8×8 (infinito x infinito) es un proyecto curatorial de entrevistas a mujeres artistas y gestoras culturales dirigido por Andrea Perissinotto con la colaboración de YANMAG

«Mis preocupaciones giran en torno a la paradoja del yo en el entorno urbano»

Begoña Cid trabaja en su obra en torno a la paradoja del yo en el entorno urbano: frente a la invasión permanente de los otros, la resistencia, y en ella, la posibilidad de lo íntimo. El individuo que transita en espacios arquitectónicos y geométricos que determinan sus sensaciones y sus relaciones, en los que sobrevive y en los que también consigue, por momentos, comunicarse con los demás.

Una obra donde la ciudad, con todo su poder de formas y color, condiciona nuestra vida.

Andrea Perissinotto sobre la obra de Begoña Cid:

«En lo que llevo de camino he ido tan rápido que casi me pierdo. He intentado despegar para alcanzarme hasta llegar a verme desde lo más alto de mis intangibles incongruencias. Sin ser más urgente o menos indispensable, he arrojado mi máscara verdadera, vibrante, venenosa, llena de suspiros y me he puesto otra que no huele a miedo, ni a coraje.

Mientras me escondo en las contradicciones, en la buena y en la mala suerte, mientras me desentiendo de mis aciertos, mientras recurro a las pastillas en el cajón, resistiendo a las contracciones de mi autonomía claustrofóbica y rebelde, pierdo toda posibilidad de formular preguntas y nos quedamos mirándonos la incertidumbre y yo sin volver a encontrar, nunca jamás, el primigenio punto de partida.

Pero hay un sitio donde me atrevo a bajar, un sitio que es inicio y es fin, también “un sitio mientras”… un lugar de residuos y recuerdos, de suspiros solapados en capas de estrés, de cansancio y espera, fastidio, paciencia, ruido, sopor y embriaguez. Ese sitio es el Metro de Madrid: debajo del bullicio de la ciudad hay otra energía en movimiento, un flujo incesante de cuerpos, de calor, de cuerpos, de respiraciones cruzadas, de cuerpos, de miradas dormidas.

Tensión, diversión, intolerancia, un asiento perdido, sonrisas, música, impaciencia, dejar salir antes de entrar; cuerpos, más cuerpos, el tren que se para de repente, cuerpos que se aprisionan… se abren las puertas. Aire frío de la calle, es de noche. Aire frío de la mañana, es hora de volver a meterse en ese delirio centrífugo de poemas titulados vidas.

Un baile cuya coreografía se ensaya en las obras de Begoña Cid, como un karaoke de colores y formas, una serpiente de gran angular deslizándose por donde la arquitectura y los transeúntes se sujetan mutuamente, definiendo un espacio conocido y nuevo a la vez, que desahoga su insomnio febril hacia cualquiera de las direcciones posibles. Un tetris aparentemente descontrolado y, sin embargo, en su palpitante agitación se gesta toda una declaración de intenciones.

Es un caos organizado en el cual coexistimos y dentro de esa anarquía de caminos cruzados la artista hace fluir sus pinturas como estados de trasformación, reuniendo la fuerza y la sutileza de unas emociones que chocan entre ellas y en ellas mismas. Como nosotros nos atascamos y fluimos entre masas que redibujan una ruta, una bandada de pájaros bajo tierra. Fragmentos de unicidades que se leen en la uniformidad de un tiempo común que nos une: el del trabajo, de una cita, del ocio o del placer del reencuentro.

Repasando los últimos diez años de carrera de Begoña, encontramos la serie Conversación (2012), en la cual sus protagonistas nos desvelan una propensión al acercamiento, una conexión espontánea… empatía amparada por una fisicidad que se manifiesta fusionando esos individuos en unos gestos de complicidad y hasta de cariño. Asimismo, nos encontramos también con la situación opuesta, cuando una actitud de total indiferencia hacia un compañero de viaje, que ocupa el asiento de al lado, se traduce en una clara señal de alejamiento. En los siguientes años, hasta 2016, las escenas cotidianas se apoderan del espacio y los cuerpos se amontonan, sugiriendo una saturación que sigue sometida a cierto equilibrio.

Lo vemos en Ciudad de Errantes, donde los sujetos, hieráticos o en acción, están relacionados por un ensimismamiento cuyo denominador común es el silencio. Un sosiego aparente, habitando un espacio que a veces se intuye, como puede ser una sala de espera, otras, en cambio, está más bien sugerido a través de pinceladas amplias que crean un fondo, el cual delimita y al mismo tiempo, acompaña cada historia hacia una secuencia de historias.

Íntima y febril, mágica y caótica, circense y cálida. La ciudad de Begoña Cid evoluciona, en las series sucesivas, desde el 2017 y hasta la actualizad (su más reciente exposición individual: Non somos de eiqui, se inauguró en abril de 2023 en la sala José Ángel Valiente de Ourense), descargando progresivamente la presencia de aquellos cuerpos que habían sido el fulcro de sus obras, para reubicarlos como figurantes de una arquitectura que parece tener una vida independiente.

Los personajes monocromáticos son siluetas que cohabitan la geometría del color: un panorama que se desestructura y redefine en bloques de diferentes tonalidades, invitando el espectador a ser partícipe de la escena. Pasillos infinitos, calles que no sabemos dónde nos van a llevar, pero esas incógnitas no nos asustan, al contrario, consiguen atraparnos en una dimensión reconociblemente onírica.

Estamos a gusto, casi protegidos, entre esos muros de sugestiones fugaces, rasgados con la insistencia y el abandono: las dudas, los cambios, los finales que no acaban. Quizá se trate más de inicios o incluso de reinicios, amaneciendo sobre un día tras otro, aplastando nuestro tiempo, arrugando una esquina del existir y repitiendo patrones hasta que la costumbre nos desgaste.

Begoña eleva el deseo de paz afincándolo en el hogar de la soledad, para que ese margen de duda, esa pared de papel, desde la que oímos todo sin escuchar nada, se transforme en una revelación de lo que, probablemente, ya sabemos, pero no queremos ver. Al final, los finales puede que nos libren, solo hay que atreverse a empezar.

ENTREVISTA CON BEGOÑA CID

– ¿Cómo definirías tu obra?

Mis preocupaciones giran en torno a la paradoja del yo en el entorno urbano: frente a la invasión permanente de los otros, la resistencia, y en ella, la posibilidad de lo íntimo.
A partir de fotos, anotaciones, pensamientos diarios y dibujos cotidianos, creo una representación del entorno urbano paralela, cambiante, un nuevo espacio, traducción emocional y psíquica de una realidad objetiva, que se desestructura en el proceso, se rasga y deforma, se transforma, abandonando su representación más literal, para encontrar su verdadero ser.
Las relaciones interpersonales enmarcadas en el entorno, la comunicación consciente e inconsciente, la falta de comunicación aleatoria, la percepción subjetiva de los lugares comunes, y la representación de su proyección en el espacio, son algunas de las ideas desde las que planteo mi trabajo, en el que investigo asuntos que son la clave de nuestra vida urbana, como la masificación, la soledad, la incomunicación, la pérdida de identidad o la marginación personal.​

– Tu obra ¿tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o se refiere a más géneros?

En mi obra intento conectar con el pensamiento íntimo vinculado a lo que nos hace quienes somos, a la identidad individual en relación a los demás y a nuestro lugar en el mundo. En este sentido el ser mujer es un pieza fundamental ya que implica una construcción desde la vulnerabilidad y la supervivencia. Sin embargo, aunque personalmente me interesa mucho la temática feminista, no suelo tratarla de forma directa.

– ¿De qué proyecto te sientes más orgullosa hasta el momento?

Del proyecto que estoy mas orgullosa hasta este momento es “Esto No Es Una Casa”. En este proyecto he buscado alinear la experiencia de vivir
confinados, con la vida habitual en el espacio público, remarcando las similitudes entre una experiencia excepcional como fue este momento
con la vivencia diaria en el entorno que a veces es también cerrado y claustrofóbico. El desarrollo de este proyecto me ha permitido crecer, y
profundizar en las ideas que quiero contar y en su materialización.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Quiero iniciar una serie para pensar el espacio común como escenario, el lugar donde la vida se desarrolla como una obra de teatro. Alrededor de
esta idea va a girar mi próximo proyecto.

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Absolutamente. Como en todos los ámbitos de la sociedad los hombres copan los lugares de decisión, y bien sea deliberado, o bien sea por inercia, tienen a escoger a otros hombres para los proyectos que quieren desarrollar. La discriminación está tan establecida que prácticamente no llama la atención.
Recientemente he asistido a una exposición colectiva de 50 artistas de los cuales solo 10 eran mujeres. A pesar de ser vergonzante, nadie se sonrojó.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza su andadura profesional?

Que no espere a que otros cuenten con ella para realizar sus proyectos. Que tome la iniciativa desde el principio.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Me encanta Georgia O’Keeffe, como artista y como mujer, la forma en que vivió totalmente libre y ajena a las convenciones. También son muy
fan del trabajo de las expresionistas abstractas americanas, como Perle Fine y Lee Krasner, que fueron ignoradas en su tiempo de forma muy injusta precisamente por ser mujeres, pese a que su trabajo es impactante.

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

Muchas. Aparte de las nombradas, por supuesto las clásicas como Artemisia Gestileschi o Sofonisba Anguissola cuyo trabajo es increíble, recomendaría seguir a artistas más contemporáneas que a pesar de no tenerlo fácil, o precisamente por ello, han creado obras con una visión fuera de canon que es mucho más interesante… como el uso de la identidad de Cindy Sherman o del cuerpo de Ana Mendieta. Y ya para dejarse deslumbrar, recomendaría a Maruja Mallo, cuya obra siempre me asombra y no es tan conocida como debiera.

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Begoña Cid – Instagram

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«Utilizo, de una u otra forma, la figura de la mujer recontextualizándola»

Patricia López Landabaso presenta una obra donde el amor está presente pero también el dolor, la violencia, el desengaño y las complejas relaciones entre el hombre y la mujer. Ya sea en cuadros o performances, la artista replantea las ideas asociadas al universo femenino y resignifica la figura de la mujer en la sociedad, aunque sus obras van mucho más allá y sugieren múltiples y libres significados para aquel que las contempla.

Andrea Perissinotto sobre la obra de Patricia López Landabaso:

«Me apoyo a una montaña de algodón; cansancio, decisiones perdidas, sal en la lengua, champán y frustración confluyen en mis venas y desde esta altura nocturna reluce mi traje de novia, brillando sobre las heridas que se arriman a mi existencia, a mi perplejidad y a mi disconformidad sepultadas en el blanco. Déjame vestir un día de fiesta y antepón las caricias a un desenlace del que intento huir, porque hoy quiero aplausos para mí, para mí, para mí, para mí.

Esta soy yo, la prometida en su boda, arroz en los ojos, fotos y flores, estrellas, burbujas, agujas punzantes en la piel blanca, la piel vivida. Vinagre y caviar, elixir de mentiras, sonrisas fáciles; mis súbditos cebándose con sus propias bellotas. Miles de ojos, miles de silencios desterrados cantando historias olvidadas que reviven en las caras conocidas.

Sube al altar, soldado de mis guerras, e inúndame otra vez de cicatrices rapaces. Tu fusil en mis piernas me detiene otra vez y salpica su semilla en mi vestido lleno de azotes, mientras soplas con fuerza fingiendo apagar este engaño para convencerme de que me estoy metiendo en el futuro adecuado.

Ácido en mis ojos y todavía no he acabado de llorar dudas; huelo tu testosterona deshacerse en mi lengua, pero el sabor de tu indecencia no se apaga nunca. Me acuesto en otra montaña, la de chatarra que me rodea el corazón: piedras e imágenes que no vi cuando pude y que queman ahora, en las cimas de mis días ahogados, números que no suman, ejércitos sin batallas, atónitos, inútiles, inertes, ausentes.

Entonces quédate ausente un minuto más, para que me pueda tragar todo el remordimiento de esta luz que es la primera que bebemos juntos y la primera que empezaré a perder yo, como perdí mi soledad liberadora. Ni una pizca de satisfacción, ni una gota de goce para mí. Para mí no hay descuentos, porque no hay rebajas para los perdedores, los que nos hemos rendido, los perdedores de antemano, los del sacrificio carnal, espiritual, elemental, embriagados en un sótano lleno de destellos y territorios cerrados. ¡Qué la suerte me acompañe!

Y yo me he cansado de ser reina sumisa: ni libertad en el altar, ni rescate en la tierra firme. Lamento mi pérdida y me quedo tirada en la superficie de un destino injusto… tartamuda como un tambor a mitad, la mitad que falta, la que sobra, la mitad de mi existencia. En esa dicotomía, en esa mirada sucia están tus culpas y mi impotencia. Brindemos, pues, a lo que nos jode y nos fecunda, follándonos recuerdos y poesías, aludiendo a que no nos queda otra por ser víctimas de una época irreversible y alcohólica, de unos tiempos irremediablemente obscenos.

Seré una estatua más, una muñeca rodeada de lavanda y arándanos, del dolor de ser sin haber sido, seré una semana sin días festivos, llena de deseos superfluos respirando ansiedad y engaños, desgarros que no sanean y destrucciones que truenan. Empiezo a contar lo que no tengo y desvío la felicidad hacia otra acrobacia. Sin moverme ahora, la decisión ya está tomada y no me queda más que brillar, aguantar y olvidar.

La figura de la novia representa un elemento crucial en la iconografía de Patricia López Landabaso, apareciendo con continuidad en sus obras pictóricas y también en las piezas de arte vivo. Tanto es así que en muchas ocasiones las performances coexisten, complementan e incluso potencian la experiencia expositiva junto con las pinturas, esculturas e instalaciones, como si fueran partes inseparables de un cuerpo único, un abanico de formas y significados que nos hablan en diferentes idiomas, pero cuyo mensaje es tan firme y cristalino que no nos hace falta traducción alguna.

Para Patricia la performance es unicidad, inmediatez, una confrontación con el espectador que consume con ella el placer instantáneo de la pasión, el miedo, la razón de ser artista y vivir de unas emociones que se potencian según va avanzando la acción. De hecho, nos comenta que «en la performance corres muchos riesgos porque, al ser todo tan inmediato, no hay un después ni un antes».

Ese factor irrepetible, que la conquistó cuando todavía estaba empezando la carrera de Bellas Artes, se manifiesta con fuerza, decisión o con pausada solemnidad, en piezas como La novia desescalada o Mi pistola azul te mata rosa. En la primera, Patricia recorre un camino que empieza en un entorno urbano para luego adentrarse en la naturaleza, en un parque por cuyos senderos la protagonista se pasea en absoluta soledad, restituyéndonos una imagen insólita, con respecto a la de una boda donde los novios suelen estar siempre rodeados por una multitud de personas vitoreándoles hasta la saciedad en un día de fiesta que ha de ser, sí o sí, memorable.

Mientras que, en la otra acción, el clásico vestido blanco y sus diáfanos volúmenes chocan con el impactante y cortante color negro de una máscara de soldar que lleva puesta la artista mientras, con un taladro en la mano, va perforando un barreño de color azul. Luego, tras agujerear el recipiente en varios puntos, coloca en su interior una bolsa repleta de un líquido rosa, la cual sucesivamente pincha con una aguja dando vida a un chorreo instantáneo y vigoroso que estalla como un fuego artificial en todo su ímpetu: cándida amenaza, los gritos, las borrascas, la paciencia agotada que explota esparciendo jolgorio por todas las variables de una resistencia que es concienciación, ataque y defensa a la vez.

Vueltas y vueltas, rebobinando, anhelando, proyectando resignación que se transforma en orgullo y fuerza que destruye las paredes de una cárcel superpoblada de tanta rabia que ya es imposible de contener. Esa energía, detenida por las costumbres, por las imposiciones de un patriarcado o de culturas donde los derechos de las mujeres son ninguneados, se convirtió en otra performance de López Landabaso que tuvo lugar en la edición de 2022 de Hybrid Art Fair, dentro del proyecto “F” de la galería La Gran, codirigida por Pedro Gallego de Lerma y Yaiza González.

Es esa ocasión, que coincidió con el inicio de la invasión rusa de Ucrania, Patricia volvió a vestir el traje de novia y, subiéndose a la cama de la habitación 215 del hotel Petit Palace Santa Bárbara de Madrid, llevó a cabo Jaculatoria: una irrupción de milicianos asaltando su propio cuerpo. Se trataba de unos soldaditos de plástico que la artista iba colocando encima su ropa cándida y brillante, convirtiendo esa inmaculada extensión de luz y esperanza en un inquietante campo de batalla.

Vemos entonces como Patricia López Landabaso nos habla de un conflicto que es físico, pero también mental, que atrapa mujeres de diferentes generaciones y estratos sociales, de países diversos y donde las herramientas para escapar de un destino que les ha sido impuesto o que se les ha derrumbado encima, son también heterogéneas. Porque no es lo mismo darse cuenta de que un “sí, quiero” no ha sido un acierto y poder dar marcha atrás, que estar atrapadas en un infierno de humillaciones, violaciones e insultos.

Con su paseo solitario Patricia me recuerda la ausencia de apoyos que muchas mujeres experimentan, pero también la independencia que otras están conquistando, gracias a su valentía, perseverancia y resiliencia. Con la máscara de soldar Patricia me recuerda aquellas miradas sepultadas detrás de un burka y que se hunden en la falta de esperanza o que no han conocido siquiera otro posible camino hacia un futuro sin barrotes.

Evocando a la guerra en su propia piel Patricia me recuerda que hay violencia alrededor de la violencia y que todos estos recuerdos no pertenecen al pasado, sino que apuntan directamente a nosotros, a nuestra conciencia, a la necesidad de implicarnos en apagar un fuego que nos está quemando cada vez más cerca, cerca de nuestra intimidad, de nuestra familia, de nuestras abuelas, nuestras hermanas, nuestras propias madres.

Un incendio que está hecho de historia y de presente, de tradiciones anacrónicas, de egoísmo y apatía, de huidas cobardes, cadenas, rostros borrados, palabras y gestos prohibidos y tantos, demasiados vestidos blancos, demasiadas esposas ardiendo mientras aquí el humo se disipa según nos alejamos de las llamas. Y esas llamas no se apagan solas. Nos daremos cuenta cuando tengamos los ojos llenos de ceniza y no nos quede ni una, ni una gota de ahora.»

ENTREVISTA CON PATRICIA LÓPEZ LANDABASO

– ¿Cómo definirías tu obra?

Me gusta burlar ese vicio humano que consiste en querer encontrarle sentido a las cosas, cueste lo que cueste, o imponérselo por las bravas.

Mis cuadros no encierran eso. Mis cuadros contienen lo que quieran encontrar los ojos que los miren, proponiendo la total libertad de los deseos.

– Tu obra ¿tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o se refiere a más géneros?

Pienso que sí, aunque el contenido no sea tan claro como creo yo que es cuando lo estoy pintando. Ya sabes, cada uno ve lo que ve.
Mi obra está plagada de amor, pero también de desengaño, de violencia, de dolores, de las complejas relaciones entre mujer y hombre… Pues eso, yo creo que mi obra está llena de universos femeninos.

En mi recuerdo están las miles de imágenes que me han acompañado y me acompañan, con las que cuestiono los mecanismos de poder y las jerarquías de género. Una lucha de las mujeres y los estándares establecidos que están en la base de mi pintura. Utilizo, de una u otra forma, la figura de la mujer recontextualizándola y desarrollando el significado que se encuentra en el que se acerca a la obra.

Todo ello me ayuda a crear una especie de mapa personal con una realidad a veces vivida, inventada o imaginada teniendo en cuenta las cuestiones de género. Mis obras son por qué no, universos femeninos.

– ¿De qué proyecto te sientes más orgullosa hasta el momento?

La verdad es que estoy muy orgullosa de seguir en el mundo del arte porque es lo que me hace absolutamente feliz. Me fascina el arte y permanecer a su lado, bien realizando performances o bien pintando.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Muchos, pero el que más me gustaría realizar es un proyecto del cual vaya a estar orgullosa en el futuro, pero ahora mismo no sé cuál elegir de todos los que hay en mi cabeza.

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Por supuesto. No hay más que ver la performance Queridas viejas de María Gimeno, que incide sobre la ausencia de las mujeres en la Historia del Arte para darte cuenta de la complicación.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza su andadura profesional?

Haz lo que te parezca que tienes que hacer. Confía en ti misma.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Cuando era joven a la primera mujer artista que conocí fue Liubov Popova, pintora rusa que me pareció muy valiente por lo que vi que pintaba. Mientras estudiaba, mis referentes fueron: Sophie Calle, Cindy Sherman y Bárbara Kruger. Pero dentro del mundo de la performance, donde existe inmediatez y confrontación con el espectador para que la mujer exprese libremente su discurso sin estar sometida a los tradicionales patrones culturales, se encuentra María Teresa Hincapié, cuyas acciones artísticas se relacionan con los problemas que acompañan a la mujer y con el mundo que la rodea.

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

A parte de las que he comentado como parte de mis referentes, recomendaría igualmente conocer la obra de Tania Bruguera, Regina José Galindo, Felicidad Moreno, Juana González, Marta Beltrán y Daniella Martí, aunque podría dar más nombres.

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8 minutos con Sara Torres Sifón

Andrea Perissinotto conversa con Sara Torres Sifón, crítica de arte y directora de la revista Plataforma de Arte Contemporáneo, en la Feria ARCO. Sara Torres Sifón ha presentado el libro «¿Es posible vivir del arte contemporáneo?», una guía publicada por PAC para futuros profesionales del mundo del arte, donde explica el funcionamiento de este sector.

Esta entrevista forma parte del proyecto 8 x 8 (infinito x infinito), que da difusión al trabajo de las mujeres profesionales del mundo del arte.

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Andrea Perissinotto entrevista a Luisa Pastor, artista que presenta su obra en la Galería Nordés en Feria ARCO 2023.

En esta entrevista Luisa Pastor nos habla de su proceso creativo y el desarrollo de su trabajo en estos veinte años.

Esta entrevista forma parte del proyecto 8 x 8 (infinito x infinito), que da difusión al trabajo de las mujeres profesionales del mundo del arte

Con motivo de la clausura de la exposición individual de Hana Jaeger titulada Me llamo Ana, encantada, Andrea Perissinotto, comisario de la muestra, entrevista a la artista en 8 minutos con, las videoentrevistas de 8 x 8 (infinito x infinito) el proyecto de disfusión de mujeres profesionales del mundo del arte.

Lee la entrevista con portada que dedicamos a Hana Jaeger y en 8 x 8 (infinito x infinito)

Andrea Perissinotto conversa con Patricia López Landabaso en 8 minutos con

las videoentrevistas de 8 x 8 (infinito x infinito)

el proyecto de disfusión de mujeres profesionales del mundo del arte

A través de esta entrevista descubrimos la trayectoria de Patricia López Landabaso y su visión del mundo del arte

Andrea Perissinotto conversa con Rocío Bueno en 8 minutos con

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A través de esta entrevista descubrimos la trayectoria de Rocío Bueno y su visión del mundo del arte

Andrea Perissinotto conversa con Sara Quintero en 8 minutos con

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A través de esta entrevista descubrimos la trayectoria de Sara Quintero y su visión del mundo del arte

Andrea Perissinotto conversa con Elisa Miralles en 8 minutos con

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A través de esta entrevista descubrimos la trayectoria de Elisa Miralles y sus próximos proyectos

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Andrea Perissinotto conversa con Cinzia Newoman en 8 minutos con

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A través de esta entrevista descubrimos la trayectoria de Cinzia Newoman y sus próximos proyectos

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Andrea Perissinotto conversa con Irene Cruz en 8 minutos con

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Entrevista por Andrea Perissinotto – YANMAG

Hana Jaeger observa desde su obra a los no elegidos, la gente corriente y anónima a la que no se presta atención, que conforma el paisaje de la vida diaria en una calle cualquiera, en un cruce de caminos o en una vivienda humilde. Son los que esperan, los que habitualmente obedecen: trabajadores, enfermos, médicos, jóvenes o amas de casa. También observa desde su obra a los que mandan sobre ellos, sobre todos nosotros, la sombra gris o verde del poder, también representada por personajes anónimos vestidos de traje o uniforme.
Ella nos muestra a todos con una pincelada libre, honesta y directa, que se derrama en el lienzo y que no entiende de límites. Su obra es un espejo social en el que nos encontramos, a veces con ternura, con comprensión o con dureza.
Un retrato colectivo que nos despoja de artificios para acercarnos a lo real.

Hana Jaeger

presenta su primera exposición en España

Me llamo Ana, encantada

en la Sala de Exposiciones del

Centro Sefarad-Israel de Madrid

del 6 de febrero

al 5 de marzo de 2023

comisariada por

Andrea Perissinotto

Texto comisarial de la muestra:

ME LLAMO ANA, ENCANTADA

HANA JAEGER

Texto: Andrea Perissinotto
Comisario de la exposición

«Uno de los regalos que recibí para mi último cumpleaños fue un reloj de arena, aunque de arena como tal tenía más bien poco, porque los granitos eran en realidad pequeñísimas esferas doradas de metal. Cuando le di la vuelta, tras unos instantes apoteósicos en los que la catarata de micro esferas bruñidas iba descendiendo con todo su vigor, hasta chocar con las paredes cóncavas de cristal, de repente, las bolitas se quedaron atascadas por sorpresa de todos los que estábamos asistiendo a ese refulgente transvase de nuestro propio tiempo.

La autora del regalo se apresuró a disculparse, añadiendo que me lo habría cambiado con otro que “funcionara”. Al principio me pareció lo más oportuno, sin embargo, mientras seguía contemplando ese artefacto rebelde, vi en él un amuleto para defraudar la costumbre, lo esperado… de alguna manera, me estaba entregando otra percepción del paso del tiempo, fuera del control y de los límites. Sin cabida alguna para la medición exacta, de definido a indefinido, de cierto a incierto: impredeciblemente libre.

Hana Jaeger cuando llegó a Madrid, hace tres años, en 2020, también le dio la vuelta a su reloj y, al igual que el mío, de repente se quedó parado. En esa arena se mezclaban emociones, sueños, esperanzas y, desde luego, también la incertidumbre que cualquier cambio de vida lleva consigo. Sin poder fluir hacia el futuro esperado, esos sentimientos se quedaron atrapados en una espera agotadora marcada por tantas, demasiadas incógnitas, y ese cúmulo de enigmas tenía un nombre: COVID 19.

Una pandemia que sufrimos todos, aunque, por supuesto, en diferentes medidas; esa batalla interior que tuvimos que combatir aliándonos con una esperanza ciega, la resiliencia y la tragedia propia y ajena (la segunda, para los que finalmente nos quedamos, es la que más hiere y marcó un antes y un después en nuestras vidas), se trasladaron a los lienzos y las cajas que la artista presenta por primera vez al público en su también primera exposición individual en Madrid.

El título de la muestra Me llamo Ana, encantada es un manifiesto en sí mismo de esa espera forzada a la que la artista se tuvo que someter, tan solo unos meses después de haberse mudado a España. Por un lado, porque nos está diciendo: «¡por fin me podéis conocer (y yo a vosotros)!». Por el otro, porque hace un guiño al país que le dio la bienvenida, a su gente, a su idioma y españoliza su nombre -al quitarle la h-, convirtiendo Hana en Ana.

En efecto, además de tratar un tema tan delicado y todavía presente, como es la pandemia de COVID 19, Hana/Ana (de aquí en adelante la llamaremos con su nombre de adopción) trata en sus obras una variedad de temas y situaciones cotidianas: desde una acción de un partido de fútbol al que asistió en un bar del centro de la capital, hasta un botones de hotel hierático, probablemente a la espera de instrucciones precisas sobre dónde colocar las maletas de unos clientes, pasando por varias conferencias de posibles políticos, diplomáticos o, quizá, simples vendedores de algo.

Sin embargo, los verdaderos protagonistas de las obras de Jaeger son «los invisibles», es decir, aquellos que no aparecen normalmente en las noticias, en los periódicos, los trabajadores -en cierta manera- olvidados, pero imprescindibles: barrenderos, enfermeros, médicos, policías y luego muchos, muchos transeúntes que, al fin y al cabo, podríamos ser nosotros mismos. Porque ¿cuántos de nosotros nos podríamos incluir en esa categoría de recursos humanos (o personas, así, a secas, independientemente de la profesión que ejerzamos) necesarios pero invisibles?

Bajo este prisma, Ana nos otorga una dignidad universal poniendo cara a un olvido injusto y lo hace difuminando, tras poderosas pinceladas, los rasgos de los personajes que retrata para enfocarse en sus actos, en la importancia del momento y en el valor intrínseco de su propia presencia, como queriendo lanzar un mensaje de concienciación que afirme: «yo, al estar aquí, te sirvo».

«Te sirvo», en el sentido literal de prestar un servicio a otras personas, sea este el hecho de limpiar, de llevar comida a domicilio, cortar el pelo o subir un paciente a una ambulancia, tan solo por poner unos ejemplos. Y aunque es cierto que en los cuadros de Ana aparece a menudo gente en movimiento, también es irrefutable que en varios de ellos la artista se detiene para acompañarlos en un momento de descanso, tan merecido y tan necesario.

Es así como vemos a un rider sentado al lado de la típica mochila amarilla que lleva siempre consigo; unas monjas, también sentadas, a la espera… no sabemos exactamente de qué… e incluso hay una pequeña serie de payasos, una vez más, sin un rostro definido y cuya vestimenta nos delata su profesión, pero la ausencia de gestos llamativos (como una mueca socarrona, una sonrisa excesiva o una acción que acentúe su tarea, que es la de hacernos reír) nos permite casi entrever cierta tristeza o soledad, probablemente porque lo que nos esperamos de ellos es justamente lo contrario.

En todo caso, yo diría más bien que a lo que asistimos es al cansancio de hacer, ese agotamiento que es consecuencia directa del trabajo y no de una actividad cualquiera sino, en repetidas ocasiones, se trata de una labor física, de fuerza y resistencia. De hecho, hay hasta dos obras que retratan a operarios del Museo Reina Sofía mientras mueven unos cuadros, pasando al lado del Guernica de Picasso.

No obstante, ese desplazamiento se queda casi congelado como si Ana quisiese elevar la acción a homenaje de esos cuatro empleados quienes se hacen cargo del peso del arte: nos apoyan, a los artistas, y nos permiten enseñar nuestras creaciones, manteniéndose alejados de la parte más visible de la exposición, pero siendo una pieza indispensable de ella.

En una reciente entrevista para la Revista YANMAG, Ana dijo: «trato más con los marginales y los débiles, contemplo a la gente del día a día, a los que no vemos, a los transparentes, y documento los momentos que pasan desapercibidos, pero a todos les doy todo su esplendor. Les traigo del fondo al primer plano».

Sin duda, la artista cumple con sus intenciones y donde más fuerza adquiere su mensaje es cuando trabaja con cajas de cartón que encuentra en la calle, o con la paquetería que recibe de entregas a domicilio. Aquí la clave para que nos apoderemos del gesto, de la intención y de la poética que reviste este soporte para ella, se basa en el hecho de que sus intervenciones no están realizadas encima de una superficie cualquiera, sino que las propias cajas son parte integrante de la obra.

Y con razón lo remarca Ana, porque esos contenedores, de los que nos deshacemos nada más entramos en posesión de su contenido, podrían ser una metáfora de aquellos que ella misma ha definido como “los transparentes”, ya que sin embalajes la mayoría de los enseres que recibimos o compramos no llegaría íntegro a su destino, de la misma manera, sin aquellos profesionales que prestan servicios esenciales para nuestro día a día, no tendríamos unas calles limpias y recogidas, no llegaríamos a tiempo a nuestro destino en transporte público o incluso no llegaríamos a tiempo a nuestra propia pervivencia, si no hubiese médicos atendiéndonos en caso de necesidad.

Trabajos en los que la fatiga, también mental, el agobio, el estrés y hasta la ansiedad, pueden llegar a ser pasajes forzados de una cotidianidad que nos induce a menudo a refugiarnos en pensamientos que suponen un distanciamiento forzoso, incluso de nuestros seres queridos, porque a veces es tan difícil pedir ayuda que el hecho de aislarse puede ofrecernos un reparo aparentemente más protector o, por lo menos, dotado de una inmediatez aliviadora.

Es una salvación, eso sí, con fecha de caducidad, fecha -o caducidad- que aparecen en las obras de Ana y ni siquiera en sentido figurado, porque hay números en ellas, códigos de barras, palabras… un sinfín de información, al igual que la hay en ese bombardeo de datos, imágenes y sonidos a los que nos sometemos a diario. A tal propósito, veo una dicotomía entre estos tipos de materiales que emplea la artista para crear sus piezas pictóricas, de collage o técnica mixta y la irrefrenable dependencia que tenemos de la tecnología.

Porque la mayoría de los que vais a leer este texto, lo más seguro, es que lo leáis en vuestro teléfono y no sería de extrañar que, al deslizar el dedo para seguir leyendo, os topéis con algunas de esas obras en las que Ana retrata personas, solas o en grupos, caminando o paradas en algún lugar, mientras están totalmente absortas mirando su móvil.

Sería como verse en un espejo o darse cuenta de que alguien nos está mirando, o las dos cosas a la vez, lo cual potenciaría la sensación de sentirse observados, generando un estado de alerta, como si estuviéramos reconociéndonos a nosotros mismos, como si alguien nos regalara la oportunidad de pensar, de reflexionar. Como si nos estuvieran desconectando de la respiración asistida y pudiéramos reconectar con nuestro aliento, recuperando el ritmo para respirar, profundamente.

También podríamos ver las cajas machacadas, aplastadas, despojadas de su valor, incluso humilladas, como una muestra de la rabia enjaulada en nuestra necesidad de resistir, de soportar, de aguantar para luego deshacernos de todas esas emociones reprimidas tomándonos una revancha hacia quienes nos han maltratado. Entonces ¿las cajas maltrechas podrían ser la representación de nuestra ira cuando pensamos en los clientes arrogantes, los padres autoritarios, los profesores cansinos y todas aquellas variables de seres que no toleramos y que ejercen una presión (real o imaginaria) sobre nosotros?

Y esos golpes, esas imperfecciones que dejan huellas evidentes y que la artista no esconde, sino integra en el conjunto de la creación (ella misma nos decía que las cajas son la obra), ¿podrían ser heridas imaginarias que infligimos a terceras personas, o son autolesiones?

¿Es el consumismo una revancha o una rebelión? ¿Una dependencia, una cárcel dorada o una compensación para nuestros esfuerzos? ¿Es un premio o una condena? Si es verdad que, como decía el filósofo y antropólogo alemán Ludwig Feuerbach, «somos lo que comemos» y si es verdad lo que afirma la artista estadounidense Barbara Kruger, «I shop, therefore I am» («Compro, luego existo») podría ser también cierta la ecuación de que «somos las cajas que usamos y tiramos» o, dicho de otra forma, somos lo que consumimos.

En cualquier caso, la artista no se posiciona como elemento generador de conflictos (internos o externos que puedan ser), lo que hace es sugerir unas situaciones de emergencia para que, cada cual, pueda levantar la mirada de su smartphone y verse allí, en esa circunstancia autobiográfica. Además, al restar detalles y descargar de información visual el fondo de la composición, lo que hace Ana es invitarnos a centrar nuestra atención en los protagonistas de cada pieza.

A veces incluso parecen fluctuar en el espacio y hasta desaparecer, descomponiéndose y perdiendo materia, paso tras paso. Eso me ocurre a mí cuando salgo de mi casa por la mañana, todavía dormido y con los cascos puestos y me confundo con tantos otros como yo con los cascos puestos o sin ellos, aplastados en un trayecto de Cercanías que nos une en una historia colectivamente anónima… sin título, como “Sin Título” son todas y cada una de las obras de Jaeger.

Episodios de quehaceres ajenos que se entremezclan de forma espontánea y sin saberlo, estemos o no al lado de algún conocido o de algún desconocido por conocer. Vagones de trenes como salas de esperas, bancos para regalarnos un instante de sosiego o, simplemente, la tranquilidad del hogar para que nos sirva como refugio, viendo pasar episodios de quehaceres ajenos desde nuestra ventana.

Es que existe en la obra de Ana Jaeger una circularidad que nos remite, de nuevo, a un tiempo protegido, unos granos de arena sin descender, unas burbujas sin explotar, unas lágrimas retenidas y una curiosidad que al florecer nos está susurrando que, si queremos, no estamos solos. Pero, para que haya alguien dispuesto a recibirnos, tenemos que ser nosotros los primeros en ofrecernos.

Ana nos devuelve ciertas emociones universales que nos reconducen hacia unos interrogantes que están más cerca de nosotros de lo que podríamos imaginar y nos ofrece la oportunidad de pararnos a pensar en quienes verdaderamente queremos ser, antes de que ya no se pueda dar la vuelta al reloj y el tiempo nos separe nuevamente sin que podamos decidir hasta cuándo.»

ENTREVISTA CON HANA JAEGER

– ¿Cómo definirías tu trabajo?

Mi arte no es mi ocupación, es lo que soy, mi vida y el mundo que me rodea. Cada obra es una especie de pequeño mundo fuera del mundo entero, es una pequeña historia de vida, aparentemente sin significado, que es a mi modo de ver la más bella. Mi arte es mi autobiografía, lo mismo que la perla es la autobiografía de la concha (Federico Fellini).

El arte como yo lo veo es la cumbre de la galaxia humana donde el espíritu del artista se encuentra con el espíritu del espectador junto con el espíritu universal en medio de colores y formas que permiten lanzar la mirada sobre la escena. En mi arte no busco la objetividad como en las matemáticas o en la pintura hiperrealista, por el contrario, soy expresiva y trato de dar un nuevo valor a la banalidad y a lo más duplicado – a la disponibilidad. Tratando de convertir lo marginal y sin valor en lo central y valioso. En su libro Representaciones del intelectual (1996), Edward Said dedica un capítulo aparte al intelectual que se exilió de su país y vive en el extranjero.

“Hay una percepción habitual (…) de que estar en el exilio significa estar completamente separado (….) de tu tierra natal”, pero al igual que yo, él está de acuerdo en que ser artista en un país extranjero significa estar conectado con aquí y allá, con España y con Israel.

– ¿Tu obra tiene un significado ligado al tema de la mujer o, por el contrario, tiene un carácter que atañe a todos los géneros?

En mi arte me ocupo de la sociedad humana actual y me centro en los débiles y vulnerables, las personas transparentes, explorando cuestiones sobre el equilibrio de poder entre las personas en la sociedad, en la familia, y dentro de ella entre hombres y mujeres, y pasándolos por el filtro feminista. Dentro de todo eso, estoy mirando a comunidades débiles como inmigrantes y minorías.

– ¿De qué proyecto de los que has desarrollado te sientes más orgullosa hasta el momento?

Una exposición individual es para mí un proyecto en el que debo posicionarme y decir algo significativo. Resume un período relevante de tiempo en el que he trabajado. Una de mis exposiciones más importantes fue en 2016 en una apreciada galería en el corazón de Tel Aviv. “La muerte de Superman” tocó temas sociales políticos y también el lado más personal.

Superman ha muerto, ¿quién nos va a salvar de la enfermedad social? ¿desastres nacionales? O incluso de la crisis personal. Por supuesto que no hay una respuesta simple. La solución tiene que venir de dentro, de nosotros. Incluso para encontrar al próximo “Superman”.

– ¿Qué proyectos te gustaría hacer en el futuro?

En la etapa inicial de mi carrera, hice algo de escultura en hierro. Tuve una idea que nunca realicé, crear una enorme mariposa de hierro porque a veces lo siento así.

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Definitivamente. Desafortunadamente, es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera. En la escuela de arte en la que me gradué, las mujeres eran mayoría, pero cuando se mira al mundo del arte, se puede ver que la mayoría de los puestos importantes están ocupados por hombres y los artistas reconocidos que exhiben en museos y en las principales galerías son hombres.

– ¿Qué consejo le darías a una mujer artista que ahora mismo está iniciando su carrera en el mundo del arte?

El único consejo que puedo dar a las mujeres artistas emergentes es que se metan en su estudio, trabajen muy duro, mucho más duro. Esta es la única forma de superar este problema hasta que se logre la igualdad. Con un poco de suerte.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu obra?

Ruth Schloss (1922 – 2013), pintora israelí nacida en Alemania. Schloss expresó una visión socialista e igualitaria a través del realismo en su pintura utilizando composiciones expresivas. Una artista de protesta.
La imagen de la mujer presentada como símbolo de protesta silenciosa por las injusticias de la guerra. La mayoría de sus obras describen el lado débil de la sociedad y el lado malvado y oscuro de la humanidad. El ser humano y la sociedad ocupan un lugar central en su creación.
Schloss no obtuvo el reconocimiento que merecía en vida. Ahora se intenta hacer una corrección y se presenta su primera exposición individual en el Museo de Tel Aviv, un importante museo de arte muy apreciado en Israel.

– ¿Qué mujeres artistas recomiendas conocer (descubrir)?

Ruth Schloss, estoy bastante segura de que aún no la conoces.

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8×8 (infinito x infinito) es un proyecto curatorial de entrevistas a mujeres artistas y gestoras culturales dirigido por Andrea Perissinotto con la colaboración de YANMAG

«Plasmo escenas aparentemente ingenuas y alegres que en el fondo siempre contienen un punto desconcertante, reflejando una sociedad privilegiada pero en decadencia»

Carol Solar muestra en sus obras con ironía y sentido del humor la identidad individual y el espacio personal. Crea un mundo propio de colores brillantes donde presenta situaciones que provocan perplejidad al que las contempla que, en contraste a los títulos, arrancan desde sonrisas a carcajadas. Pero su trabajo no se queda en la anécdota porque en cada cuadro o arte textil aparecen las inseguridades del ser humano: el amor, el miedo, la incomprensión, la búsqueda de protección o el lugar de la infancia que buscamos donde nos sentimos bien. Una obra que merece muchas miradas para descubrir todos sus secretos.

Carol Solar está representada por la galería Aurora Vigil-Escalera de Gijón.

Andrea Perissinotto sobre la obra de Carol Solar

«Creo en las escaleras mecánicas como una constante en mi camino interrumpido. Una distancia interpersonal e interprofesional de libre interpretación me separa de otra bajada. ¿Cuántas comas hay que poner para intercalar un fracaso? En caso de caída de objetos me dirigiré al personal de la estación. Un personal muy impersonal, muy interpersonal y demasiado interprofesional.

A todo esto, ¿dónde está la osa rosa? Osa efímera como mi perseverancia, rotativa como la línea seis de Metro, inerte como un trabajador durante los dos meses de prueba. A todo esto, ¡qué calor hace! Y (pregunto al personal) «perdonen ¿dónde está la osa rosa?».

Aumento la velocidad de los mensajes de audio para ver si la encuentro y espero a que se cruce con mi olfato. Pero sigo allí, bajando hasta no llegar. Bajan las escaleras, baja mi tensión, baja autoestima, baja laboral, bajo sin ventanas, bajo con ascensor. Creía haber escrito mucho, pero me sabe a poco. Me sabe a Amoxicilina 750 miligramos durante ocho días, tres veces al día. Me sabe también un poco a vaca rara, a melancólico descanso, a agónico temporal y a ríos de piedras. Pero esas fueron otras historias.

La rapidez no es lo mío. Seguiré bajando con la ilusión de que, poco a poco, el sistema “Carol Solar” suba por las escaleras opuestas y nos crucemos, aunque el nuestro sea un instante fugaz, una estrella apoteósica o una mirada atómica, una lágrima al revés, una flor sazonada de cariño o cualquier otra variable de una aventura a punto de nacer.

Es que Carol es la reina de las aventuras y de las peripecias cromáticas; una creativa que no va buscando un sitio en el mundo del arte, sino que se construye su propio reino, como hace en la serie “Lugares”, en la cual es la soberana absoluta de unos objetos, colores y lenguajes que hacen un guiño a la infancia, a las formas “mórbidas” de los juguetes de los niños.

Pero nada más lejos de querer asimilar esos juegos infantiles a su producción, la artista nos hace partícipes de un relato que funde esas reminiscencias con conceptos mucho más articulados y que se convierten en humor esperanzador o sarcásticas reinterpretaciones de nuestras vidas, sirviéndonos un cóctel de experiencias intergeneracionales (hasta interraciales) para que saboreemos virtudes y defectos de este mix de Diazepan, paz y amor.

Además, nosotros somos siempre los bienvenidos en esas historias, porque son las nuestras, aunque puedan parecernos inverosímiles, como cuando vemos que encima del sofá hay un tigre, hierático y paciente, esperando el cariño que le corresponde, como si de un gatito se tratara. Al revés, en el centro de otro cuadro, vemos a dos personas abrazándose para paliar el miedo que le provocan unas fieras, aparentemente feroces, salvo por el hecho de que son ellas las que más pánico les tienen a los humanos.

Podríamos decir, entonces, que el de Carol Solar es el mundo al revés, pero tampoco acertaríamos, debido a que hay mucha cordura en medio de toda esa locura y es por eso que empatizamos con sus fábulas psicodélicas, con las tonalidades amargas de una soledad alcohólica y una variedad heterogénea de formas de amar: combinaciones de sentimientos que traspasan los géneros.

Quebrantar los estereotipos es una manera de disipar la indiferencia de un día cualquiera, brillando como una máquina del tiempo difuminada en el horizonte y construyendo cuentos que buscan equilibrios perdidos, extraviados en la intolerancia que ha vuelto a ser un rasgo demasiado habitual de nuestra sociedad, cuya tendencia es achacar a lo no normativo todas las culpas posibles.

Y las pinturas de Carol son un antídoto contra la intolerancia: sinceras como un picnic de emociones caseras, cruciales como un abrazo cuando más lo necesitamos y únicas como la unicidad de reencontrarnos menos jóvenes, igual con más preocupaciones, pero más abiertos a considerar que lo que nos queda por vivir se merece una (o varias) oportunidades.

No obstante, tras esos puzles de seres variopintos que florecen en medio de la intimidad doméstica, en una bañera compartida con un cocodrilo o remando a bordo de una canoa en pleno salón de casa, percibimos también la complejidad y el esfuerzo que nos exige el hecho de intentar entendernos y entender a los demás.

A tal propósito, hay una obra totalmente ejemplificativa que se titula Niño feo desayuna con sus padres en la cual los progenitores están sentados al lado de su hijo, quien se encuentra en el centro de la composición, y sus rostros nos delatan una montaña rusa de perplejidades. Con razón, ya que el chaval tiene una cara en forma de cubo y de los dos lados que vemos uno le está sonriendo a la madre, mientras que el otro le reserva una mueca más bien triste a su papá.

Resumiendo: a veces somos refractarios a cualquier tentativa de empatizar con quienes nos rodean, sea por la razón que sea. Otras veces nos recriminamos no haberlo intentado siquiera y, sin embargo, no se puede negar que también hay casos en los cuales nos hemos volcado con los rompecabezas ajenos con el mero resultado de haberlos interiorizados hasta hacerlos nuestros.

Pero, ¡ojo! no nos desanimemos, porque en este último supuesto, el de la “amistad/migraña”, estamos arriesgando nuestra integridad psicofísica en pos de brindar apoyo a alguien, sea un familiar, una pareja o un amigo y el detonante de este ejercicio bondadoso es la escucha, que se dice pronto, pero en un mundo donde prima el culto al yo y a las apariencias, que alguien nos ayude a desahogarnos e incluso a deshacernos de unos cuantos llantos (véanse los capítulos: depresión/ansiedad/estrés/no me duermo) no está nada mal.

Tiempo es el que también nos dedica Carol, como buena amiga de sus seguidores en las redes sociales, compañera de aventuras artísticas o anfitriona del espacio expositivo de AVAM, cuando coincidía con ella en su etapa de secretaria general (2018-2020) de la asociación profesional que representa a los artistas visuales que residen en la Comunidad de Madrid.

Si me lo permite, yo incluso cambiaría su apellido, para que -aunque sea de vez en cuando- pudiera aparecer como Carol “Jovial”, que me parece que se presta muy bien a describir a esta polifacética artista, creadora de espacios físicos y mentales donde practicar el buen rollo y fomentar una paleta de colores inéditos que incluyan el azul te aguanto, el castaño te extraño, el amarillo te recordaba con más flequillo, el rojo no te entiendo pero lo intento, el coral cara de animal, el violeta no seas un jeta o el marrón me molas mogollón.
Posdata: el rosa me lo quedo para volver a hablar de la osa que buscaba al principio y que finalmente encontré en un post del Instagram de Carol (@carolsolar6) donde descubrí que, en realidad, se trataba del “Oso Térribol”, mascota de unas cuantas de sus exposiciones. Así que, querido “Térribol”, seguiré bajando contigo si no te importa acompañarme en este viaje irracional y extravagante, porque te vi cuando yo estaba a punto de desaparecer, te vi cuando estaba en un berenjenal descomunal, te vi lleno de flores por todas partes y creo, al fin y al cabo, que te vi con mis mejores ojos: los de las alucinaciones simpáticas, de allí que pueda decir con cierto margen de seguridad que podríamos ser buenos amigos. O, al menos, lo podríamos intentar. «¡Térribol! ¿Dónde estás? ¿Dónde está el oso rosa? ¡¿Ya te fuiste?!». Pues nada, seguiré bajando, a ver con quién me encuentro… Bye!

ENTREVISTA CON CAROL SOLAR

– ¿Cómo definirías tu obra?

A través del dibujo, la pintura y el textil, creo un imaginario propio que con humor e ironía, explora los conceptos de identidad individual y espacio personal. Me inspiro en medios populares como los dibujos animados, los cómics, la moda, los cuentos infantiles o las redes sociales, para aproximarme a los asuntos que nos configuran como individuos y como sociedad: las relaciones, el miedo y la libertad.

En mi reciente obra gráfica, a través del color y del dibujo sencillo plasmo escenas aparentemente ingenuas y alegres que en el fondo siempre contienen un punto desconcertante, reflejando una sociedad privilegiada pero en decadencia.

– Tu obra ¿tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o se refiere a más géneros?

Aunque la figura de la mujer tiene un peso importante en mi obra, no pretendo que ésta sea el tema central de mi trabajo.

– ¿De qué proyecto te sientes más orgullosa hasta el momento?

Desde que me licencié en la facultad de Bellas Artes en 2013, me he dedicado principalmente al arte textil, pero cabo de empezar a pintar y a dibujar y la verdad es que es un proceso que me está haciendo muy feliz, estoy muy orgullosa de mis últimas obritas.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Estoy experimentando vías para unificar el arte textil con la parte pictórica, ya que me gustaría seguir haciendo esculturas textiles y todo tipo de instalaciones con telas, pero quizá, decoradas con mis pinceles.

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Creo que así ha sido desde siempre y aunque la cosa está cambiando, todavía queda mucho camino hasta alcanzar la igualdad total.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza su andadura profesional?

Que se salve mientras pueda. No, es broma.
No creo que una mujer artista tenga que hacer nada distinto a un hombre artista, es el mercado el que tiene que cambiar y eso está en manos de galerías e instituciones. La lucha por la igualdad le corresponde a mujeres y a hombres.
A un-una artista que empieza, le diría que se hiciera una estrategia desde el principio, que se planteara qué tipo de artista quiere ser, a dónde quiere llegar y cómo lo va a hacer. Un buen plan de marketing nos vendría bien a tod@s.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Mis referentes van cambiando cada día… así voy de perdida. Ahora estoy en etapa de Dorothy Iannone y Greyson Perry. He pasado por referentes como Louise Bourgeois, Kiki Smith, Ágatha Ruiz de la Prada…

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

Pues voy a recomendar a mis contemporáneas preferidas: Yolanda Tabanera, Marta Serna, Marina Vargas, Maribel Binimelis, Begoña Cid, Rosie Beard, Patricia Mayoral, Juana Gonzalez, Patricia Landabaso, Breza Cecchini, Rosario Trillo, María Acuyo, Sandra Val… la lista es felizmente larga.

Este tipo de iniciativas orientadas a remarcar el trabajo de las mujeres artistas siempre me deja un regusto agridulce. Son muy de agradecer porque seguimos siendo muy invisibles en general, pero coño, ¡que todavía estemos en estas…!

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Carol Solar en Aurora Vigil-Escalera

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«Si hago arte es por la libertad que concede»

Aline Part crea su obra a través de sus propias experiencias, desde lo íntimo y lo autobriográfico hasta lo global. Eligió el arte por la libertad que concede a la hora de crear, por lo que su trabajo no sigue una temática propia. Nos reconocemos en sus obras, tan cercanas, tan personales pero a la vez tan universales, que replantean cuestiones éticas, también desde el feminismo.

Andrea Perissinotto sobre la obra de Aline Part:

«Este túnel me recuerda otro túnel. El aire puro de los primeros días, la luz al final del coito, mis ojos en tu rostro inédito y toda la vida por delante. Aceptamos la locura, las miradas traviesas, las ganas de lamernos una oreja cada uno, cada cual con su saliva nueva. Nosotros, animales sordomudos convertidos en estruendos letales.

Flechas amargas en el pecho, en las mejillas. Flechas amargas en la boca, en la espalda. Ortigas en los pies, rabioso, te fuiste saltando encima de mi orgullo, donde mi sonrisa no prospera. Me despierto para vivir esa memoria otra vez, esperando a que todo lo callado explote por dentro… maldito recuerdo el que se queda demasiado en el fondo.

Un solo recuerdo y un día entero de soledad; juicios infinitos, autoculpabilidades. El ruido de las medusas en una bañera sin luz, cantando tu exilio, tu edad por debajo de la vejez, mi ambición de destrucción y tu cuello suave. Te extraño dulce, en la cama, hirviendo escalofríos eléctricos como son los principios, los inicios de cada historia.

Aline Part modula su voz, disruptiva y elegante, firme y cautivadora, como una mariposa de papel volando entre las chispas de un volcán en erupción. Sus creaciones nos sorprenden por la delicadeza del acabado y, a la vez, nos despiertan con un mensaje siempre acorde a su intención de hacernos pensar.

Pensar en que todavía existe la esclavitud, la de unos seres humanos postrados ante unas condiciones laborales indecentes, que la artista escenifica a través de diferentes series, una de ellas es Made by slaves. Tres palabras impresas en unas etiquetas que Aline cose encima de las originales, reescribiendo así el origen de esas prendas, que pasan de ser fabricadas en un país “Hecho en…”, a serlo por parte de su población explotada “Hecho por (esclavos)”.

De esa manera, nos hace partícipes y cómplices de aquellos abusos que nunca queremos reconocer, apartando nuestra mirada y, por ende, nuestras responsabilidades, de unos procesos comerciales cada vez más despiadados al igual que tolerados.

También nos hace pensar enfrentándonos a nuestros silencios. En la obra Repas de famille (Comida familiar) la incomunicación y los secretos de una familia se sirven en un comedor encima del cual hay unas vajillas repletas de espinas, y no hace falta tener a ningún comensal sentado a esa mesa para percibir, como nuestras, sus voces calladas. Síntomas de una sociedad que no escucha, que no dialoga y que se enmudece delante de los muchos aparatos tecnológicos que se han convertido en los nuevos oráculos para tantos yo unificados.

Esa homogenización de las mentes, de las voluntades de un colectivo manipulado, a pesar de creerse libre y autor de sus propias elecciones, nos remite a otra forma de esclavitud. Quizá tendríamos que agarrar con fuerza esos vasos y esos platos, sangrando hasta salvarnos. La apatía, apatía, apatía… es una trampa mortal. Herirse para escucharse, herirse para entrenar nuestra capacidad de ser, la voluntad de ser, el orgullo y el agotamiento de usar nuestro cerebro.

En la misma línea, tanto estética como conceptual, se encuentra Grenades (Granadas), donde una granada de mano se mimetiza en una cesta de frutos cuyo único nexo es el de compartir nombre con el artilugio bélico. Se trata de un conjunto de cerámicas que camuflan el elemento ajeno bajo un blanco uniforme, generando un efecto sorpresa en el espectador. En esta pieza el miedo se convierte en una variable más de la cotidianidad, donde la naturaleza propia del peligro se mezcla con la incógnita derivada de una posible distracción, o de una falta de atención que nos puede costar muy cara.

Significativa es también la sinceridad con la cual Aline Part nos hace partícipes de sus procesos creativos, como ella misma nos comenta: «me dejo llevar por mi trabajo artístico, no tengo un tema asignado, varía como varían mis obsesiones. Trabajo en mi propia biografía, en hechos significativos como mi separación, pero también en hechos sociales como el auge del nacionalismo en España, el machismo y la religión, entre otros».

Por tanto, cada obra, cada acción de la artista está fuertemente ligada con sus vivencias, pero, al mismo tiempo, reconocemos una vertiente universal en ellas, que genera empatía y también una alerta en el público. Porque nos reconocemos, voluntaria o involuntariamente, en los mensajes que Aline nos lanza. Basta con ver una de sus más recientes creaciones: No future en la cual estas dos palabras están formadas por unas abejas clavadas con alfileres en el fondo de una caja.

En palabras de la artista «se trata de una reflexión sobre la correlación entre la desaparición de insectos y el peligro de nuestra propia existencia. Ilustrando esta célebre frase atribuida erróneamente a Alfred Einstein “Si las abejas desaparecieran de la superficie del globo, al hombre sólo le quedarían cuatro años de vida”».

Según los cálculos de Naciones Unidas este año la población mundial ha superado los 8.000 millones de habitantes. En un planeta en el cual las heridas del cambio climático y la sobreexplotación de los recursos naturales inciden directamente en ese No futuro del que nos habla Aline, la pulcritud de sus mensajes choca con un trasfondo en el cual nos vemos representados y que está directamente relacionado con nuestra propia subsistencia. Se lee, pues, como una exhortación a despabilar y tomar conciencia de que la inercia con la que seguimos viviendo es un veneno que absorbimos lenta e inexorablemente.

Y yo mismo me incluyo en el ejército de peones sin rumbo, marchando a paso lento y atónito hacia la supervivencia, alejando la incertidumbre con el calor del confort. Pero ya no basta cambiar de pantalla, ya no es suficiente con omitir una noticia y pasarse a otra red social más divertida. Porque Aline Part nos ha dejado alguna que otra ventana rota y ese aire frío nos tendría que llevar la mirada hacia otro estado de concienciación.

Sé que nos estamos mirando, pero ya hemos cruzado todo lo que había que cruzar. Mejor desenroscar nuestros destinos y dejar el pasado donde está. Más silencios que recoger, más silencios que probar, para que unas voces nuevas hablen de todo lo que nos cuesta decir, con la confianza de una culpabilidad que sabemos que existe y que no puede, ni debe, ser la excusa para seguir quedándonos parados ni un minuto más.»

ENTREVISTA CON ALINE PART

– ¿Cómo definirías tu obra?

Nací en 1984 en Pau, en el sur de Francia. Fui una niña soñadora hipersensible y aterrorizada por la escuela empecé a pintar para evadirme… Por azar de la vida estudié artes plásticas en la universidad de Toulouse. Después del primer año de máster decidí ir a España donde al final viví 10 años. Residí en Sevilla fue un choque estético muy grande y mi arte tal como esta tierra se volvió más contrastado. Allí me enamoré y tuve a dos niños, poco después me separé y es cuando decidí que iba a dedicar cada minuto de mi vida al arte. Sufrí bulimia debido a la mezcla de mi actividad diaria con el trabajo: foto performance, videoarte, arte callejero, instalaciones…me formé en la creación de cerámica y empecé con el arte textil y el artivismo. Tuve que volver a mi país, me fui a vivir al campo con mis dos niños y monté un taller de cerámica para seguir creando con diferentes materiales y disciplinas.

Mi trabajo no tiene una temática propia, si hago arte es por la libertad que concede. Trabajo desde lo más íntimo, lo más autobiográfico hacia lo más global y político. Me gusta recorrer diferentes sitios como la calle, una galería o una casa okupa..

Expuse en distintos sitios: Inglaterra, Colombia, Túnez, Francia y España… me han entrevistado en distintos medios como la cadena ARTE (franco-alemana) además de periódicos y canales  regionales (canal sur en Andalucía o la République des Pyrénées en Francia). Sigo queriendo expresarme, con mis dudas y mis rabias.

– ¿Tu obra tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o por el contrario tiene un carácter más universal?

Creamos desde nuestra experiencia, así que por supuesto creo como mujer que soy pero a la vez mi obra es muy heteróclita, no siempre hablo de feminismo. Últimamente me estoy centrando en temáticas más políticas cómo la ecología o la perdida de libertades que estamos viviendo. Por supuesto soy feminista al igual que estoy en contra de cualquier injusticia.

– ¿De qué proyecto de los que has realizado te sientes más orgullosa hasta el momento?

Mi pieza la más potente diría que es esta manzana con pinchos hecha de cerámica intitulada La bondad de Dios. Esta pieza habla del pecado original posicionando a Dios como un mal padre, un ser perverso. En mi trabajo me intereso mucho en los mitos y sobre todo en la religión cristiana. En esta obra me centro en el pecado original y digo que Dios hubiera podido protegernos cubriendo el pecado con pinchos en vez de camuflarlo en una fruta apetecible.
Y con el proyecto que estoy desarrollando en la actualidad, titulado Made by slaves voy a las tiendas de ropa a coser sobre las prendas unas etiquetas que ponen Made by slaves como denuncia de las condiciones de trabajo de los obreros que trabajan para multinacionales.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Tengo muchos proyectos en la cabeza, uno de ellos es la realización de camisas hawaianas peculiares. También me siento cada vez más artivista. Estuve un mes en Calais, en el norte de Francia, en una ONG para ayudar a los refugiados que se encuentren allí bloqueados a la frontera con Inglaterra. Esta experiencia me hizo ver que mi país (Francia) está literalmente en guerra contra unos civiles inocentes que huyen su país para un futuro mejor. De lo que vi me gustaría sacar una pieza, tengo un happening ya pensado pero difícil de organizar…

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Claro que en una sociedad patriarcal es más difícil ser reconocida siendo mujer al igual que es más difícil ser presidenta del gobierno…los lugares de poder están defendidos por hombres y el mundo del arte no es diferente … Me gustaría añadir que hay algo que me dificulta todavía más mi trabajo y es el hecho de ser madre soltera, me cierra muchas puertas. Por ejemplo no puedo solicitar muchas residencias de artistas de larga duración y no me puedo mover con facilidad ni trasladar mi residencia.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza en este momento?

Me parece importante no pisotear a las compañeras, nos tenemos que ayudar ya que el camino es difícil y parar de vernos como competencia unas a otras. En verdad esto no es problema de género, el arte es un mundo híper competitivo y es una pena. Somos personas muy sensibles y nos hacemos mucho daño…falta la solidaridad que nos permitiría tener una profesión más protegida y más reconocida.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Varias mujeres me inspiran como Louise Bourgeois y Marina Abramovich, Francesca Woodman, Kiki Smith.

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

Hay muchas pero diría Ana Musma, Natalia Auffray, Charo Corrales…. Que además de ser buenas artistas son humanas maravillosas…

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8×8 (infinito x infinito) es un proyecto curatorial de entrevistas a mujeres artistas y gestoras culturales dirigido por Andrea Perissinotto con la colaboración de YANMAG

La obra de Cinzia Newoman se centra en el cuerpo y en sus infinitas posibilidades. Un cuerpo que se expande y se encoje, que se mueve y transita y que aparece frente a nosotros en sus diferentes formas. Un cuerpo que debe ser aceptado tal y como se muestra, ofreciéndonos un espectro de apariencias infinito e íntimo que revela su secreta  singularidad.

Andrea Perissinotto sobre la obra de  Cinzia Newoman

«Naranjas amargas entre los escombros de una esperanza quemada, zumo de olores, cenizas ácidas, capas y capas de humo me envuelven y me desnudan. Abrazo el sosiego y mis pensamientos se adormecen. Abrazo el sueño, la calma, la oportunidad de descubrirme para volver a saborear mi esencia.

Y en esa nueva criatura están los recuerdos, los que me conocen y me saben mirar. Están las ofrendas de paz a mi cerebro indómito, indomable, inalcanzable, frenético. Podría describir el frío que me rasca la piel y me deja la cabeza desordenada, como un aliado ausente, arisco, pero indudablemente coherente con su intransigencia.

Ese hielo se hace con mi cuerpo acurrucado en la proximidad de una respuesta que me cuesta escuchar… un ruido sutil que se extiende hasta amanecer completamente desierto de palabras. Unos labios sin voz habitan mis días pálidos, los indiferentes, los momentos planos, los descansos. Me roban todo menos lo que tenía: la sensación de miseria llena de bombas feroces que caen inexorables desde muy, muy arriba, pero con mucha, mucha precisión. Caen y se acercan, se acercan cada vez más grandes, más oscuras, más evidentes, más reales.

Sin embargo, de la plenitud del letargo me despierto diferente, me reencuentro y me interrogo, con la dulzura de la fragilidad investigo lo que resurge de mis pesadillas e intento confiar en lo que siento. ¿Qué es lo que siente un adulto cuando vuelve a recrearse en el vientre materno?

Cinzia Newoman emprende un viaje introspectivo y se enfrenta a esta pregunta gracias a la serie Myrtho, donde la artista propuso a una bailarina profesional explorar el movimiento a través de la casi total limitación del mismo. De hecho, tal y como me comentó la propia Cinzia, las fotos de esta serie se tomaron en el canapé de su cama donde un cuerpo ágil, flexible y abierto al espacio -dueño del espacio- se enfrentó a una situación a las antípodas de sus hábitos.

En esa geometría inhóspita, las manos se convirtieron en sondas buceando en océanos de un azul noche que es espejo de las incógnitas, pero también de la esperanza. Desocupando el vacío, en un ejercicio íntimo y tácito, la protagonista de esta serie se vio inmersa en la lentitud de la sanación: una ocasión para intentar desprenderse del ruido imperante que nos hunde en el frenesí de los días… la ansiedad que invoca más ansiedad, la ruta trazada de una sociedad en la que nos convertimos en masas y nos perdemos como individuos.

En cambio, somos únicos, en nuestra perfecta imperfección y en ese umbral entre rendición y aceptación marcamos el ritmo de un devenir en el que somos sonidos propios de una sinfonía atípica. Variables caprichosas e irregulares de una oración que nos hicieron aprender de memoria y que ahora queremos entender, para cuestionarla o hacerla nuestra, para acogerla o dejar que se vaya.

En la obra de Cinzia Newoman esa mezcla constante de inquietud, curiosidad, ganas de dejarlo todo para luego reírse y volver a empezar, se palpa en muchas de sus fotos, pero, quienes la conocemos, lo apreciamos más aún cuando estamos con ella. Porque Cinzia es sonrisa, es ironía, es la amiga que se apunta a todo y genera ese bienestar para que la adversidad se vea menos nefasta y más asequible, más cerca de la comedia que del drama.

Los dos italianos, los dos compartiendo nuestro amor por Madrid y ambos desahogándonos mutuamente cuando esta ciudad parece que nos está dejando de querer. Sin embargo, incluso en los momentos más hostiles, siempre he acabado contagiándome de su optimismo y, poco a poco, he ido descubriendo sus múltiples facetas creativa… porque hay una Newoman fotógrafa, una Newoman actriz y seguro que hay muchas más Newoman(s) que todavía me quedan por conocer.

Personalmente, creo que, al igual que el proyecto Myrtho, también las series Ana y Clotilde (los títulos de estos ciclos se corresponden a los nombres de pila de las modelos que los protagonizan) se centrar en el universo femenino, como reflejo de la necesidad de la artista para que el medio fotográfico sea un trampolín, gracias al cual investigar algunos entornos que pueden llegar a resultar hostiles para las mujeres. Como, por ejemplo, la relación con el propio cuerpo, la demostración de una fuerza, inteligencia y vigor que, en determinados entornos, permanecen aún ocultos y reprimidos.

Al mismo tiempo, en sus fotos son precisamente los cuerpos que se adelantan con una energía que va in crescendo hasta convertirse en el motor de un cambio, que los acontecimientos han ido fortaleciendo, hasta forjar una actitud diferente. Está claro que estamos frente a una artista comprometida, curiosa, sensible y divertida. Una nueva mujer o, mejor dicho, una mujer siempre nueva: camaleónica y dispuesta a cuestionarse, en la cual la novedad constante ha de leerse como una constante transformación, porque hasta lo nuevo aburre y Cinzia, desde luego, no es una a quien le guste el aburrimiento (¡doy fe de ello!).»

Entrevista en castellano

Entrevista en italiano

ENTREVISTA CON CINZIA NEWOMAN

– ¿Cómo definirías tu obra?

Definiría mi obra como Viva y Vibrante. Por esa razón he decidido titular cada trabajo con el nombre de las artistas que participaron en la realización de la obra misma. Mi sueño es poder realizar una exposición con la protagonista presente, porque quiero que la obra no sea solo un concepto abstracto.

– ¿Tu obra tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o por el contrario tiene un carácter más universal?

Mi obra tiene un carácter universal dirigido e inspirado en las personas de diferentes etnias y razas, me fascinan los colores, la danza y las tradiciones culturales de cada país.

– ¿De qué proyecto de los que has realizado te sientes más orgullosa hasta el momento?

Me siento muy orgullosa de todos mis proyectos, son mis bebés, y me regalan siempre mucho entusiasmo y muchísima felicidad.
Entre ellos, me gustaría destacar los tres más recientes, que se centran en el universo femenino y que, además, toman sus títulos de los nombres de las protagonistas de cada uno de ellos.
El primero es Myrtho que retrata a una bailarina de origen griego, quien, a través de sus movimientos, nos abre mundos extraordinarios que van mucho más allá de lo tangible.
La impresión de las fotografías es realizada con una técnica muy antigua, la Cianotipia, y aquí he apostado por presentar cada foto junto con su negativo. De alguna manera, quería acercar cada retrato a su imagen opuesta, casi como si estuviese delante de un espejo.

Ana, en cambio, da vida a la segunda serie, que retrata a una mujer cuya energía, fortaleza y elegancia, se juntan en una danza donde el cuerpo parece librarse de su propio peso, llegando a una dimensión de conciencia absoluta y de equilibrio físico y mental, donde la protagonista se transforma de gusano a mariposa.

Finalmente, Clotilde es un ciclo en el cual me basé en una técnica fotográfica que a través del flash estroboscópico permite capturar un subjeto en movimiento en varios puntos de su trayectoria.
El resultado de esta experimentación es que el cuerpo desvanece y se convierte en un concepto etéreo, de otra dimensión, como si fuera un fantasma o la visualización de un deseo o un sueño.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Yes I’m perfect, es un proyecto en el cual llevo ya unos años trabajando, que pretendo llevar adelante como un work in progress, se basa en la concienciación colectiva de que, ´Sí, somos perfectos´.
Una serie de personas de diferentes países y razas, me regala su foto con la escrita (declaración/revolución) Yes I’m perfect en diferentes idiomas.

El mensaje de esta colección es que en contra a lo que los medios de comunicación quieren hacernos creer que la perfección no existe, divulgando nuestras imperfecciones e imponiendo cánones de belleza unilaterales y ajenos a la multiplicidad de variables de las que se compone el mundo, para mantenernos en un estado de inseguridad y frustración constante.
Nuestra respuesta es: Sí, somos perfectos y únicos con nuestro cuerpos maravillosamente funcionales y estéticamente perfectos y únicos también aportando una variedad infinita de colores, raza, rasgos somáticos, formas y dimensiones perfectas.

(Contra la idea que debemos perseguir un estereotipo globalizado de perfección de nuestros cuerpos y nuestros rostros, con cirugía estéticas muy costosas e invasivas que nos deforman y transforman en copias de las copias).

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

En estos tiempos de pandemias y crisis económicas creo que será siempre más complicado desarrollar una carrera como artista y esto se aplica, de igual manera, para hombres y mujeres.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza en este momento?

Trabajar siempre de manera incansable. Dejarse guiar por sus propias intuiciones y buscar continuamente la manera de dar visibilidad a las obras que creamos.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Las fotógrafas españolas Cristina García Rodero e Isabel Muñoz, la estadounidense Annie Leibovitz y la británica Anna Atkins con su obra Cyanotype Impressions.

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

Lisetta Carmi, italiana, una artista sorprendente.
Abandonó su larga carrera como pianista para dedicarse a la fotografía. Viajó a diferentes países, entre ellos a Israel, América Latina, Afganistán, Pakistán, India y Nepal. En 1972 publicó I travestiti, un libro de fotografías de travestis que causó revuelo y muchas opiniones en contra.
Es de los primeros artistas en tratar en su obrala identidad de género de manera radical .

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«Me interesa el vínculo de apego y los trastornos que genera en el ser humano una disfuncionalidad en el desarrollo del mismo»

Rocío Bueno explora los vínculos personales a través de la fotografía, un medio que relaciona con otras artes visuales como el dibujo, la pintura y el collage. En su obra cobra protagonismo el color rojo en todas sus tonalidades: enlazando con hilos, sugiriendo con cabellos, alimentando con frutos, iluminándose en llamas o deshaciéndose en un líquido amniótico. Un trabajo en el que nos encontramos y donde reconocemos detalles de nuestra propia vida, imágenes que resultan familiares de nuestros propios afectos  y que por lo tanto acaban siendo universales.

Andrea Perissinotto sobre la obra de Rocío Bueno

«Mermelada de fresa y algodón, nieve y sangre, lágrimas en la palma de una mano arrugada, bajando por las grietas de recuerdos cada vez más ásperos. Qué lejos estamos, a veces, y qué bien nos conocemos en esas distancias, en esas parcelas de emociones contenidas, donde resuenan campanadas de inquietudes y despedidas inolvidables. Las dudas y las palabras calladas. La felicidad añorada, la resiliencia, el derrumbe.

Ahora que estoy solo, hay muchas miradas que me vienen a la cabeza. Ahora, que es el momento de escucharme, pienso en que todavía tengo la suerte de tener a una madre que me quiere, y puedo incluso escucharme en su voz, para tejer esa conexión que revive en el acto de hablar y en la evidencia de un mañana que se hace cada vez más viejo, que se reduce, se abrasa en el afán de agarrarlo tan fuerte como para lograr retenerlo.

Deconstruir un nuevo inicio, reinventar la esperanza vencida. ¿Cuántos días tiene la eternidad? Tantos como las piedras del dolor que se me cae encima cuando pienso en que llegará ese momento, en el que, de verdad, me quede solo. Y todas las veces lo pienso. Solamente ella, solamente yo, sin querer aceptar las razones plausibles de un naufragio en un día soleado; debajo de ese sol, se me da demasiado bien resplandecer de amargura. En cambio, debería disfrutar de cada instante que pasamos juntos. Lo hago, también, con amor y confianza.

Ese nexo inexcusable que nos une, madres e hijos, es el Hilo que Rocío Bueno eligió como título de una de sus series más reconocidas. En palabras de la artista, este proyecto «es una búsqueda personal en torno a la figura de la madre, ¿cómo entenderla?, ¿dónde buscarla cuando ya no está? Una reflexión sobre la construcción de la maternidad, ¿de qué está hecha una madre? Y un cuestionamiento sobre el modelo heredado, ¿qué es ser una “buena madre”?».

En su libro Non vi lascerò orfani (No os dejaré huérfanos), la autora, Daria Bignardi, afirma que «sufrimos tanto cuando se mueren nuestros padres porque sabemos bien que nadie jamás nos volverá a amar de esa manera». Pero ¿cómo se forma nuestro amor hacia ellos? ¿Qué relación tiene esa manera de amar con la manera en la que nos han criado? Hay interrogantes que pueden ser conflictos, laberintos de suposiciones precarias, armas en una caja fuerte entreabierta.

Cuando conocí a Rocío, estaba trabajando en la serie fotográfica Amnios, que presentamos en la Galería La Ecléctica, dentro de Hybrid Art Fair, en febrero de 2019. Ese proyecto constituía el primer paso de una búsqueda interior de la artista, entre pasado y futuro, indagando sobre la maternidad y la identidad como mujer. Por lo tanto, desde el principio de su carrera, ha estado explorando los vínculos generacionales, ahondando tanto en lo universal como en la historia autobiográfica e investigando sus conexiones con la construcción del individuo.

“Amnios -nos sigue explicando Rocío- es una membrana interna que envuelve, protege y permite la vida en su origen, proviene del griego ἀμνίον, que significa recipiente para recoger la sangre de los sacrificios». Las imágenes de este ciclo nos hablan de ausencias, de afectos, de llantos, de sangre y viento; de aire frío que quema en la garganta y que hay que tragar. Hasta que, bajando hacia el origen de la incertidumbre, chocamos con un espejo que nos grita unos nombres conocidos: los que están escritos en nuestra cara.

De hecho, la modelo de la mayoría de las piezas que componen este ciclo, es la propia hija de la fotógrafa, para quien este ensayo introspectivo hacia la fuente de tantos interrogantes, se convierte en «una especie de transferencia entre madre e hija», un reflejo que diluye la lejanía generacional y que nos arrastra hacia un abismo en el que el desasosiego se manifiesta casi exigiéndonos que nos enfrentemos a él.

Es aquí donde afloran unas cuestiones primarias para esta serie, que se materializan cromáticamente con unos decididos tonos de rojo (color de las emociones, la fuerza y la metamorfosis) y azul (que rememora lo atemporal, lo cotidiano, lo asumido que no se cuestiona). Emociones que envuelven el espectador en una burbuja pasajera que recoge en sí misma la delicadeza de la niñez y la apariencia angustiosa de una muerte por ahogamiento… y ese rostro de la protagonista en ocasiones parece hundirse para siempre y otras, en cambio, sale a flote como en búsqueda de auxilio o, por el contrario, en señal de independencia, para demostrarnos que está todo bajo control (su control).

Por tanto, en Amnios vivimos un estado de tránsito entre existencias ligadas las unas a las otras, mientras están buscando su propia manera de convertirse en formas independientes, en ese mismo mar que les une y les abraza. Cada una a su manera, cada cual en una unicidad que -voluntaria o involuntariamente- acabará impregnándose de similitudes. Y allí podríamos estar nosotros, en el flujo de una corriente que nos asfixia o nos anima a reaccionar, o en los entresijos de unas historias que queremos descifrar para saber hasta dónde y cuándo nos han pertenecido.

En definitiva, Rocío Bueno nos enseña una constelación de dudas y estrellas fugaces, de cabos sueltos y caricias que huelen a pasado y que nos acompaña en un viaje perpetuo entre ausencias y olores vivos, desenfoques y materia terrenal. En la penumbra solo creemos en la experiencia acumulada, solo lo vivido se ve con cierta seguridad. No obstante, al amanecer de cada día, nos encontramos en un lugar donde coexiste la necesidad de deshacer el hilo intricado de lo que ya sucedió, con la aspiración de que nuestra propia historia se convierta en un paso firme, para dar sentido a esta vida que estamos cosiendo con un sinfín de preguntas y también con la soberanía de nuestros errores y aciertos.»

ENTREVISTA CON ROCÍO BUENO

– ¿Cómo definirías tu obra?

Soy creadora visual y fotógrafa. Me interesa relacionar la fotografía con otras artes visuales como el dibujo, la pintura o el collage. Abordo temas sobre la mujer y su construcción actual. Exploro las limitaciones del propio medio fotográfico en su intento de atestiguar, expresar y construir memoria.

– ¿Tu obra tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o por el contrario tiene un carácter más universal?

Tiene un carácter especialmente vinculado con la mujer, nuestras inquietudes, temores, herencias culturales, lastres, dudas, contradicciones, etc.

– ¿De qué proyecto de los que has realizado te sientes más orgullosa hasta el momento?

Hilo, un trabajo a modo de reflexión personal sobre la figura de la madre y la construcción de la maternidad, un cuestionamiento sobre el papel de la buena madre tan inculcado cultural y socialmente.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me llama mucho la atención el vínculo de apego y los trastornos que genera en el ser humano una disfuncionalidad en el desarrollo del mismo.

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Sin duda, no hay más que ver la cuota de representación que tienen las mujeres artistas en los museos, festivales, premios en concursos o como miembros en algunos jurados.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza en este momento?

Que no se desanimen, que no están solas, que hay organizaciones maravillosas luchando por la visibilidad de la mujer en el mundo del arte. Crear en libertad y disfrutar del proceso.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Louise Bourgeois, Viviane Sassen, Helena Almeida, Alessia Rollo, Julia Borissova, Elina Brotherus, Elisa G. Miralles, Rinko Kawauchi, Abigail Reynols.

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

Viviane Sassen, Rinko Kawauchi, Gloria Oyarzabal, Yolanda Domínguez, Tacita Dean, Cristina Lucas.

(Nota: Las fotografías de Rocío Bueno aquí publicadas giran entono a la vida y obra de la poeta americana Edna St. Vincent Millay. Los títulos de las obras se corresponden con títulos de algunos de los poemas.)

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«Me interesa la relación con las personas, me gusta pensar en mis fotos como el fruto de un encuentro»

Elisa Miralles se arriesga en la búsqueda sobre la identidad propia a través de una obra sugerente y sin artificios. Fotografías donde surge el verdadero yo entre distorsiones, reflejos y destellos. Cuerpos que se arquean y se transforman de la manera más cruda y sincera. Una obra para llegar al núcleo del ser, que se muestra primitivo, poderoso y ardiente.

Andrea Perissinoto sobre la obra de Elisa Miralles:

«Se abre un rectángulo verde en medio de la noche, en lo negro de la materia más inquieta, donde prospera la duda y pica la garganta. Un desconocido amándote despacio. Una risa liberadora y duradera; una risa de haberlo disfrutado todo. ¡Grítale a la cara hasta que le duela la piel! Y no te quedes con ningún deseo desatendido. Este es un espacio inédito y a la vez tan reconocible que parece haber estado cazándote durante mucho tiempo, mientras se hacía con tus proezas para poblar sus tierras, diseñadas encima de ti, dejándote una herencia de cenizas y sed.

No hay suficiente caos para poder desordenar todas tus inseguridades, así que vas a recogerlas de una en una, antes de sentarte de nuevo. Allí, incrédula y titubeante, miras a tu enfado o a algunas de sus posibles conjugaciones, inflando y desinflando un globo de rencor acumulado en los pulmones. Tras tanta contaminación no podrás seguir andando y te tendrás que parar otra vez, antes de lamerte de nuevo. La inercia de una gacela corriendo sin rumbo, huyendo de sus malas palabras para acabar rompiéndose en un insomnio tan frágil que es casi un sueño. Pero no estás durmiendo, te estás apoderando de ti misma.

No hay suficiente sangre para saquear el furor de un volcán, y cuando te revienta todo el cuerpo, te dejas invadir por la pólvora de una guerra que en su momento no luchaste, mientras que ahora sí, ahora esperas a que te alcance otra batalla, por la que sí estarás dispuesta a estallar. Prepárate. Bébete toda su saliva y riégale con tu luz dorada, porque cada lentejuela de tu pudor apartado, brillará en la armadura de la fiera que eres. La loba que eres.

Loba es el título del proyecto más reciente de Elisa Miralles, quien explora, en esta serie fotográfica, la figura de una mujer universal, que es libre de conectar con su instinto más profundo, tras haber estado «contenido y dominado por la cultura, la religión y las convenciones sociales grabadas en nuestro ADN desde que nacemos», según sugiere la propia artista. Esas ideas preconcebidas, ese duelo asimilado con injusta naturalidad, se convierten en lágrimas de fuego: un volcán en erupción y, por otro lado, un mar acogedor donde los cuerpos parecen encontrar cobijo.

Dentro del agua se dispersan los chillidos, los estrépitos que llenan la cabeza… de repente, no hay sonido más dulce que el latido de la conciencia: una pirueta hasta el fondo de la vergüenza, para darse cuenta de que, realmente, no hay nada que reprocharse. Porque no hay engaño, no hay delito en el mero hecho de quererse; no obstante, el camino hacia esa seguridad y la conciencia de ese hecho pueden convertirse es un laberinto de enemistades, un túnel de voces familiares que sabotean cualquier intento de independencia.

Sin embargo, Elisa Miralles nos rescata con unas imágenes que se tiñen de una fuerza regeneradora, e incluso donde hay destrucción, esa ferocidad, esa energía, se canalizan hacia otro estado: de plenitud, de lucidez, y es así como la artista, desde la materia más prima, se sitúa en el lugar del estar, donde los cuerpos se ensalzan en un vaivén constante de aullidos y afonías. También se alían, se apoyan entre ellos, de forma silenciosa o incluso sin que haya contacto siquiera, tan solo el hecho circunstancial de compartir un lugar se transforma en la trinchera tras la cual tener conciencia de una victoria que quizá sea fugaz, pero merecedora de ser alabada.

De alguna manera, estamos delante de una mujer que se quiere conocer, que está intentando hallarse en una metamorfosis que a veces parece ser aterradora al igual que ineludible, imperiosa, vital, erótica, opulenta o comedida, pero su proyección es siempre hacia delante. Y la luz está de su parte, incluso en la ausencia, en la nada, en la soledad, esa luz genera una sombra protectora que la abraza y no la suelta, como si fuera una máscara, como si hubiese un cuchillo afilado que nos mantiene a la justa distancia.

Que se agarre el espectador, ya que no es una brisa cualquiera, señores, este es un vendaval que vimos venir, que nos arrastra al suelo, no sin antes avisarnos de su temeridad. Y ella, ella quisiera que el viento le hablara más fuerte, que la lava rozara la delicada brutalidad de la conciencia, defensa y fuerza de la vulnerabilidad, el poder y la sensibilidad de la estabilidad.

Pero no está a gusto con la quietud y este no es discurso pasajero: necesita explotar, contaminarse, explorarse… Esa mujer se hace cargo de sus miedos y desliza sus dedos por todos los recovecos de sus años, hasta llegar al día de hoy. Y el día de hoy es el día de la loba.»

ENTREVISTA CON ELISA MIRALLES

– ¿Cómo definirías tu obra?

Me interesa la relación con las personas, me gusta pensar en mis fotos como el fruto de un encuentro que siempre me deja un poso de mayor sabor que la propia imagen resultante. Mi fotografía es un reflejo de mis intereses, mis emociones y dudas de la etapa que estoy viviendo. Actualmente me interesa mucho hablar del cuerpo propio y ajeno, la construcción de identidades y la cosificación desde una perspectiva feminista

– ¿Tu obra tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o por el contrario tiene un carácter más universal?

Sí, fundamentalmente mis dos últimos proyectos, WANNABE y LOBA, están vinculados con la mujer, su cuerpo y sus deseos frente a la presión social que dicta unos estereotipos que hay que cumplir.
Actualmente estoy trabajando con la fotógrafa Lurdes R. Basolí en un proyecto colaborativo, #serlobas, que comenzó como un dueto y ahora quiere dar voz a mujeres que mediante fotografías quieran explorar otra mirada hacia sus propios cuerpos, y construir juntas un imaginario que se aleje del impuesto por la sociedad patriarcal. Trabajamos a través de @serlobas en Instagram y una web propia (serlobas.es). Nos interesa un proceso de trabajo pausado y cuidado del que vaya surgiendo una polifonía visual.

Para continuar e impulsar esta creación colectiva estamos preparando una segunda edición del taller Ser Lobas en Madrid, que se realizará en mi estudio, los días 3, 4 y 5 de junio. Puede encontrarse toda la información del taller en la web del proyecto y en Instagram.

– ¿De qué proyecto de los que has realizado te sientes más orgullosa hasta el momento?

Tengo un especial apego a mi primer trabajo, Recuerdos sin memoria, porque documenté el día a día de mi abuela enferma de Alzheimer.
Se creó un vínculo muy especial entre nosotras.
Fotografiar su situación fue un duelo anticipado para mí, y una manera de expresar lo que no sabía decir con palabras.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Hay temas que me interesan mucho como la forma en que el cuerpo registra el paso del tiempo frente a la obsesión por la juventud. Mi trabajo evoluciona conmigo y ahora mismo siento la necesidad de liberarme de los tabúes y estereotipos impuestos por la educación y los medios.

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Es más complicado para una mujer desarrollar cualquier carrera que para un hombre. Confío en que esto cambie a medio plazo, en España cada vez hay más conciencia y más activismo en el Arte, podemos verlo en artistas como Elena González Torres, Verónica Ruth Frías o María Gimeno, cuya obra reivindica a las artistas invisibilizadas a lo largo de la historia. Gracias a ellas tenemos muchos más referentes que nos ayudan a crear desde otro lugar.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza en este momento?

Que se apasione con lo que hace, que sea persistente, y sobre todo que confíe en su trabajo, en su intuición y en lo que ella necesite contar.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Como fotógrafa Diane Arbus.

Además las surrealistas: Unica Zürn, Leonora Carrington, Dorothea Tanning y Leonor Fini.

Las escritoras Anaïs Nin y Marguerite Duras.

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

A parte de las que he mencionado antes, otras mujeres contemporáneas que me inspiran cada día como Jocelyn Lee, Katrin Koenning, Robin de Puy, Laura Silleras, María Bastaros, Paula Bonet y por supuesto Lurdes R. Basolí.

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Elisa Miralles – Instagram – Vimeo

Proyecto Ser Lobas – Serlobas.es – Instagram

Fotografía de Elisa Miralles realizada por Estela de Castro

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La entrada Elisa Miralles – Artista Visual se publicó primero en YANMAG.

8×8 (infinito x infinito) es un proyecto curatorial de entrevistas a mujeres artistas y gestoras culturales dirigido por Andrea Perissinotto con la colaboración de YANMAG

La obra de Patricia Mayoral muestra abstracciones enigmáticas como tejidos ampliados por las lentes de un microscopio, y son los títulos que los acompañan los que las transportan a nuevas y sorprendentes dimensiones. Y ambos, obra y título, como un choque, un diálogo o una alquimia muestran el deseo, los abrazos, los besos o el color azul en los paisajes interiores que continuamente nos transforman.

Andrea Perissinotto sobre la obra de Patricia Mayoral

«Hoy toca bailar hasta la hipnosis, para que tú me digas que pare cuando quieras, para que me mandes una señal ficticia de auxilio. Sin escrúpulos, sin fin, sin aliento, seguir siguiendo unos pasos ardientes, en la madera oscura, mojada con todo mi sudor, con todo mi ser exhausto y sutil, desaparecido en un juego de voluntades anticipadas, en ninguna de las cuales he podido ver claramente mi rostro.

¿Quién es ese animal que sigue moviéndose? Ese animal soy yo, pero ya no, ya no me muevo. Solo estoy intentando sentirme bien… Niebla en la niebla, pudor en el pudor, me escondo detrás de una tentación calmada. Decrépito y firme, desnudo y fugaz, esperando el abrazo de una tormenta de arena, detrás de unos árboles borrados por el viento blanco que cancela cualquier rastro de resistencia.

El paisaje, en la obra de Patricia Mayoral, es un lugar de iniciación, una transferencia de emociones en devenir, una señal de esperanza para respirar hondo o acurrucarse entre los escombros protectores de un espacio en constante transformación. Una guarida para el espíritu, oxígeno para madurar una decisión, o una caricia en la que poderse callar cualquier necesidad de opinar.

«En mi obra, el paisaje es la esencia, la pintura es el alma y como mujer que soy ahí estoy», afirma la artista. Y ahí está también la inseguridad fortuita de una recompensa, la dualidad de una elección encubierta, sugerida quizá, o quizá no. Como en la encáustica sobre tabla entelada «Nunca desee tanto», cuyo título podría ser un desafío a la avidez, pero también un aliciente para que pidamos más… “nunca desee tanto, porque podría quedarse corto”.

Yo lo intenté, y me puse a navegar por las rugosidades de esas piedras, mares de noches gastadas, una caja de alfileres caídos desde la altitud de una luz color caramelo, impregnada con el desconsuelo de lo inalcanzable. Mostaza y azul, buceando en las letanías de un infinito desconocido, pero en el que me siento a gusto.

Porque no parecía tristeza la que iban descubriendo mis manos mojadas, sino más bien se asemejaba a una resignación dulce, vencida por lo que nunca llegué a conseguir. Y si fuese cielo y no agua, el aire estaría atrapado a mi alrededor, empujándome por todos los lados. En cualquier caso, lo vi venir, cada vez más despacio, más furioso y al mismo tiempo más benévolo, como la bronca de una madre: tajante y bondadosa.

Así que seguiré bailando, porque todavía no conozco el final del viaje y creo que queda margen para experimentar más ausencias, antes de que me toque romper el vacío y salir de ese cuento a otro. De hecho, no hace tanto frío como creía, porque estoy quemando todas las despedidas amargas que tenía acumuladas en mi pasado y ahora me doy cuenta de que todo lo que arde deja bastante espacio para nuevas historias.

Son historias mías y de cualquiera, que Patricia Mayoral amplía en sus obras enroscando percepciones con sueños y aproximándose a la duda interminable que nos acompañará hasta el final. Lo hace expandiendo esos hilos perpetuos, a veces círculos, que reconocemos en muchas de sus piezas, como brazos abiertos para que nos amparemos, aún sin conocernos, en nuestra existencia serena e inquieta; una danza de la que somos cómplices, espectadores y coreógrafos a la vez.»

ENTREVISTA CON PATRICIA MAYORAL

– ¿Cómo definirías tu obra? ¿tiene un sentido vinculado a la temática de la mujer o por el contrario tiene un carácter más universal?

En mi obra, el paisaje es la esencia, la pintura es el alma y como mujer que soy ahí estoy.
Mi obra está cargada de registros que reconstruyen momentos de mi propia vida. La superación e investigación en cada técnica que utilizo imprime carácter a cada obra. No expreso lo mismo con una encáustica que un óleo sobre papel metalizado.
Ojalá llegara el día en que no hubiese que recurrir a una temática feminista para reivindicar derechos humanos universales.

– ¿De qué proyecto de los que has realizado te sientes más orgullosa hasta el momento?

Con cada proyecto me he sentido orgullosa. Cada uno ha tenido su significado y su momento.
Si hecho la vista atrás, todos se han quedado ya dormidos para mí, siempre quiero más, aunque a veces haya un ir y venir al pasado para tomar impulso.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me gustaría seguir haciendo proyectos expositivos que sigan produciendo retos en mí, en mi pintura y en mi técnica.

– ¿Es más complicado para una mujer artista desarrollar su carrera que para un hombre?

Evidentemente sí. Desgraciadamente lo sigue siendo como en el resto de las áreas laborales. Aunque siento que va cambiando muy lentamente.

– ¿Qué aconsejarías a una mujer artista que comienza en este momento?

Que confíe en ella misma. Que exprese lo que lleva dentro cuidando la técnica y el proceso. Que sea fiel a sí misma y priorice la expresión artística en todos los momentos de su vida.

– ¿Qué mujeres artistas han sido referentes para ti y en tu trabajo?

Georgia O’Keeffe: «No copio las cosas enteras, sino fragmentos, porque pinto lo que me parece importante o me hace sentir emociones dentro del todo».

Louis Bourgeois: «No soy lo que soy, soy lo que hago con mis manos».

Cristina García Rodero: «La cámara en sí no te lo va a dar todo. La cámara te ayuda, pero el motor es tu corazón o tu cabeza. Tener cubiertos de plata no va a hacer que tu comida sepa mejor».

– ¿Qué mujeres artistas recomendarías conocer?

Carol Solar, Maribel Binimelis, Mercedes Bautista, Dafne Artigot, Montserrat Gómez-Osuna, Patricia López Landabaso, Begoña Cid, Teresa Moro, María Ángeles Atauri, Ana Musma y alguna más.

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Fotografías de Patricia Mayoral

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La entrada Patricia Mayoral – Artista Plástica se publicó primero en YANMAG.