«Triunfará el que se mantenga en hacer de su trabajo piezas únicas, con mucho arte, para conservar un público más exclusivo«

Merche Mart es diseñadora especialista en tocados y sombreros con fomación en patronaje de alta costura e industrial. Su experiencia de la moda en el sector durante 25 años avala su trayectoria, habiendo trabajado para clientes con proyectos individualizados a grandes marcas.

Alejándose de la industrialización de la moda, Merche Mart elabora piezas únicas personalizadas en las que combina numerosas técnicas, fabricando cada uno de las partes del tocado y nunca utilizando elementos pre-elaborados. Son diseños exclusivos, pequeñas esculturas que se posan delicadamente sobre el cabello del que las lleva, aportándole un halo de distinción y elegancia.

-Llevas más de 25 años en el mundo de la moda ¿en qué disciplinas has trabajado?
He trabajado durante casi tres décadas en ese mundo. Comencé como vendedora de ropa, calzado y complementos en algunas boutiques de lujo. También trabajé y me formé en escaparatismo y patronaje de alta costura e industrial.

-¿Como comenzaste en el diseño de tocados y cómo ves ése complemento?
Todo comenzó como un hobby después de una etapa laboral muy traumática. Siempre me apasionaron los tocados y sombreros, así que me formé con una sombrerera de prestigio y fue todo un descubrimiento. Unos cursos me llevaron a otros y comencé a fusionarlos ayudada por mi formación y experiencia anterior. Todo esto me ayudó a expresarme artísticamente haciendo lo que verdaderamente me gustaba y creando piezas únicas a las que yo les llamo “mis pequeñas esculturas”.

– ¿Cuales son tus referencias en moda?
Generalmente me da pautas y me inspira los accesorios de la alta costura vintage y particularmente mi mayor referencia la encuentro en Coco Chanel de la que tomé como mía una frase muy interesante:

«No es la apariencia, es la esencia. No es el dinero, es la educación. No es la ropa es la clase”.

«Mi mayor referencia la encuentro en Coco Chanel de la que tomé como mía una frase muy interesante: No es la apariencia, es la esencia. No es el dinero, es la educación. No es la ropa es la clase»

– ¿Como planteas cada diseño para cada cliente?
Primero observo y escucho al cliente para conocer gustos, estilo y personalidad. Probamos en el taller piezas que tengo ya diseñadas para ver qué le favorece más. Después hago un estudio en profundidad de la información que me ha dado, de sus preferencias y de las pruebas en el taller. Muchas personas se dejan aconsejar, pero algunas vienen con una idea preconcebida que no siempre es la adecuada y a veces esto limita a la hora de crear una pieza personalizada.

– Utilizas numerosas técnicas ¿cuales son y como las aplicas en cada proyecto?
Son muchas, la principal se basa en la sombrerería con el trabajo de teñido, hormado, patronado y tapizado de las bases, pero también la técnica del alambrado para hacer coronas, tiaras etc..además de técnicas como la de plumista, flores de seda que incluye el troquelado, el acocado o rizado de pétalos y la técnica somebana.
Otras como las flores y pistilos en cera como se hacían en los años 20 del siglo XX y la técnica del modelado en porcelana fría.
Cada proyecto requiere una o la combinación de varias técnicas, en función del estudio previo que he hecho con las preferencias del cliente y el diseño.

– ¿Qué materiales eliges para trabajar?
Principalmente trabajo con materiales naturales como el sinamay, sisol, fieltro, seda, plumas etc…me gusta cómo responden a la transformación pero no me cierro a otro tipo de materiales más sintéticos o acrílicos porque en algunos casos se pueden conseguir cosas espectaculares.
No hay un material malo, sólo hay que adivinar la mejor manera de utilizarlo.

«No hay un material malo, sólo hay que adivinar la mejor manera de utilizarlo»

– ¿Cuantas horas puede llevar la creación de un nuevo diseño?
Depende, puede llevarme unas horas o varios días, no sólo por la laboriosidad del trabajo, en algunos casos me lleva más tiempo el crear el diseño.
En otros casos hay inspiración, pero siempre hay mucho trabajo detrás para conseguirlo.

– Diseñas tocados para bodas y otras celebraciones
Sí, trabajo para bodas principalmente, pero los tocados son para todo tipo de eventos. Es una pieza importante, o lo debería ser porque no se puede uno poner cualquier cosa en la cabeza. Si llevas un vestido de alta costura o hecho a medida tu tocado también tiene que ser personalizado. Artística y técnicamente debe estar al mismo nivel de elaboración porque si no, estás devaluando tu vestido.
Es un error no pensar en conjunto todo el estilismo y es un aspecto que trabajo mucho con mis clientas.

«Es un error no pensar en conjunto todo el estilismo y es un aspecto que trabajo mucho con mis clientas»

– En que otras ocasiones puede llevarse un tocado?
Se debería poder llevar en cualquier ocasión, es la guinda del pastel y aporta prestigio y elegancia a quien lo lleva, no tiene que ser un tocado, puede ser un sombrero adecuado para esa ocasión.
Pero también se podría poner un tocado para salir a bailar o ir al teatro etc… Pero en España no hay cultura de sombrero y tocado por culpa de una horrible moda que comenzó en los años 60 que consistía en llevar un pelo muy cardado, casi como un casco y donde un tocado o sombrero sobraba porque aplastaba ese trabajo de peluquería. En cambio, en Inglaterra aguantó un poco mejor gracias a su clima húmedo donde ése tipo de peinados no duraban mucho.

– Como comentabas, realizas una asesoría integral de imagen para combinar tocados y sombreros con el resto de la vestimenta
Tengo clientas y amigas que me consultan antes para que les ayude a elegir todo su conjunto de vestimenta y accesorios, y para mí ésa es la manera más acertada de trabajar. Pero en la gran mayoría de los casos vienen con todo ya comprado porque normalmente en España el tocado se elige como el último complemento, cosa que en otros países no es así: primero se selecciona el tocado y después lo acompañas con una vestimenta acorde.
Como digo es importante tener todos los elementos estudiados y previstos desde el principio, para que haya coordinación. La mirada recorre el cuerpo y tiene que haber un equilibrio y una armonía. Hay que saber elegir dónde quieres centrar la atención del que observa, y unos elementos que deben destacar sobre otros. La moda tiene unos códigos y se pueden dar mensajes equivocados si no elegimos bien, por eso siempre es bueno dejarse asesorar por un profesional.

«La moda tiene unos códigos y se pueden dar mensajes equivocados si no elegimos bien, por eso siempre es bueno dejarse asesorar por un profesional»

– Has impartido más de 140 cursos de diseño de tocados, flores, porcelana, diademas de flores, entre otros ¿cómo es la relación con tus alumnos/as y qué tratas de comunicar?
Los cursos son muy gratificantes, todos mis alumnos/as suelen tener el mismo perfil: son personas creativas y con la gran mayoría ha quedado una gran amistad. Muchas me consultan y preguntan sobre dudas que tienen mucho después de terminar el curso.
Intento trasmitirles la pasión por esta profesión afortunadamente no muy comercializada aún donde no hay casi nada imposible de realizar. Todo está por hacer y se puede conseguir con técnica, tesón, trabajo, arte y mucha intuición.

 «Todo está por hacer y se puede conseguir con técnica, tesón, trabajo, arte y mucha intuición»

– Trabajas puntualmente firmas de alta costura ¿como es trabajar con ellos?
Lo hice hace tiempo pero ahora sólo lo hago en función del proyecto y del profesional con el que tenga que tratar. Creo que ahora no están pasando por un gran momento. Supongo que triunfará el que se mantenga en hacer de su trabajo piezas únicas, con mucho arte para conservar un público más exclusivo que huye de la vestimenta seriada y low-cost.
Trabajar con ellos, es como en cualquier otra área: depende mucho del carácter de la persona, hay profesionales muy preparados y humildes y otros que te lo ponen muy difícil en todo el proceso.

«Triunfará el que se mantenga en hacer de su trabajo piezas únicas, con mucho arte para conservar un público más exclusivo que huye de la vestimenta seriada y low-cost»

– ¿De que proyecto te sientes más orgullosa hasta el momento?
Mi proyecto más importante y el que más felíz me ha hecho es sin duda el haberme metido en este mundo dejando de trabajar para otras personas, en definitiva ser independiente. Lleva más trabajo pero todo el beneficio revierte en ti.
Y dentro de este mundo me apasiona poder dedicarme a la formación y a la creación.

«Mi proyecto más importante y el que más felíz me ha hecho es sin duda el haberme metido en este mundo dejando de trabajar para otras personas, en definitiva ser independiente»

– En tus años de experiencia ¿cómo percibes el mundo de la moda?
En mi opinión está muy comercializado y personalmente ha dejado de interesarme porque no encuentro diferencias sustanciales de un año para otro ni nada que me sorprenda. Pero espero y deseo que esto cambie, y en lugar de tener muchas prendas, la gente busque cosas singulares y que les distinga aunque tengan que pagar un poco más.

– ¿Qué proyectos tienes para el futuro?
Aunque mis tocados son piezas únicas, últimamente he adaptado mis diseños a una estética más comercial. Pero mi proyecto más personal es comenzar con una colección de tocados más arquitectónicos, artísticos y trivales, con una vertiente más escultórica. Obras únicas que puedan exponerse en galerías y también lucirse en ocasiones especiales.
También me gustaría trabajar para proyectos concretos de cine y teatro.

«Mi proyecto más personal es comenzar con una colección de tocados más arquitectónicos, artísticos y trivales, con una vertiente más escultórica»

– ¿Como es tu tiempo libre?
Llevo una vida muy sencilla, en mi tiempo libre suelo hacer grandes caminatas haciendo fotografías, otra de mis pasiones, aunque soy una simple aficionada. Visito exposiciones y no hay un solo mes que no me pierdo por las galerías del Museo del Traje con sus exposiciones permanentes o las temporales donde también voy a sus talleres cuando el tiempo me lo permite.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad
Vivir en un mundo menos violento, en paz y sin hambre.

«Deseo vivir en un mundo menos violento, en paz y sin hambre»

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«Tomo la prenda como un lienzo en blanco, dibujando y pintando sobre ella una vez acabada la pieza. Todo realizado a fuego lento. Desde la confección hasta el último detalle.»

Victoria Bautista – Diseñadora Textil

Victoria Bautista es una profesional multidisciplinar: analista en Investigación de Mercado con más de 16 años de experiencia en la elaboración y análisis de estudios culturales, políticos y sociales, tecnológicos se especilizó en Márketing e Investigación en Medios de Comunicación. Dentro del mundo del arte ha trabajado y desarrollado proyectos como Gestora Cultural y Especialista en Arte Contemporáneo. Aunando todos estos conocimientos y bajo su propio nombre, se ha embarcado en la creación de su propia marca de arte y diseño textil donde desarrolla y pone en práctica sus conocimientos del dibujo y pintura, grabado, serigrafía o escultura.

En esta entrevista nos desvela su trayectoria profesional y nos habla de su nuevo proyecto de diseño textil.

– Vienes del campo de la sociología y de la cultura y el arte ¿cuándo comenzó tu interés por el mundo del diseño?
Siempre he tenido la necesidad de crear y transformar. Fui esa niña que cogía juguetes propios y ajenos y acababa rompiéndolos, para terror de sus hermanos y enfado de mis padres, simplemente por el placer de explorar. Luego vendrían las clases de dibujo y pintura, los cursos de grabado, serigrafía, escultura… pero siempre probando aquellas disciplinas artísticas que me llamaran la atención.
– ¿Qué determinó que hayas decidido convertirlo en tu profesión?
Principalmente por una necesidad creativa y un fuerte deseo de romper con lo que durante muchos años fue mi carrera profesional, analista de investigación, con la que me ganaba la vida. Necesitaba un cambio.
El diseño me da la oportunidad de desarrollar los conocimientos que he ido adquiriendo durante todos estos años. Embarcarte en  tu propia marca aporta una grado de libertad (vértigo y riesgo incluidos) que no te da trabajar para otros, en una oficina.

«Embarcarte en  tu propia marca aporta una grado de libertad (vértigo y riesgo incluidos) que no te da trabajar para otros»

Trabajar bajo responsables con ideas de llevar equipos como en principios del siglo XX bajo una careta de modernidad, agota. Cuando comencé en la investigación, al ser institutos más pequeños, participabas en todo tipo de estudios, distintas metodologías y de distintos sectores. Eso te hacía crecer profesionalmente. En las empresas grandes está todo mucho más sectorializado, sesgado, por lo tanto el margen que tienes para desarrollar tu creatividad o aportar valor añadido viene impuesto. El gran error de muchas empresas es el de no potenciar ese valor individual que todos tenemos, encorsetándonos.

«El gran error de muchas empresas es el de no potenciar ese valor individual que todos tenemos»

Sigo en contacto con  la investigación, sobre todo a los estudios sociales, políticos o los de Media (en los cuales me especialicé) y me sigue apasionando. Cuento con la ventaja de conocer los dos campos (el cultural y artístico y el de la investigación) y el haber analizado distintos sectores y conocer diferentes metodologías y estrategias de investigación me ha allanado y facilitado mucho el terreno.

– La investigación artística y el análisis del entorno son los pilares para tus creaciones ¿cómo aplicas estas investigaciones a los diseños?
Investigando y jugando a prueba y error. Haciendo muchas pruebas. No he descubierto otra fórmula.
Mi intención al desarrollar este proyecto era la de no desviarme en lo posible del terreno artístico. Utilizo técnicas artísticas adaptándolas al soporte, telas en vez de lienzos o papel. Obviamente hay que tener en cuenta la finalidad en la mayoría de los diseños, la usabilidad de esas telas con lo cual acota un poco las posibilidades artísticas cuando quieres hacer una prenda perdurable y utilizable.

«Conocer diferentes metodologías y estrategias de investigación me ha allanado y facilitado mucho el terreno.»

– ¿Cómo es un día normal en tu trabajo?
Según en el momento del proceso en el que me encuentre. No es lo mismo la fase de investigación, buscar materiales con los que trabajar, la producción de los diseños como la de presentación y venta. Pero siempre hay una rutina común; por la mañana me cuesta menos realizar el trabajo más concienzudo, el intelectual el que rige el hemisferio izquierdo y por las tardes-noches, el creativo, el del hemisferio derecho. Funciono bien así.

Intento ir a exposiciones, conferencias, jornadas y cursos que me motiven. Soy bastante inquieta en este sentido. Sobre todo indagar en nuevos movimientos culturales o artistas menos consolidados o menos visibles para los grandes medios y el gran público. En Madrid tenemos una oferta muy interesante, es una ciudad en continuo movimiento artístico y cultural a pesar de los recortes que ha sufrido el sector estos últimos años.

?- Tus colecciones tienen nombres mitológicos: Meret, Maia, Medea, Galatea y Argos… ¿qué te llevó a titularlas así?
Todo comenzó con el diseño “Galatea”, un vestido largo de seda blanca intervenido. Al verlo puesto ya por fin en una mujer real, Rita Castellote, no en un maniquí, me asombró y cautivó esa imagen a modo de estatua de diosa moderna. Vino a mi mente la imagen de Pigmalión y el embelesamiento con su estatua de marfil, Galatea. De aquí surgió el nombre de todas las colecciones. Algunas colecciones guardan una estrecha relación con el significado de la deidad, otras, solo han sido elegidas por un motivo estético.

«Todo comenzó con el diseño “Galatea”, un vestido largo de seda blanca intervenido. Al verlo puesto ya por fin en una mujer real, Rita Castellote, no en un maniquí, me asombró y cautivó esa imagen a modo de estatua de diosa moderna.»

– Muchos de tus diseños están elaborados con seda ¿cómo es trabajar con este material?
Ha sido una experiencia poco amable. En todas las pruebas me salían colores pasteles, muy claros y para esta colección pasada quería colores muy vivos y fuertes. Al ser una tela cien por cien natural sin mezclas, hay que tener un cuidado extremo. Ya me he reconciliado con la técnica y este tipo de tela, pero me ha llegado a exasperar…(risas).

?- ¿Qué otros tejidos utilizas?
No tengo un prototipo de tela determinado, empecé con la seda y un poliéster que nadie utilizaba para hacer vestidos, al igual que la loneta o telas impermeables. Voy cambiando según la idea que tenga. La tela se adapta a la idea y no al revés.

– El arte siempre está muy presente en tu obra y muchos de tus vestidos se convierten en lienzos a intervenirlos con pinturas a mano.
Así es. Me tomo la prenda como un lienzo en blanco, dibujando y pintando sobre ella una vez acabada la pieza. No estampo las telas antes de confeccionarlas. Necesito verlas acabadas para ponerme a pintar. Esta forma de trabajar implica el riesgo de equivocarte a la hora de utilizar la pintura pero por otra parte se convierten en un objeto único, de gran exclusividad. No es lo mismo una prenda pintada a mano sabiendo que no hay otro modelo igual  que una serie por corta que sea.
También realizo pequeñas tiradas de un mismo modelo. Series donde especifico el número de prendas que se han realizado con ese mismo dibujo.
No solo están pintados a mano, la nueva colección se compone de prendas y complementos intervenidos con objetos de distinta procedencia..
Todo realizado a fuego lento. Desde la confección hasta el último detalle.

«Me tomo la prenda como un lienzo en blanco, dibujando y pintando sobre ella una vez acabada la pieza (…) Todo realizado a fuego lento. Desde la confección hasta el último detalle.»

– Además de piezas para ocasiones especiales, encontramos prendas para vestir a diario como camisetas con estampados de colores muy vivos?

Así como creo modelos más artísticos que otros, por cuestión de funcionalidad, por este mismo motivo también he querido crear prendas que se puedan utilizar todos los días.

– Estos meses has presentado tus diseños en la Semana Grande de San Sebastián y en Marbella ¿qué acogida han tenido tus diseños?
Han funcionado mucho mejor en San Sebastian que en Marbella. Me tomé estas presentaciones como una toma de contacto para definir geográficamente a mis clientes potenciales. San Sebastián, el norte creo que se adapta mucho más a mi target. Se sienten más identificados con mi estilo.

– Para la presentación de tu marca has contado con la colaboración de la galerista Rita Castellote y la fotógrafa Laura Emme para la sesión fotográfica, con una estética elegante y desenfadada. ¿Cómo se forjó esta colaboración? ¿qué imagen quieres comunicar de la marca?
Me seduce la idea de transformar identidades y reflejar la belleza de mujeres reales.
Rita Castellote engloba a la perfección la imagen de marca que deseaba transmitir. El perfil de una mujer con fuerza, segura de sí misma, inteligente y luchadora, de pensamiento crítico. Poseedora de un gran sentido de la estética que sabe valorar la calidad. Laura Emme posee una inquietud  y una creatividad desbordante. Las dos son mujeres increíbles, siempre dispuestas a aceptar nuevos desafíos.
Tanto Rita como Laura están relacionadas estrechamente con el mundo del arte. Rita fundó su propia galería de arte y Laura no solo realiza proyectos fotográficos, también es restauradora. El entendimiento estaba servido por esa afinidad cultural y por la amistad que nos une.
Fue un placer trabajar las tres juntas. Una experiencia muy divertida.

«Rita Castellote engloba a la perfección la imagen de marca que deseaba transmitir. El perfil de una mujer con fuerza, segura de sí misma, inteligente y luchadora, de pensamiento crítico.»

 – ¿Cómo es el cliente que compra tus diseños?

Un cliente muy concienciado con el valor de lo artesanal, la calidad, la exclusividad y el “Made in Spain”. Un cliente que busca la elegancia basada en prendas atemporales e interesado por la cultura y el arte.

En la semana grande de Donostia una mujer asiática al ver dos de mis diseños pintado a mano me preguntaba insistentemente “¿Made in Spain, Made in Spain?” sin importarle el precio. Si no era diseño español no lo quería. Resulta una gran paradoja que nosotros, los occidentales cada vez compremos más a los asiáticos y ellos busquen y valoren el diseño español hecho en España. Para ellos es una muestra de distinción.

«Los asiáticos buscan el diseño español hecho en España. Para ellos es una muestra de distinción.»

– Apuestas por la exclusividad presentando tu trabajo mediante muestras pop-up en ferias, showrooms y encuentros privados ?¿por qué prefieres este modelo de venta?
Este tipo de eventos me dan la oportunidad de conocer personalmente al público que se interesa por mis diseños, saber sus preferencias y necesidades, quién es y dónde se encuentra geográficamente con el objetivo de poder dar un servicio más personalizado.

– Recientemente has elaborado “FEMBIEM. Bajo el Reino de Oku” un proyecto artístico para el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid un vestido blanco con objetos personales de 25 mujeres cosidos a él ¿cómo desarrollaste la idea y qué mujeres han colaborado en el proyecto?
Es difícil no sentir fascinación por el Mundo de Oku una de las exposiciones permanentes que alberga el museo. Motivada por esa fascinación, por las costumbres y tradiciones de esta población nació la idea de hacer un paralelismo simbólico entre dos culturas coetáneas diferentes.
Entre todas las piezas expositivas de la sala, desde la primera vez que visité el museo, me llamó poderosamente la atención una figura inquietante provista de una máscara, una vestimenta peculiar. Al acercarte y observar este atuendo con atención podías identificar mechones de pelo cosido en un traje de fibra natural que forma parte del conjunto de la máscara. Cabello auténtico que aporta cada uno de los iniciados al convertirse en nuevo miembro del grupo.
Me atrajo tanto esta particularidad que decidí investigar y adentrarme en las sociedades secretas del reino de OKU y no quedarme simplemente en el análisis de las telas propias de la comunidad, idea inicial del proyecto. Gracias a la información proporcionada por el propio museo descubrí la sociedad secreta exclusiva de mujeres FEMBIEM.

«Es difícil no sentir fascinación por el Mundo de Oku una de las exposiciones permanentes que alberga el museo. Gracias a la información proporcionada por el propio museo descubrí la sociedad secreta exclusiva de mujeres FEMBIEM.»

Con una serie de rasgos distintivos encontrados en estas investigaciones: poder individual, la fuerza de la unión, sociedad de mujeres… ¿cómo podía representar y aglutinar todos estos conceptos? A través de un grupo de mujeres a las que veo luchar día a día. Profesionales que con su motivación, talento y valía individual, desde distintas posiciones, están contribuyendo al desarrollo cultural en nuestro país. Ellas son las grandes protagonistas de este proyecto.

La pieza expuesta en el museo se compone de veintritrés objetos personales (veinticuatro con mi aportación) pertenecientes a estas profesionales del arte y la cultura simbolizando el poder individual de cada una de ellas. El vestido, a modo de gran sacerdotisa, representa ese sector cultural por el que trabajan cada día.
No quise desvelar la pertenencia ni la historia de esos objetos para no dar un protagonismo individual sino social, de conjunto. Hay anécdotas y significados detrás de estos elementos muy interesantes y dignos de ser contados como la trasformación y nueva vida de estos objetos.

«Poder individual, la fuerza de la unión, sociedad de mujeres… ¿cómo podía representar y aglutinar todos estos conceptos? A través de un grupo de mujeres a las que veo luchar día a día. Ellas son las grandes protagonistas de este proyecto.»

He disfrutado muchísimo realizando este proyecto. Ha sido una experiencia muy gratificante que me ha hecho (re)descubrir y conocer mejor a estas fantásticas mujeres merecedoras del reconocimiento por el trabajo que realizan. Son las FEMBIEN del presente y el futuro.
Tengo que dar las gracias una y otra vez a estas profesionales por su participación desinteresada y al Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid por acoger el proyecto. Estoy muy contenta con el resultado.

– ¿Qué impresiones has recibido de esta muestra por parte del público que la ha visitado en el museo?
Por ahora, son buenas. Está tan mimetizada con la sala que los visitantes piensan que pertenece a las sociedades secretas del Reino de Oku. Llama mucho la atención algunos objetos, como un “yuyu” real traído de Gambia, una entrada en la que pone desempleado, las fotos cosidas, la bota que asoma aportando movimiento…

– ¿Cómo imaginas la evolución de tu marca y tus diseños dentro de unos años?
Mucho más creativa y ecológica sin perder ese toque artesanal. Por mi parte seguiré investigando, descubriendo y aprendiendo.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

La reducción del IVA cultural y de la cuota de autónomos.
Es un solemne disparate pagar un importe fijo independientemente de lo que ganes. Debería ser proporcional a tus ingresos. Si un trabajador por cuenta ajena sufre un descuento en su nómina proporcional a lo que gana que va a parar a las arcas del estado, ¿por qué a los autónomos no? Es incomprensible, ilógico e inadmisible.

Más información

Victoria Bautista

FEMBIEM

Twitter @vicbausan

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