vacaciones, y mis propios recursos (hablamos de recursos materiales o económicos, pero también de energía). Pero lo hago para disfrutar, sin exigencias, y para ofrecer a otras personas la posibilidad de estar en un entorno rural, con tranquilidad, con espacio y tiempo para crear. Así que el proyecto puede crecer, pero teniendo en cuenta que a nivel personal tengo mis limitaciones, económicas y de tiempo. Pero bueno, todo marcha e irá surgiendo y evolucionando como deba ser.

– ¿Qué ofrece la Residencia Ungría a los artistas y qué aportan ellos al proyecto?

La estancia es gratuita. Solo tienen que hacerse úngares (40 euros) y pagar entre todos los gastos de comida de esos 15 días (suelen ser entre 25-35 euros). La filosofía del proyecto es que lo económico no sea un impedimento para venir.

También les pido que realicen una obra en tamaño 15×20 cm, hacemos una tirada de 40 copias de cada una, firmadas y numeradas. Quedan como archivo y recuerdo de su paso por la casa. Y una parte de esas copias se ponen a la venta.
Y en cuanto a actividades o visitas, aparte de la jornada de puertas abiertas y la muestra final, no hay nada cerrado, todo va surgiendo. Yo paso bastante tiempo con los residentes, y todo depende un poco de ellos, de sus ritmos, si están abiertos a hacer actividades o prefieren estar más trabajando en el taller, etc.

Creo que la residencia ofrece principalmente tiempo, que es algo que no nos sobra. Y creo que también el hecho de salir de tu zona de confort o de tu lugar habitual es muy positivo. Muchas veces estamos acostumbrados a movernos en un mismo círculo, con gente de nuestro propio entorno, gente del mundo de la cultura, otros artistas… y llegar aquí y poner tu trabajo ante personas que igual no tienen mucho contacto con artistas jóvenes y sus prácticas, te da otra perspectiva. Y son gente que puede que no tenga contacto habitual con el tipo de arte que hacen los residentes (performance, arte feminista, abstracción, objetos encontrados, arte más conceptual o discursivo…), pero hablan con el artista, escuchan atentamente, dan su opinión, y se genera un intercambio también muy bonito y rico.

Y pretendo que la experiencia que ofrece Residencia Ungría no sea sólo un espacio de trabajo durante 15 días, sino también el hecho de estar en un pueblo, sentir esa tranquilidad o el ritmo lento, que es muy bueno parar a veces, y hablar con gente que vive aquí todo el año, ver que no hay transporte, o muy poco, que no hay una tienda, que el bar es comunitario y se abre cuando apetece, que para ir a la farmacia, al centro de salud o a comprar tienes que ir a Brihuega en coche, y para la gente mayor no es fácil, (aunque también puedes pedir cualquier cosa a una vecina). Es decir, creo que también es importante que vean la realidad de un pueblo, que tiene sus cosas buenas pero también sus carencias. Y a pesar de todo lo que falta, que vean cómo se relaciona la gente, cómo es el día a día, y valoremos y reivindiquemos esa forma de vivir como algo que no debemos perder.

La verdad es que Fuentes de la Alcarria es un marco inmejorable para la residencia. A nivel paisajístico, está aislado y concentrado en un alto, pero su manera de “funcionar” también da la sensación a veces de aislamiento, es casi como vivir en una especie de comuna o lugar muy familiar. Es una suerte de pueblo y quien viene enseguida se siente en casa.

«poner tu trabajo ante gente que igual no tienen mucho contacto con artistas jóvenes y sus prácticas, te da otra perspectiva»

«también es importante que vean la realidad de un pueblo, que tiene sus cosas buenas pero también sus carencias. Y a pesar de todo lo que falta, que vean cómo se relaciona la gente, cómo es el día a día, y valoremos y reivindiquemos esa forma de vivir como algo que no debemos perder»

– ¿Qué tipo de apoyos busca el proyecto en este momento? 

En este momento el proyecto no tiene ayudas económicas, pero estoy buscando. Lo que tenemos es la opción de hacerse úngare. Por 40 euros anuales puedes ser úngare, y tener descuentos en talleres, recibir 3 obras de 3 artistas residentes (la obra gráfica seriada que explicaba antes) y entrar en el sorteo de un fin de semana en la casa. Con esa opción consigo ingresos que no cubren todo pero me ayudan con la gasolina, la comida, materiales para los artistas, gastos de esos días, etc.
También la obra gráfica que realizan y de la que hacemos 40 copias, esas copias están a la venta por 16 euros, de los que 9 van al artista y 7 a la residencia. Intento que el proyecto sea sostenible y que los artistas reciban también alguna compensación.
Me gustaría mantener la independencia del proyecto, e ir desarrollándolo y mejorándolo si consigo financiación.
Luego hay otros artistas o iniciativas en pueblos de la zona o de la provincia, que de alguna manera ya nos hemos puesto en contacto y estaría bien hacer red y apoyarnos mutuamente.

«Intento que el proyecto sea sostenible y que los artistas reciban también alguna compensación»

«Me gustaría mantener la independencia del proyecto, e ir desarrollándolo y mejorándolo si consigo financiación»

– ¿Cómo es para ti la gestión cultural en el entorno rural?

Me resulta muy satisfactorio el hecho de que en un entorno pequeño los cambios se ven mucho más y más rápido. Es más difícil incidir en un entorno urbano y ver cómo eso “afecta” o “modifica” cosas, las sensaciones de la gente, si se les queda un poso o no… En una ciudad tenemos muchos estímulos, y a veces hay tanto, que nada nos afecta o nos llega realmente más que de una manera superficial. Pero en un pueblo ocurre un evento y la gente se enfoca en ese evento, asiste, lo vive, habla de él, esperan al siguiente… Eso te permite también tener más feedback, desarrollar tu proyecto a otro ritmo, sin tener prisa ni presión por impresionar, porque no tienes que competir con nadie.
Pero a la vez si tu proyecto no se adapta al pueblo, no va a sobrevivir. La gente va, pero si no les gusta, lo vas a notar. En una ciudad siempre vas a tener público, si a unos no les gusta lo que haces, ya vendrán otros. Pero en un pueblo, los que hay son los que hay, si no les convence lo que haces y dejan de venir e interesarse, te quedas haciéndolo solo. Así que también implicarles, tenerles en cuenta, hacer que lo sientan suyo, que los artistas que vienen se impliquen también con el entorno… todo eso es importante.
Y es que muchas veces hablamos de la vida en los pueblos, y de sus dificultades y carencias, y hablamos de sanidad, de transporte… La gente tiene derecho a tener sus necesidades básicas cubiertas, pero también tiene, tenemos, derecho a la cultura y al ocio. La cultura es un derecho, y en entornos rurales, en líneas generales, no hay oferta de cultura en todas sus manifestaciones.
Por eso me gustaría extender el proyecto con otras actividades a otros momento del año, no sólo en verano. Porque en verano hay más población y es más fácil estar, pero en el resto del año también hay gente y se necesitan muchas cosas, también cultura.
Y no podemos olvidarnos de la cultura propia de la zona: el folklore, las tradiciones, las historias, nombres de lugares, nombres y usos de plantas, saberes tradicionales que muchas veces son guardados por la gente mayor y que estamos a tiempo de conservar. Mi proyecto es una propuesta más contemporánea, pero si hablas de cultura y de lo rural no puedes ser ajeno a la idea de que con la despoblación estamos perdiendo mucha riqueza cultural, y me interesan mucho también los artistas que vienen con intención de empaparse de todo eso e incluso incorporarlo a su práctica artística.
Y aprovecho para reivindicar eso, que muchas veces la administración pública cuando piensa en cómo «reactivar» las zonas rurales, o cómo ayudar a emprendedores (no me gusta esa palabra), piensa en gente que vaya a un pueblo a montar un negocio, contratando gente. Y también hay gente que no montamos un negocio si no una asociación, que no contratamos gente ni vendemos un producto concreto, pero de alguna manera somos emprendedores (no me gusta esa palabra otra vez, pero es la que ellos utilizan) y estamos aportando un beneficio al pueblo, aunque sea inmaterial o intangible. Las administraciones tienen que abrirse para entender eso, y me he encontrado alguna trabas en ese sentido. Además de que en esas ayudas a emprendedores a veces se busca a familias con hijos o que puedan tenerlos. Lo entiendo, pero como persona no heterosexual, también me siento excluido. Soy una persona de 40 años, cisgay, que trabaja en cultura. En una ciudad puedo ser un estereotipo, pero en un pueblo estoy fuera de toda oportunidad de recibir ayudas porque ya no soy considerado joven (administrativamente hablando), no tengo hijes por tanto no soy útil para repoblar, y trabajo en un sector que no es muy productivo en el sentido más utilitario del término.

«si tu proyecto no se adapta al pueblo, no va a sobrevivir»

«estamos ofreciendo un beneficio al pueblo, aunque sea inmaterial o intangible. Las administraciones tienen que abrirse para entender eso»

– También fundaste en 2013 y dirigiste la Asociación cultural y LGTBIQ EACEC de la provincia de Guadalajara junto a ¿qué actividades realizáis y qué importancia tiene en el entorno rural?

Pues yo creé la asociación en 2013, y la dirigí hasta 2022. Desde entonces la co-dirigen Raffaella Corrales y Angel Castro.
Empezamos como asociación local en Azuqueca, y en 2022 nos convertimos en asociación provincial, porque se nos acercaban o nos llamaban de otros pueblos, y vimos que lo que estábamos haciendo en Azuqueca había que trasladarlo a otros sitios. Aparte de organizar el Orgullo en el mes de junio, durante el resto del año hacemos charlas, proyecciones, presentaciones de libros, damos charlas en institutos, tenemos una oficina de atención una vez al mes, y atendemos por redes o en persona todo tipo de casos y consultas. Suele haber muchas dudas de familias, sobre todo en casos de menores trans. Puede que la familia apoye o no, si es que no, hay que ayudar, y si es que sí, igual tienen muchas dudas sobre dónde ir, cómo cambiar documentación, qué papeleo hay que hacer, qué pasos dar, etc.
En zonas rurales no hay nadie a quien acudir para buscar ayuda e información sobre ciertos temas: ni el centro de salud, ni el centro comarcal de la mujer, ni el centro educativo. Nadie tiene formación en diversidad, tampoco hay otras familias o personas con quien puedas hablar, y ahí es donde entra la labor de asociaciones como la nuestra.
Seguimos teniendo nuestro centro de operaciones en Azuqueca, pero nos movemos si hace falta para atender personalmente o para hacer alguna actividad abierta. Hemos estado en estos años en pueblos como Alcocer, Molina de Aragón, Cifuentes, Brihuega, Cabanillas del Campo, Villanueva de la Torre, Marchamalo, Fontanar, Tórtola y otros. Y en la mayoría de esos pueblos, esa actividad que se hacía era la primera con temática LGTBIQ. Y siempre se crea un ambiente muy de confianza, de hablar de historias personales, con gente joven, con gente mayor… Hace falta que las personas LGTBIQ nos visibilicemos en los pueblos, pero tenemos también en general muchos prejuicios sobre el mundo rural y la discriminación.
En el pueblo es verdad que no tienes el anonimato que tienes en la ciudad, pero si te agreden, el agresor tampoco tiene ese anonimato. De alguna manera estás más protegido/a/e. Pero siempre hay cosas que no se hablan, malas experiencias, gente que lo ha pasado mal en su infancia o adolescencia, y es importante hablar de ciertas cosas y sacarlas, generar conversación y empatía, para que esas cosas sanen, no se repitan, y nadie se sienta aislado/a/e en su pueblo y los pueblos sean espacios seguros para cualquier persona.

«siempre se crea un ambiente muy de confianza, de hablar de historias personales, con gente joven, con gente mayor… Hace falta visibilizar a las personas LGTBIQ en los pueblos»

«siempre hay cosas que no se hablan, gente que lo ha pasado mal en su infancia o adolescencia, y es importante hablar de ciertas cosas y sacarlas, generar conversación y empatía, para que nadie se sienta aislado/a/e en su pueblo y los pueblos sean espacios seguros para cualquier persona»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me gustaría estar bastante tiempo con la residencia, es lo que me ocupa la mente ahora mismo y lo que me va a tener ocupado los próximos años. Ampliar el proyecto lo que se pueda durante el resto del año, ver qué otras actividades puntuales se pueden hacer o qué cosas surgen sin buscarlas.
Me gustaría retomar mi vida como artista en algún momento. Tener tiempo para mí.
Y me gustaría también que este proyecto sea una manera de difundir lo rural. Que tengamos referentes rurales, proyectos o personas. Cuando crecemos fuera de una ciudad, tenemos siempre la sensación de que tendremos que ir a la ciudad para ser alguien, o para conseguir algo en la vida. Me gustaría que proyectos como este sean un ejemplo de que no hace falta. Que sí, puedes salir a estudiar, a trabajar, a conocer,… pero luego puedes desarrollar tu vida donde te apetezca, no tienes que abandonar el pueblo para siempre. Necesitamos referentes que nos digan y nos muestren que quedarse en el pueblo no es un fracaso. Y también referentes diversos, personas LGTBIQ, que quizás debido también a nuestras propias experiencias de infancia o adolescencia, tenemos que reconciliarnos con lo rural y derribar los estereotipos que existen sobre la discriminación, que muchas veces no se ajustan a la realidad.

«Necesitamos referentes que nos digan y nos muestren que quedarse en el pueblo no es un fracaso»

«Y también referentes diversos, personas LGTBIQ, que quizás debido también a nuestras propias experiencias de infancia o adolescencia, tenemos que reconciliarnos con lo rural y derribar los estereotipos que existen sobre la discriminación»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

Esta es una pregunta complicada porque en teoría por mi labor como artista o por la residencia no recibo remuneración, por tanto no sería trabajo.
Soy una persona muy tranquila, pero últimamente me han dicho varias veces que soy “intenso”. Y es verdad que con todo lo que tiene que ver con cultura, que me apasiona, o con activismo, soy algo intenso. Estoy intentando aprender a manejar esa intensidad y a entregarme menos, porque me vacío en todo, y me agoto.
Vivimos en una vorágine que nos quema, y a veces cuando entramos en esa rueda no sabemos parar. El trabajo acaba ocupando más tiempo del que debería, y te das cuenta de que no tienes tiempo para ti mismo, o para no hacer nada. Estoy en proceso de aprender a no hacer nada, a tener más tiempo libre y a no sentirme mal por ello.

«Vivimos en una vorágine que nos quema, y a veces cuando entramos en esa rueda no sabemos parar»

«Estoy en proceso de aprender a no hacer nada, a tener más tiempo libre y a no sentirme mal por ello»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

La abolición del sistema capitalista, de este incendio voraz que nos quema y nos agota. Que se hicieran leyes de discriminación positiva para beneficiar al tiempo libre sobre el tiempo de trabajo/producción. Poder dedicarme a la cultura sin la presión del dinero. Que el arte y la cultura no sean un sector precario para quien se mete en él sin un colchón o un segundo trabajo. Quedarme en el pueblo y criar gallinas.
Son muchos deseos pero pueden resumirse todos en el primero.

«La abolición del sistema capitalista, de este incendio voraz que nos quema y nos agota»

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Las opiniones expresadas en las entrevistas son responsabilidad del/los entrevistado/s  y no necesariamente reflejan la opinión de YANMAG

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